A/VISION 2: Noche de pensamientos profundos

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Tres actos de música electrónica. Tres piezas audiovisuales. La confirmación de que en el festival MUTEK.MX las disciplinas que conviven se funden hasta hacerse una sola: el arte en sí. No basta con poner una pantalla detrás del músico, con pretender que la inclusión de imágenes en un concierto genera lo interdisciplinario.

Lvis Mejía: México. La música era a veces atonal, con interferencias punteadas de armonías de teclado. La duración del acto musical se sostuvo un poco más de 40 minutos sin provocar aburrimiento. Los visuales fueron imágenes que semejaban a las tomas satelitales, a las pruebas roschrach y a los estrobos que a veces utilizan los doctores para provocar convulsiones.

Deadbeat: Canadá. El acto inició muy lentamente, con una capa de sonido, a la vez que proponía a manera de epígrafe uno de los principios del arquitecto Le Corbusier sobre las formas simples. La corriente practicada por el arquitecto francés fue el racionalismo. El racionalismo indicaba que se le debía poner atención al estructuralismo de un edificio, utilizando formas geométricas simples y pocos elementos. Conforme las capas de sonido iban desarrollándose, iba apareciendo una fotografía de una construcción de Le Corbusier en la pantalla de proyecciones. No dudo que Deadbeat haya utilizado los mismos principios del racionalismo: su acto musical fue construyéndose con beats alargados que iban engranándose hasta llegar a su punto álgido y desaparecer junto con la imagen de la construcción.

Kupa: México. Yo declaro: creo que fue el mejor acto. La pieza fue inaugurada con la imagen de un juego de video con gráficos del primer Mario Bros a punto de iniciar. Cuando se le presionó “start”, Kupa nos llevó a través de un videojuego abstracto, repleto de formas caleidoscópicas, geometría y pixeles. El acto musical fue el que más causó euforia entre el público, con matices drum and bass y con una aceleración permanente.

El festival MUTEK.MX nos permite abordar (además de la producción emergente de la electrónica) al arte contemporáneo de una distinta manera. Es arte que no está en las paredes de un museo: es arte que cuestiona todas las superficies.

A/VISION 3 en el Teatro Fru Fru

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¿Usted sabía que el Fru Fru antes funcionaba como cabaret y teatro de revista? Aún mantiene ese encanto pornográfico, con su mobiliario dorado, sus espejos en el techo y sus palcos barrocos. El detalle que me parece más gracioso de sus instalaciones es la suerte de pintura religiosa que se encuentra cerca de donde sirven los tragos. Fue en este recinto, tan lleno de escalones peligrosos, donde se celebró la tercera y última parte del A/VISIÓN, ciclos de conciertos audiovisuales donde México tuvo una cuantiosa e importante participación.

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En esta ocasión, la parte visual no tuvo cohesión con la música, como sucedió en la entrega número 2 en el BlackBerry, donde se pudieron apreciar piezas tanto sonoras como visuales. En el teatro se ofrecieron cuatro conciertos en su connotación más tradicional de la palabra: canciones separadas las unas de las otras, pantallas en las que se proyectaron imágenes que funcionaron como meros adornos por no complementar la música y cuatro propuestas excelentes. Yo sólo podré hablar de tres, ya que causas de fuerza mayor me impidieron ver Organ Mood:

Antiguo Autómata Mexicano: La batería siempre será efectiva para la música electrónica. Desde su inclusión en algunos cortes de Death in Vegas hasta el protagonismo que goza en los también mexicanos Square Root of Pi, la batería le entrega una fuerza muy peculiar a las consolas. El trío Antiguo Autómata Mexicano cuenta con una. Sus sonidos digitales gozan de una limpieza muy disfrutable, y el instrumento “análogo” se les une poniendo matices muy bailables. La participación de los Antiguo Autómata Mexicano fue corta, pero efectiva.

