Mild Orange + Vesica Piscis + Aleex Raptor en el Foro Indie Rocks!

Sentir es lo único que alguna vez importó.

Al momento de hablar sobre música el dilema de la subjetividad es un punto bastante común entre quienes tratamos de traducir, a palabras, la explosión de sensaciones provocadas por lo musical. La línea es siempre tratar de mantenernos distantes al sonido; sentir desde un paso atrás el impacto de la agrupación frente a nosotros y, aun con todo esto en mente, hay ocasiones en las que las bandas frentes a nosotros hacen del show una experiencia puramente sensible. Muestra de ello lo que ocurrió la noche de ayer al interior del Indie Rocks!

El templete de la Roma Norte sería inaugurado por Aleex Raptor y compañía, presentando, en formato full band, una odisea de melodías suaves y soft psych durante poco más de media hora. Abriendo con el estruendo dulce a filo de guitarra para destacar el peculiar tono vocal del michoacano. El ambiente al interior del venue pasaría de la quietud absorbente a una marejada de softwave repartido entre cada instrumento, compenetrando cuerdas, sintes y secuencias en una única expresión de humanidad teledirigida.

Aleex Raptor_Foro Indie Rocks_David Durán (2)

El sabor de honestidad y lírica juvenil se transformaría rápidamente en la pulcritud sonora de drum machines y nostalgia electropop al sonar de Vesica Piscis sobre el escenario. El proyecto de dreampop nacional convertiría los destellos sobre su vestimenta en deslices de synthpop y voces hipermelódicas, valiéndose de la finura en su ejecución para introducirnos a este otro rostro del desgarre emocional. La ligereza en el espíritu de Raptor quedaba atrás para dejarnos atrapar por la hipnosis finísima compartida entre guitarra, batería y arreglos de teclado; impacto emocional vuelto suspiro constante.

Vesica Piscis_Foro Indie Rocks_David Durán (5)

Con cada hebra personal uniendo  escucha y escucha, caería "Colourise" como primer tema por parte de los neozelandeses, presentando la paleta de sonidos meditativos de la que se valdría el cuarteto durante el resto de la presentación.

Mild Orange_Foro Indie Rocks_David Durán (7)

Mild Orange condensaría la volatilidad y entrega del público mexicano en un setlist de efervescencia indie, melodías íntimas y el disfrute compartido entre los integrantes por poder presentar su música a kilómetros de su natalidad, pero encontrando un segundo hogar en la calidez de los rostros frente a ellos. El show encontraba su propio ritmo entre el resonar dulce de “This Kinda Day”, “Freak”, “In the Living Room”, “Aurora” y “Oh Yeah”, llegando  a un clímax de intensidad pasada a lo sonoro con “What’s Your Fire?”.

Tras lo que pasaría momentáneamente como el silencio post concierto, la euforia por los europeos era más que evidente. Josh Mehrtens y compañía lograrían la emoción característica de bandas consagradas en lo más alto del indie contemporáneo trayendo el sentir de un show de estadio a la intimidad de un recinto pequeño, poniendo con nada más que la honestidad en el sonido como punto central entre nosotros.

La última vez que estuvimos en aquí compusimos esta canción. La canción de la Ciudad de México”.

Así, y entre un llanto implícito de alegría, Mild Orange despedía la noche dejando el encore a cargo de “Que Chido” y “Where Are We Now?”, empujando hasta el límite la fuerza vocal en la garganta de cada uno de nosotros.

Top 10: Los solos más increíblemente alucinantes de David Gilmour

Vas a perder la conciencia de la realidad escuchando cada uno de estos solos.

Hoy es el mero cumpleaños uno de los más guitarristas de la historia, de un guitarrista que ha creado solos eternos, ósea, completamente memorables, hablamos de David Gilmour. Sin duda alguna, cada una de las notas que ha tocado este inglés durante toda su vida ha plasmado emociones fáciles de leer y por eso es reconocido como el guitarrista de los sentimientos.

Hoy lo festejamos recordando sus mejores solos, pero lo que menos que queremos es ser completamente obvios, aunque sí, en algún momento caeremos en lo más popular… porque tampoco es que lo más popular sea malo automáticamente. Ahora sí, agárrense.

 

10.- “Brother Where You Bound” - Brother Where You Bound (Supertramp)

En 1984, Gilmour colaboraba con Paul McCartney, Bryan Ferry y lanzaba un disco solista, pero también realizó una gran colaboración con Supertramp y grabó unos buenos solos en la larga duración muy sincopados. Aquí hay un David hace lo que se le antoja, su solo suena Santanoso por momentos, pero eso sí buscando estar muy alejados de los solos Floydianos.

9.- “A Great Day for Freedom” - The Division Bell (Pink Floyd)

En la era de Gilmour como líder de Floyd, cuando el nombre de Roger Waters no aparecía más en los créditos, hubo momentos muy oscuros, con discos que se quedaban muy por debajo de sus grandes clásicos. Pero a pesar de los malos ratos entre canciones, siempre encontramos algo rescatable como este solo, que suena potente y preciso.

 

8.- “The Blue” - On An Island (David Gilmour)

Ya mucho más que experimentado, Gilmour ya se conoce bien, sabe lo que puede hacer con su instrumento, sabe como explotar sus habilidades y sobre todo sabe hacerse sonar mítico. “The Blue” tiene un solo que en principio se escucha sencillo, pero más que sencillo es muy emocional, muy introspectivo y fino, muy fino. Este es especial para aquellos que les gusta mirar hacia adentro o soñar con los ojos abiertos.

 

7.- “Mudmen” - Obscured by Clouds (Pink Floyd)

Canción instrumental, de un disco muy poco popular de Floyd, uno que tiene uno de sus solos más infravalorados. Una canción que oscila entre lo progresivo y lo psicodélico, pero que al final sus vibraciones logran desintegrarte en micropartículas para disfrutarlo en múltiples dimensiones al mismo tiempo.

 

6.- “Fat Old Sun” - Atom Heart Mother (Pink Floyd)

“Fat Old Sun”, en su musicalidad, no es nada agresiva, es una canción muy alucinante, psicodélica, muy linda. Aquí el solo te puede mandar a volar en segundos, un solo como ningún otro en la historia de la sonoridad de Gilmour, porque podemos encontrar parecido en esencia con otros solos, pero en su estructura y en sus sensaciones es muy diferente.

 

5.- “Echoes” - Meddle (Pink Floyd)

La canción que empezó todo, la que cambió por completo el sonido de Pink Floyd, abriéndole las puertas a nuevos sonidos, nuevas texturas y nuevas formas de producción.

Aquí encontramos a un Gilmour joven y primigenio, pero para nada inexperto, lo que sí es que estaba llevando su talento a otros limites y así libera un solo mágico, agresivamente introspectivo, calmo y muy alucinante.

 

4.- “Have a Cigar” - Wish You Were Here (Pink Floyd)

La guitarra de Gilmour está 1000% influenciada por todos sus grandes ídolos del blues, de círculos, acordes, escalas, técnicas o sensaciones bluseras. Es un solo donde podemos notar todo eso sonido que lo inspiró durante su carrera primigenia en la guitarra y seguro lo sigue inspirando.

 

3.- “Hey You” - The Wall (Pink Floyd)

Porque los más grandes solos no siempre tienen que ser de larga duración, un buen solo puede ser corto, conciso, directo, bien estructurado y poderoso. El solo de esta rola es muy intenso, es desgarrador, esté construido sobre escalas menores, por lo tanto, triste, desconsolador, pero agresivo a la vez.

 

2.- “Time” - Dark Side Of The Moon (Pink Floyd)

Aquí Gilmour no solo lidera en la guitarra, también la voz principal y sinceramente su voz es superior a la de cualquier Roger Waters de cualquier dimensión, de cualquier universo. Y el solo cumple con su cometido, perderte en la densidad de la 4ta dimensión, volverte eterno por un momento como el solo que estás escuchando y ser parte de un todo.

 

1.- “Comfortably Numb” - The Wall (Pink Floyd)

La rola empieza con un slide guitar atascado de delay que crea capas de sonido suficientes para derretir la realidad y hundirte hasta las profundidades del mundo onírico.