Sun Araw: El californiano Cameron Stallones abrió con “Like Wine”, corte de su más reciente disco The Inner Treaty. La participación de Sun Araw fue particularmente difícil. Para ser más específico, no es música que uno escuche todos los días. Y esa complejidad, para nada emparentada con la pretensión, fue para mí de las participaciones más brillantes del A/VISION 3. Cameron Stallones propone una nueva forma de reggae, y renovar un género es todo un logro.

Laurel Halo: Con muy pocas consolas y un estilo elegante, casi matemático, la estadounidense Laurel Halo elaboró un live act que yo me atrevería a definir como preciso. Ningún minuto le sobró o le faltó. El público la escuchó con especial atención, y fue muy celebrada.

El conjunto de los A/VISION fue por demás productivo para el espectador: experimentar de una manera distinta los conciertos invita a pensar con un poco de más detenimiento a la música. El MUTEK ha terminado, y es también un festival en el que los asistentes se nutren, ya que se tiene la oportunidad de conocer nuevos talentos en vivo. Por lo menos, sé que yo lo hice.

Frahm: fusión de piano y hombre

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He de confesar que conocí la música de Nils Frahm este año, gracias al buen @Diskomachin, quien también me informó que venía al MUTEK.MX. Desde que me pasaron esta "intel", esperé con ansia el concierto que, dicho sea de paso, no pudo tener mejor recinto que el Teatro De La Ciudad, un espléndido edificio en el centro del Distrito Federal, inaugurado en 1918.

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Frahm subió al escenario y explicó que tenía un dedo roto, y que aunque el doctor le dijo que no saliera de gira, él hizo caso omiso. Acto seguido, tomó unas baquetas de marimba y comenzó tocar con la caja de resonancia y las cuerdas del piano acústico. Al lado de éste, tenía uno eléctrico, mismo que utilizó para hacer loops que encimó hasta crear una pieza que completó con el acústico, mostrando un total y absoluto dominio de los intrumentos.

Al término de este track, comenzó con "Said And Done", pieza por demás melancólica, a la que le imprimió un toque digital al usar, de nueva cuenta, el piano eléctrico combinado con el análogo. Nils demostró una coordinación y maestría exquisitas; la velocidad con que mueve los dedos dejó a todos boquiabiertos, y la pasión que revela en sus movimientos y los gestos de su cara se reflejó en el ambiente.

Cuando finalizó esta canción, tomó el micrófono para dirigirse a la audiencia de nuevo. Dijo que la siguiente sería su última canción (sin nombre), porque tenía prisa, aunque aclaró que le hubiera gustado quedarse a ver la ciudad y tomar mezcal. Los primeros 13 minutos improvisó con el piano acústico. Luego hizo una oda a los rhodes y las reverberancias con el eléctrico (5 minutos) y concluyó con un ritmo mucho más elevado en el análogo. En total, 22 minutos de genialidad, perfecto cierre.

Los 42 minutos de concierto que ofreció Frahm fueron intervenidos visualmente por Seth Kirby y Brock Monrow. Si quieren darse una idea de lo que se veía en la pantalla, dejen en reposo su Mac. Creo que la música de Frahm debe disfrutarse sin agregados de cualquier tipo.

Una vez que Frahm dejó el escenario, Le Révélateur se adueñó del espacio con visuales que varios asistentes calificaron de aburrido, incluso algunos aprovecharon para salir por una copa mientras Roger Tellier-Craig y Sabrina Ratté proyectaban visuales aceitosos.

La sorpresa de la noche fue, sin duda, Euphorie, de Arq 1024, proyecto francés de Pierre Schneider y Francois Wunschel, quienes montaron cuatro pantallas traslúdias en las que proyectaron desde líneas hasta una enorme cara de luz blanca. Las pantallas daban la impresión de 3D. Lo blanco fue una constante. Con reflectores estroboscópicos, tubos de neón que emitían sonido y beats descontroladores, Euphorie se consololidó como uno de los mejores proyectos audiovisuales del MUTEK.MX

Gimme the power llega al Plaza Condesa

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Irreverentes y deshinbidos, recién llegados y desempacando; Paco, Miky, Randy y Tito se presentaron el sábado en punto de las 22:05 en el Plaza Condesa para interpretar su más reciente material Desde Rusia con amor, el cual lució fresco e innovador como todo lo que saben hacer los Molotov.

Después de los Románticos de Zacatecas, fue “Amateur” la canción con la que Molotov abrió el concierto. Los éxitos como “Here We Kum”, “Mas Vale Cholo”, “Me Convierto en Marciano” (cover de Misfits) fueron las más cantadas de la noche; aunque “Voto Latino” y “Gimme the Power” resaltaron la personalidad política que le da su identidad a la banda. Luego llegó la parte patriótica con "Frijolero" donde el escenario se pintó con los colores de la bandera mexicana y el canto "pocho" resonó con fuerza en las paredes del lugar.

“Gracias por estar aquí banda, esta canción es la maldición del siguiente sexenio”, dijo Tito, al interpretar el tema “Gimme the power”.

Pero sin duda, "Puto" fue el momento clave de la noche para luego hacer sonar "Bohemian Rhapsody" ('Rap, Soda y Bohemia'), que además de ser un clásico de Queen, es una de las primeras canciones de la banda.

El show tuvo una duración de más de dos horas, y entre momentos de rap, rock, cumbia y política, una de las bandas más representativas del rock nacional en México, ofreció uno de los dos conciertos que merece la etiqueta de "imperdible".

CARLA MORRISON, LA VOZ DE LA INDEPENDENCIA

El próximo 17 de octubre, Carla Morrison se presentará en el Pepsi Center en un concierto que viene como cadena de éxitos después de cuatro nominaciones en los premios Grammy Latino gracias a su primer LP Déjenme Llorar.

“El éxito viene de diferentes partes, eso no define tu vida, sólo tu talento”, dijo la originaria de Tecate, Baja California que compartió con nosotros que a pesar de lo que significa un Grammy para ella no representa un cambio en su vida: “No va haber un antes y un después, un premio no define a uno”.

Con apenas unos años de carrera, Carla Morrison ha invadido la escena musical con guiños discretos que poco a poco la llevaron de pequeños auditorios a los escenarios más grandes ambicionados por los músicos, del Vive Latino en el que la carpa Danup no bastó para resguardar a quienes querían escucharla, hasta su próxima participación en uno de los festivales internacionales más importantes: Lollapalloza 2013: “nunca pensé que fuera a ser tan rápido mi participación en algo así”.

Y es que aún con el éxito obtenido Carla se mantiene con los pies en la tierra, honesta y con una postura un tanto radical que reconforta a la música independiente: “Yo nunca voy a firmar con una disquera, gracias a Dios nunca tuve que tocarle la puerta a nadie… ni a los morros” y aunque bien dicho está el nunca digas nunca, la intérprete de “Esta soledad”  asegura que nunca lo hará, pues ahora existe el internet para hacer lo que antes hacían las disqueras, “las disqueras son 1990, estamos en el 2012”.

A pesar de todo el trabajo que tiene la tecatense, se ha mantenido bastante activa y compartió que ya tiene mucho material en el tintero, pero como dijo: “la mejor canción siempre viene al final” y por ahora quiere disfrutar su álbum y descansar un poco.

Sin embargo, la promoción del LP sigue, y tratando de promover la libertad sexual, Carla Morrison presentó este miércoles el video musical de “Eres tú”, el tercer sencillo de Déjenme Llorar, donde Carla es la organizadora de una boda gay entre dos novios interpretados por Max Espejel y Juan Manuel Torreblanca, “si alguien lo censura, pues pobrecitos, yo no necesito que me pasen por la televisión”, dijo la cantante con una evidente inconformidad ante algunos medios de comunicación.