Este solo podría ser de los más grandiosos de la carrera de David Gilmour, o no, ustedes pueden debatir al respecto. Pero la canción tiene tantas texturas, tantas secciones y el solo tiene tantos matices en diferentes partes de la canción que uno simplemente se deja llevar para disfrutarlo.

 

Un momentáneo lapso de razón

Sí, muchos solos, mucha potencia y todo, pero hay que recordar que David Gilmour es más que solos épicos. Él simplemente sabe como crear atmósferas, sensaciones y emociones, para darte el viaje indicado, el viaje que él quiere tener y que quiere que tú tengas.

Incluso cuando él no tiene protagonismo, siempre hace ese algo que suena perfecto en el ensamble, como las guitarras acústicas en “Alan’s Psychedelic Breakfast”, en sus coros, en su acompañamiento con la slide guitar y hasta tocando la batería. Simplemente el compa está hecho de música.

Residente comparte sesión con BZRP

El puertorriqueño expone una vez más su inconformidad ante el genero urbano.

Si hay alguien que no se queda callado ante nada es Residente, quien aprovecha todas las plataformas que tiene para expresar sus puntos de vista. Bizarrap es el nuevo canal y el material es una sesión de 9 minutos que se estrenó ayer. En el clip que muestra al rapero en el estudio del popular DJ y productor, se centra en la escena de la música urbana y el estado actual de está, pero lo que ha llamado la atención es el capitulo que dedica, sin decir nombres al rapero J Balvin.

Esto no ha sido una sorpresa para nadie, pues todo comenzó cuando J Balvin se molestó con la producción de los Latin Grammy's porque a su parecer los artistas urbanos no son valorados como deberían en la premiación. Fuera de que casi nadie apoyó el "boicot" de Balvin, varios exponentes del género se molestaron con él y uno de los más tajantes fue Residente, quien comparó la música del cantante con un "carrito de hot dogs". "Tu música es como un carrito de hot dogs, a todos les puede gustar, pero cuando esa gente quiere comer bien se van a un restaurante" comentó Residente en un video publicado en sus redes sociales.

Ya que estás enterado del conflicto, en la "Bzrp Music Sessions #49" con Residente  el puertorriqueño suelta versos cargados de veneno contra el reggaetonero y la escena urbana. En el primer capítulo titulado "En algún lugar de la mancha..." Residente rapea: "Tú y yo no somos iguales, yo no creo en las estrellas de las plataformas digitales. Ni en tus Billboard de cremita de pastel, ni en tus historias de Instagram Dolce & Gabbana y Cartier".

Ya entrado en calor, en el capítulo "Mis armas son mis letras" Residente crítica a la industria moderna del reguetón mencionando que para componer alguna canción se le da crédito a una cantidad ridícula de compositores. Ya al final de este segundo capítulo el ex Calle 13 menciona textualmente: "No se compra el respeto por ser talentoso, una cosa es ser artista, otra cosa es ser famoso".

Al final Residente cierra su sesión con Bizarrap con el capítulo "El caballero de los espejos" y ahí es donde se deja ir explícitamente contra J Balvin criticando la vez que el reguetonero sacó un video con mujeres con collar para perros, su colaboración con Bob Esponja y Pokémon, su falta de "calle", lo llama racista y hace alusión a la constante presunción económica que Balvin hace en sus redes sociales.

Échale un ojo a la sesión que te dejamos a continuación

Escucha el nuevo EP de Kirnbauer

Algo Bien, se dedica a explorar más de una faceta del amor. 

Stefania Kirnbauer estrenó hoy Algo Bien, su primer material como solista, en el que explora a través de las ocho canciones que lo componen, las distintas etapas del amor. La artista originaria de Monterrey, es parte de la creciente escena de mujeres latinoamericanas que comparten música desde la trinchera independiente y es considerada una de las exponentes de la nueva oleada del pop regiomontano.

 

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El nuevo disco de Kirnbauer se define como un proyecto indie con ritmos que van desde el electropop hasta el sonido chill del dreampop. Se trata de un material lleno de emociones, con sonidos suaves y brillantes. 

Los ocho sencillos que componen el disco exploran de una manera muy especial lo que es el amor. "TQB", por ejemplo, aborda el amor maduro, la manera en la que una pareja decide comenzar a compartirlo todo, incluso la misma casa.

"es mejor", por otro lado, va de los romances que se viven de manera libre. Y "no estamos bien" resulta ser una de las canciones más interesantes, ya que se sitúa en el contexto de la pandemia y habla de la confusión y de lo importante que es dejarnos sentir.

En Algo Bien encontrarás una canción para cada momento romántico que existe. Puedes escuchar "un rato", cuando tu relación amorosa está comenzando y todo es euforia y frescura. Y si todo sale mal, lo ideal sería acompañar el duro proceso de la separación con "tus chistes".

Kirnbauer tiene la facilidad de componer canciones sobre la simpleza de la vida y lo cotidiano, situaciones que todos hemos vivido o nos resultan familiares. Escucha el disco completo aquí abajo:

La cantante regiomontana ha mencionado que en el disco quedaron también plasmadas las emociones que experimentó al adaptarse durante la pandemia a su nueva vida en la Ciudad de México después de haber dejado Monterrey. Y como ejercicio sonoro, Kirnbauer decidió trabajar toda la parte visual de su nuevo álbum con mujeres que han estado haciendo ruido desde sus diferentes disciplinas.

El papel de la mujer en la música: Espacios Vacíos Vol. 2

Lanzamiento de Espacios Vacíos Vol. 2: La lucha incansable de la visibilidad del papel de las mujeres en la música

El pasado 3 de marzo se llevó a cabo en la Sala de Ensayo Buena Onda el lanzamiento de Espacios Vacíos Vol. 2, un compilado musical que reúne a voces femeninas en pro de la visibilidad de su trabajo en este medio, de la mano de Devil in the Woods y Equis Justicia para las Mujeres, con una causa en específico y es “la lucha por los derechos de las mujeres” en palabras de Isabel Erreguerena, directora de Equis Justicia para las Mujeres.

Nos vinculamos con el tema de Espacios Vacíos, porque precisamente busca que las mujeres tengan un espacio más dentro de esta industria del espectáculo, y además otras causas estructurales que comenzaron a salir en el movimiento de Me Too. Se me hizo interesante porque cuestiona los espacios de poder en la música Mencionó Isabel Erreguerena

Espacios Vacios 2

Espacios Vacíos, es un proyecto creado por Carla Sariñana (Ruido Rosa y Silver Rose), Moni Saldaña (Devil in the Woods) e Isabel Erreguerena (Equis Justicia para las Mujeres). Ahora este compilado presenta su volumen 2, el cual como el primero fue elaborado en su totalidad por mujeres, desde la curaduría hasta la ilustración. “En la música, las mujeres no estamos ocupando los espacios que deberían de ocuparse y eso también se convierte en una problemática que engloba a distintos tipos de mujeres”

Espacios Vacios Vol 2

El motivo de estas alianzas entre disqueras y asociaciones es porque todas las ventas que este vinil recaude se destinarán a la fundación Equis Justicia para las Mujeres, como un apoyo de mujeres para mujeres mediante la música.

Equis, trabaja en la justicia para todas las mujeres. Entendemos acceso a la justicia como todas las estructuras de acoso y sexismo que existen en el mundo y que no permiten a la mujer vivir y explotar su potencial en cualquier campo, libre de violencia”.

Dentro de las mujeres presentes en este lanzamiento estuvieron parte de la agrupación Ruido Rosa, Marion, Neptuna entre otras. Sin miedo a expresar sus inquietudes, cada una de las presentes en el lanzamiento de Espacios Vacíos Vol. 2 tuvo un momento para hablar y cuestionar el cómo actualmente se concibe a la mujer en la música, desde la poca relevancia en las plataformas digitales hasta en el momento de presentarse en un festival. Las diferencias existentes en el staff conformado por hombres y el integrado por mujeres. “Permitir a las mujeres ser quienes quieren ser. Que las mujeres salgan a los espacios públicos y tomen los espacios públicos como entornos recreativos”

Actualmente existen un gran número de compositoras, músicas, técnicas, curadoras, ilustradoras, etcétera que conforman a la industria musical, pero tanto los espacios como las mismas personas siguen obstaculizando su visualización. Nuestro deber como mujeres dentro o fuera de esta industria es compartir el trabajo hecho por mujeres, hacer llegar a otras personas la música que se encuentra y que es elaborada por creadoras para que de esta forma, esta visualización vaya creciendo y se reconozca su labor no sólo en este mes de la mujer, sino en todos los meses del año.