Después de sus anteriores EP’s Aprendiendo a Aprender, Mientras tú dormías y Jugando en Serio; Déjenme Llorar, un álbum que Carla define como catártico “y un poco hippie”, continúa abriendo puertas a la artista de voz melancólica y nostálgica que ha logrado llegar al corazón de sus fanáticos con un único objetivo: “trascender como alma y no como mente”.

Hefema Bull: Promesa queretana

Desde su punto de encuentro, ubicado al sur de la ciudad, donde nacen las ideas y la magia de Hefema BullIndie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con estos cinco jóvenes promesas del rock nacional.

Originarios de Querétaro, Juan Pablo (Voz), Juan Carlos (Guitarra), Fernando Ayala (Bajo), David Rodríguez (Batería) y Diego Ugalde (guitarra) formaron Hefema Bull hace ya cuatro años.

Desde que escuchas el nombre Hefema Bull te preguntas qué significa, y en realidad no hay un motivo en concreto:  “Hefema es de origen griego que tiene algo que ver con una chica (risas) y el Bull sólo lo utilizamos porque quería que la banda tuviera esa palabra y así decidimos dejarlo”, comentó Juan Pablo.

Con pocos recursos y a pocos meses de formarse,  la banda logra ganar la edición del Rockampeonato Telcel en Querétaro ocasionando que la carrera de Hefema Bull despegara con el pie derecho, lanzando su primer LP titulado Be My Guest. “Es un disco que a mucha gente le gusta y otros no lo tragan. A lo que les gusta es por que nos dicen que suena bien crudo, a lo que en verdad nosotros sonamos. Es un disco que se hizo cuando tenía que ser y lo hicimos sin producción ni nada”.

Luego de probar suerte en su natal Querétaro, haber alcanzado cierto grado de madurez y formar una cantidad considerable de seguidores, Hefema Bull logra ganar de nueva cuenta el concurso de bandas de la compañía telefónica, decidiendo mudarse a la gran urbe de la Ciudad de México a finales del 2010 para seguir trabajando en lo que les gustaba. “Cuando llegamos aquí nos dimos cuenta de cómo se mueven las cosas, descubrimos bandas nacionales que nos influenciaron mucho y todo el proceso de cambio que estuvimos viviendo nos orilló a que en el próximo disco las canciones sonaran así y predominaran las letras en español”.

Para su segunda producción, Novedad, trabajaron bajo la producción de Los Liquits logrando plasmar lo mejor de su energía y pasión en ocho temas llenos de frescura y sonido bailable; crearon un estilo que ellos hacen llamar: Rock Sensual.

Con este disco el nombre de Hefema Bull comenzó a ser escuchado por varias partes de la República, pero sobre todo por los distintos foros que ofrece la Ciudad de México. Ser una banda de provincia y aparte independiente es un punto que a Hefema Bull ha sabido manejar muy bien ya que todo lo que han logrado ha sido por sus propios medios.

“Hemos tenido el apoyo de bandas compañeras, de gente que nos abre las puertas”, dijo Juan Carlos, “nunca hemos tenido un trabajo formal con nadie siempre se ha dado la amistad y todo ha sido así hasta ahorita”, continuó Juan Pablo.

Hace poco terminaron con la promoción de Novedad para iniciar con la presentación de Los Fascinantes, su nuevo LP, el cual fue grabado en Naranjada Records (Alan García) y Bionic Studio (Manuel Coe), y mezclado y masterizado en Tely Producciones (Julián Navejas).

En este disco Hefema Bull muestra un lado que muy pocos hemos visto durante sus trabajos y presentaciones: “nuestras letras son situaciones reales donde no todo sale bien, no es tan rosa. Yo diría que cambió de color solamente”, mencionó Fernando Ayala, “Lo quisimos manejar como un EP, que es la continuación de Novedad, este es el otro lado, el lado trágico. Es un disco en donde mejoramos el sonido y hasta el concepto. Sentimos que es un disco que puedes escuchar de principio a fin sin cansarte”, agregó Juan Pablo.