Espacios Vacíos Vol.2 llegará en formato físico el 8 de marzo, pero ya puedes pre ordenar el vinil y apoyar esta importante causa, adquiere tu copia aquí 

Captain Rico And The Ghost Band — Fréquences d’Outre-Tombe

Música surf desde la elegante Francia que contiene altas cargas de adrenalina para desafiar las olas del mar.

Surgida en las soleadas playas de California hace poco más de seis décadas, la música surf ha logrado enfrentar todo tipo de modas pasajeras. Mientras que gracias a su carácter instrumental se ha expandido por todo el globo terráqueo. Ahora existen representantes en los rincones más lejanos del planeta como Captain Rico And The Ghost Band que desde la tierra de la Torre Eiffel llega para empapar los oídos de todos.

El primer aviso del trío llegó en 2020 con su álbum debut que coincidió con una inesperada pandemia que paralizó al mundo. La primera consecuencia fue la cancelación de todas las fechas que se tenían planeadas. Aunque cuando se cierra una puerta se abre una ventana y ante la falta de conciertos la única alternativa fue componer nuevos temas.

En medio de un panorama adverso y con fuertes medidas restrictivas los integrantes del combo encontraron tiempo para regresar al estudio y grabar su segundo trabajo. El resultado se puede escuchar en 11 piezas que contagian felicidad y muestran la faceta más cálida de los franceses.

Por su parte, Captain Rico And The Ghost Band recurre a la formación más básica para crear temas reverberantes. Con esto en mente, Damien Ricaud (guitarra), Yves Manceau (batería) y Ludovic Timoteo (bajo) son los responsables de sacudir las bocinas. Su único objetivo es rememorar las fiestas en la playa y olvidar cualquier tipo de problema actual. Aunque la planeación no es algo original tampoco hay errores en la ejecución.

Los galos arrancan con poder y velocidad en “Sun Worship” para recrear un viaje en un dragster en medio del verano. El explosivo inicio con aroma a punk rock hace pensar en los Ramones pero también en bandas instrumentales ya desaparecidas como Hawaii Samurai. Mientras que en el resto se exploran otras vertientes que hacen más completo el disco.

En ese sentido, “The Beach of the Damned Souls” contiene lo que podría ser un homenaje a Davie Allen And The Arrows y su biker sound con el que le dio identidad a los filmes de motociclistas. La guitarra con fuzz destaca en primer plano y junto a la batería conforma una dupla de peligro.

Por otra parte, una de las composiciones de Captain Rico And The Ghost Band mejor logradas es “Dracula on a Skateboard”. Detrás del simpático título se encuentran tres energéticos minutos con la misma elegancia que una película de espías. Al mismo tiempo, es la confirmación de que aquí no hay lugar para baladas ni temas depresivos.

El segundo LP del trío francés ofrece una bocanada de aire fresco tan necesaria en estos momentos tan complejos. Aunque los problemas que existen en todo el mundo no van a desaparecer, al menos se pueden hacer menos tortuosos con un poco de música surf en los oídos.

Thurston Moore — Screen Time

Vida instrumental para tiempos complejos

El músico estadounidense Thurston Moore, quien fuera lider de la extinta agrupación de post-punk Sonic Youth , se encamina a publicar su octavo disco de estudio Screen Time ( 2022) , este a dos años de distancia de su anterior By the Fire ( 2020).

Es bien sabido que Moore es un músico experimental , hace uso alusivo a distorsiones de guitarra ; no en vano es uno de los guitarristas más destacados. Su técnica para hacer sonar las cuerdas es inusual. No por nada, ganó popularidad, ha sabido esculpir su peculiar manera de interpretar el instrumento con grandes dotes.  Mismo que aprendió de los maestros.

Moore , siempre tuvo inquietud por la música, dejó su natal Florida para trasladarse a Nueva York, la cuna del punk. El post- punk, new wave y experimental han estado plasmado en el sonido del artista.