Actualmente su sencillo “Desafiaste” es la carta de presentación de Los Fascinantes, el cual ya puede ser escuchado por distintas estaciones de radio.

Con este disco Hefema Bull espera ser tomado en cuenta para poder presentarse en festivales como el Vive Latino o el Música Para Los Dioses, donde estamos seguros que no defraudará a los presentes. Si eres de los que les gusta bailar, cantar y disfrutar los conciertos, Hefema Bull es una banda que no te puedes perder.

Un proyecto relativamente nuevo pero muy sólido en sonido y en calidad auditiva. Música natural hecha por jóvenes que no tienen que demostrar nada a nadie.

 

TOY: EL JUGUETE NUEVO QUE NADIE QUIERE SOLTAR

TOY

TOY

Heavenly Recordings

2012

Mientras en Estados Unidos prestigiosas publicaciones como Pitchfork Media ni siquiera han reseñado el álbum debut de TOY, del otro lado del Atlántico revistas británicas como el NME (New Musical Express) o la misma BBC Radio, los aclaman como los representantes más importantes del reciente regreso del krautrock.

El álbum debut homónimo de esta banda londinense es un puñado de psycho rock, es una marea de sintetizadores hipnóticos, es un reencuentro con The Cure y Joy Division, es un flashback semi gótico derivado de una producción cargada de efectos cuidadosamente manejados. Es un disco con un sonido oscuro, muy del gusto de los británicos sin duda.

Apadrinados por The Horrors -de quienes fueron teloneros durante su tour por el Reino Unido en 2011-, Tom Dougall y compañía debutan con el pie derecho y se establecen firmemente dentro del gusto de una audiencia indie ansiosa de sonidos nuevos.

Los tracks destacables de esta placa son muchos. "Colours Running Out" y "Reasons Why" abren el disco ingeniosamente, ya que son rolitas melódicas y accesibles, salpicadas de shoegaze, lo suficientemente buenas para despertar el interés de cualquiera. También sobresale el sencillo "Lose My Way" con sus guitarras distorsionadas y teclados fantasiosos. Los  efectos intoxicantes de la instrumental "Drifting Deeper" nos dejan con el ojo cuadrado para luego hipnotizarnos con la magnética "Motoring", que es el segundo sencillo y es la rola que más se apega al krautrock, por sonar mucho más mecánica y progresiva que el resto de los tracks. Para sacarnos de la hipnosis viene "My Heart Skips a Beat", una exquisita balada psicodélica que endulza sin empalagar. Pero la que se lleva las palmas, y por mucho, es la magistral "Dead and Gone". Es una perfecta progresión de acordes, ecos y sintetizadores, enmarcada por la grave y sombría voz de Dougall. Una vez que la escuchas, ya no hay vuelta atrás. Es una auténtica golosina sónica de principio a fin.

Recientemente la banda mencionó que promete sacar un álbum cada año. Si lo hacen con la misma singularidad que le inyectaron al primero, TOY será un juguete que no querremos soltar en mucho tiempo.

 

IMAGINATION ROOM: SONY HACE SUEÑOS REALIDAD

Con seis espacios diseñados para dejar volar la imaginación, Sony presentó innovaciones tecnológicas y productos de vanguardia, con los que busca el fortalecimiento de su posición en el mercado. Escuche, Mire, Descubra, Juegue, Cree y Conecte, fueron los espacios interactivos del Imagination Room que permitieron a los asistentes disfrutar de una experiencia máxima en entretenimiento y creación digital.