Su álbum previo By the Fire, fue uno de sus trabajos más estimulantes, un disco pulcro lleno de cabalidad musical, en el que sus compañeros Deb Goooge ( My Blody Valentine) y Steve Shelley (Sonic Youth) , fueron pieza clave. Ese, fue el primer guiño de que se avecinaba algo más fructífero para el co-fundador de una de las banda más renombradas del alternativo de décadas pasadas.

Ese fue el camino para asentar que un proyecto solista germina; y que se nutre al paso de los años. Pasó un año, pero hay evolución. Mutación. Este material, está más inclinado al génesis, la semilla de su musa. Los requintos son su fascinación; al igual que los pedales de distorsión. Claramente, es notable en esta producción.

Screen Time, es un álbum meramente experimental , grabado y compuesto por él mismo. Aquí, Thurston Moore reflexiona entorno al ser humano y su relación con la tecnología , y que tanto invadimos en época de aislamiento social. Un disco con crítica, reflexivo y melancólico. En sí, este trabajo es una pausa al pasado. Con diez piezas instrumentales es como desea conquistarnos Moore con este álbum. Sus sencillos " The Station" y " The Walk" son detonantes para la producción del músico 63 años.

Temas de nostalgia e incertidumbre es lo que nos encontraremos en las canciones. Composiciones de la mente de Thurston Moore  en momentos complejos, en el que a más de uno sacudió.Esta placa creada durante la pandemia, trata de dar aliento, un respiro a eso , que creíamos haber perdido. Quizá Moore sea ese bálsamo, puede ser un refugio en sus composiciones y por qué no, guardarlas en el cajón de la vida.

Éste álbum contiene ese  puñado de canciones para curar eso que alguna vez tuvimos: el tiempo.

Abhir Hathi en el Foro Indie Rocks!

El flow de las Islas Canarias aterrizaró directo en la Ciudad de México.

El rapero español/canario, Abhir Hathi, se presentó con un contundente éxito en el Foro Indie Rocks! la noche del 3 de marzo. De manera previa, el regiomontano Neithan tuvo la misión de comenzar a ambientar a la gente con un dj set y su propia intervención como interprete. Quien recibió un cálido recibimiento por la personalidad buena onda y el romántico aura de sus temas.

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Por su lado, Hathi es un novel exponente del trap y rap hecho desde las Islas Canarias; él específicamente es originario de Las Palmas, capital de la isla Gran Canaria, y cuyo archipiélago está germinando un potente epicentro de propuestas musicales multirraciales.

La visita de Abhir a territorio mexicano tuvo la finalidad de presentarnos el show en directo de Lazos y Nudos, su lanzamiento discográfico editado en mayo del 2021, a través del sello Slowly. Una presentación que plagó de regocijo al canario ya que se encontró con los brazos totalmente abiertos de la audiencia mexicana.

Ya con Abhir levitando en tarima llegó el arribo de una lluvia de barras, moves y fronteo con el primer tema de la noche y fue “Reflejos” la mejor manera de rociar de actitud a un Foro Indie Rocks eufórico de ver al canario/español.

 

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Jugando con los distintos moods emocionales Hathi impregnó de una atmosfera smooth con “Rodeos” y “Habibi”; para irnos orillando a la sexy malicia y sutil perversión del reggaetón que habita en “Propones” y para esos momentos de quiebre nos regaló la dolorosa “Mil Días”.

De igual forma, para cubrir algunos flashazos al pasado Abhir retomó algunos temas de su EP, Marea Baja, la primera referencia sonora que lanzó y con la que captó la atención de sus primeros escuchas: siendo “Ctrl+Z”, una versión acústica de “Money Man” y “Jonathan Viera” las elegidas para esta visita musical reminiscente.

Otro momento cumbre fue el coro unísono de “Agárrate Fuerte” −tema que solo lleva una semana de haber sido publicado− y que gracias al amor incondicional del publico mexa se convirtió en uno de los instantes que Abhir más valoró y del que no oculto su agradecimiento por el respaldo tan comprometido a su proyecto que se tiene de este lado del océano Atlántico.

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Y con las frecuencias a tope sumo a esta gran fiesta a ZIZZY y Adrián Be de la boy band mexicana AQUIHAYAQUIHAY para interpretar “OMW”. Gente con la que han tendido puentes sónicos y quienes además fueron los responsables de que Abhir Hathi visitase nuestro país.