Sony presentó el atractivo diseño del nuevo teléfono Xperia T, el cual ofrece la mejor tecnología HD y las funciones de conectividad One Touch, que permiten una interacción completa con otros dispositivos. También permitió a la audiencia descubrir la experiencia touch en los nuevos equipos de cómputo. Las cámaras fotográficas compactas que permiten a profesionales como amateurs trabajar con la calidad de una cámara réflex, enloquecieron al público. También mostraron la creación de J.K. Rowling: el primer libro digital con realidad aumentada.

“Los desarrollos que hoy presentamos y que pronto podrán estar en las manos de la gente, son un reflejo de la importancia que hemos dado a lograr que nuestros consumidores utilicen y disfruten de múltiples tecnologías con la mayor facilidad, y obtengan beneficios tangibles en su vida diaria”, dijo el Vicepresidente de Marketing y Ventas de Sony de México, Pedro Lafarga.

Conociendo las exigencias de los melómanos de la actualidad, Sony se encargó de producir equipos que permitan disfrutar de todos los detalles acústicos con diseños ergonómicos. Por ello llegan al mercado los audífonos MDR-1,  resultado de la colaboración de la compositora británica Katy B y el grupo Magnetic Band, quienes trabajaron con ingenieros de sonido para logar un rendimiento de audio de banda ultra-ancha (4 Hz a los 80 kHz). El Walkman Serie F es un dispositivo que utiliza el sistema operativo Android 4.0 (Ice Cream Sandwich) y cuenta con una pantalla touch LCD de 3.5” que permite la descarga de diversas aplicaciones y la posibilidad de conectarse a Internet vía Wi-Fi.

La trasnacional creó el Personal 3D Viewer pensando en aquellos que quieren llevar el entretenimiento digital a otra dimensión. Se trata de un deleite a los sentidos mediante un visor que permite disfrutar contenidos 2D y 3D con calidad Full HD. El visor incorpora dos pantallas HD OLED en un formato de una pantalla panorámica de cine. “En México y el mundo, la marca Sony es reconocida por enfocar sus esfuerzos en la búsqueda de la mejor experiencia de uso de los productos, de acuerdo con las necesidades e intereses de nuestros usuarios”, comentó Lafarga.

Para satisfacer las necesidades de los fotógrafos más intrépidos, Sony introdujo Cyber-shot DSC-RX100, primer cámara que incorpora un sensor cuatro veces más grande que cualquier cámara compacta, y ofrece una gran resolución de 20.2 megapixeles . La Cyber-shot RX1 ofrece sencillos ajustes de brillo y color con los que se obtienen imágenes más nítidas y con texturas sólidas. En el Imagination Room, Sony también presentó SLT-A99, la primera cámara con tecnología de Espejo Translúcido Full Frame de 35mm, la cual permite capturar imágenes en movimiento con mayor precisión.

Wonderbook: Book of Spells es un libro interactivo que utiliza el innovador periférico para PlayStation®3, el cual crea una increíble experiencia en el mundo de Harry Potter. Sin duda, los asistentes se enamoraron de la Xperia Sony Tablet S, la cual ofrece un guest mode que permite crear diferentes cuentas de usuario para compartir sin miedo a la violación de privacidad. Por último, Lafarga invitó a los usuarios a conocer y experimentar los nuevos desarrollos.

Estén pendientes de los lanzamientos a finales de mes. Y tú, ¿Qué gadget quieres?

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LA NOSTALGIA DE CAIFANES SE VOLVIÓ EVOLUCIÓN

Considerada como una de las bandas emblemáticas del rock nacional, el monstruo llamado Caifanes despertó de un sueño de poco más de 16 años que mantuvieron desde su separación en 1995.

Formada aún por la alineación original (Saúl Hernández, Sabo Romo, Alfonso André, Alejandro Marcovich y Diego Herrera), Caifanes no ha parado de tocar desde su reencuentro en el pasado Festival Vive Latino 2011.

Indie Rocks! tuvo la oportunidad de hablar con Alejandro, quien nos platicó acerca de la gira que aún le falta por recorrer a la banda, los planes a futuro y el motivo por el que decidieron regresar a los escenarios.

¿Cómo se encuentra Caifanes en estos momentos con su regreso?

Nos sentimos contentos disfrutando los shows y asombrados por ver a generaciones muy jóvenes delante de nosotros, eso nos da una pauta interesante de la trascendencia de Caifanes hacia el futuro. En principio esperábamos ver en los conciertos mucha nostalgia como de la generación que nos acompañaba en esos años y de repente nos sorprendió mucho ver a esta camada de chavos, eso nos mantiene con la energía renovada.

Ya que hablas de las nuevas generaciones ¿ qué les puedes decir a todos estos jóvenes que están viviendo tiempos sociales difíciles y se están manifestando por un cambio?

Que lo que hace falta es insistir y no claudicar. Hay que entender que es revolución o es democracia. Yo les deseo suerte y quisiera en lo personal sumarme a todo tipo de movimientos democráticos y revolucionarios, pero no siempre tengo tiempo; los apoyo desde mi trinchera que es la música.

Muchos pensamos que ya no volveríamos a ver a Caifanes ¿Cómo se dio el reencuentro, fue el momento indicado?

Es un reencuentro que se venía pensando y proponiendo por los medios y por los fans; en el grupo eso no se veía posible. Francamente, el momento exacto se dio a raíz de mi problema de salud,  fue el detonador porque eso ocasionó que Saúl se acercara a mí. Al final, el punto crítico de la reunión del grupo tenía que ver entre Saúl y yo.

Mi inminente cirugía de cerebro ocasionó que Saúl se acercara y a partir de eso yo me junté, y eso fue lo que determinó que se diera un reencuentro en lo personal y ya después plantear un reencuentro profesional.

Desde su aparición en él Vive Latino no han parado de tocar, ¿Qué le falta por recorrer a Caifanes?

Vamos a ir a Centroamérica, todavía faltan algunas fechas por México y Estados Unidos. Hemos hecho la gira por etapas con pequeños descansos. No sé si se conozca esto pero han sido más de 50 fechas que hemos hecho, todos llenos totales. Es una gira que no se planteó como tal.

¿Cuándo podremos escuchar algo nuevo de Caifanes?

No sé, no hemos hablado de eso. En su momento se sabrá.

¿Qué enseñanza les dejó estos años que duró la separación de la banda?

A cada quien nos dejó enseñanzas diferentes pero lo bueno fue que en su oficio de músico afortunadamente ninguno dejo de tocar. Saúl y Alfonso continuaron con Jaguares, yo seguí tocando de diversas maneras, Sabo acompañando a artistas con su proyecto personal, Diego haciendo música para comerciales; eso nos dio una constancia y un profesionalismo.

El sonido de Caifanes se nota diferente ¿cómo lo definirías?

Más robusto, más solido; eso está bien incluso para las nuevas generaciones que nos están escuchando. No es solamente la nostalgia del grupo que fue, es un grupo que suena fuerte y puede dar frutos al futuro.

¿Cuánto tiempo de vida le queda a Caifanes?

Pues primero cuanto tiempo de vida nos queda a nosotros; con estos contratiempos ya no se sabe, pero también es un misterio. Por el momento habrá que agotar las plazas y después de eso a replantearnos, porque no podemos estar toque y toque lo mismo y en los mismo lugares sin una renovación. Nosotros nos daremos cuenta si sólo es una gira de reencuentro o hay más, eso no lo sabemos es un misterio.

¿Si pudieran dedicarle una de sus canciones a sus fans cual sería y por qué?

Sería “Nos vamos juntos” por el mensaje que contiene.

Caifanes se estará presentando el próximo 6 de octubre en el Ecocentro de Querétaro y el 7 en el Centro de Convenciones Tlalnepantla en el Estado de México.

Mumford & Sons: el brillo y el brío del folk británico

Mumford & Sons

Babel

Universal

2012

El merito inicial de esta banda consiste en haber llamado la atención del