Con la entrega de un repertorio de 24 canciones dejo a un público mexicano más que satisfecho.  Y como si se tratase de la primera vez que Hathi pisara un escenario, todos ahí presentes pudimos notar la enorme satisfacción y la experiencia de ensueño por la que atraviesa la trayectoria del canario.

Puesto que Ciudad de México es y seguirá siendo una plaza dura de conquistar para un sinfín de propuestas raperas/traperas que deciden probar suerte por vez primera en la capital chilanga.

Y no es casualidad que los canarios actualmente estén en la mira de oídos ávidos que buscan escuchar las novedades contemporáneas más frescas. Su ubicación geográfica que en algún punto los mantuvo aislados de lo que sucedía en el resto de España (y el resto de Europa) hoy le retribuye con creces debido a una mezcla de factores casi naturales.

Ya que cuentan con una enorme influencia musical y cultural multirracial por la cercanía con África (heredado de la expansión colonizadora española) aunado al auge del idioma español como la principal moneda de cambio en la industria musical actual y la propia reinterpretación de los sonidos de América y las industrias angloparlantes.

Condiciones que les han otorgado similitudes sónicas muy similares con el Caribe Latinoamericano y que han asentado con mayor recepción en nuestro país y algunas otras latitudes de América del Sur como Chile o Argentina.  Y de las que seguro tendremos noticias y novedades permanentes en los próximos años.

 

 

Costa de Ambar presenta el video para "Despertar”

Cuando el amor se vuelve el sueño del que no queremos despertar.

La banda tapatía Costa de Ámbar nos entrega el video oficial de su más reciente sencillo “Despertar”. Con este track la agrupación nos sigue motivando a no reprimir nuestros sentimientos y dejar salir la parte más romántica de nuestro ser, pese a la dualidad que existe entre la felicidad y el dolor, en el proceso de amar a alguien.

El material nos presenta una historia con la que cualquiera se puede relacionar, ya que nos muestra la emoción de alguien que sabe que verá a su ser amado al final del día. Durante todo el material seguimos a Diego Colmenero (vocalista) mientras se prepara para una cena en casa, con la ayuda de sus amigos para que todo salga perfecto.

La producción nos entrega un material visual bello, que nos brinda una sensación acogedora por el uso de colores cálidos. Además, nos comparte una versión más intima de los protagonistas por los close ups y técnicas de encuadre, podríamos decir que somos un personaje más dentro del video por todas las miradas que rompen la cuarta pared y nos hacen parte de la historia.

Disfruta del video realizado por Fernando Casanova:

Costa de Ámbar nos sigue entregando producciones de calidad, cargadas de un sentimiento dulce y nostálgico, que, si te agarran en mal momento, si te andan sacando unas cuantas lágrimas. Mantente al pendiente de Indie Rocks! para más actualizaciones de la banda.

Ilse Hendrix estrena el video de "Poco a Poco"

La poesía musicalizada de un corazón sin rumbo.

Conocida por sus mezclas electrónicas con destellos tropicales y oscuros, la artista mexicana Ilse Hendrix presenta su nueva canción "Poco a Poco", el tercer corte de su primer álbum debut que saldrá a la luz muy pronto vía streaming.

Entre sintetizadores, guitarras dulces y una suave voz angelical, el tema toma como referencia el amor de dos personas que yace entre la confusión y el duelo. Una composición que, navega por los mares de las emociones y los cuestionamientos de un corazón sin rumbo.

 

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Además, esta poesía musicalizada cuenta con un videoclip dirigido por Mario Gómez y Victoria Garza, el cual ilustra a una parejas que deambula por las calles mientras expresa su más profundo sentir, mismo que aparece en las líricas: "Para que nadie nos vea, ven conmigo a donde sea (..) No quiero perderte".

Es así como "Poco a Poco" se posiciona como lo más reciente de su carrera artística, luego de publicar los temas  “Luna Blanca” y "Peligrosa", así como su pasado EP, Sentir, donde yacen su éxitos “Mon Roi”  y “Dance”. Te dejamos el video a continuación: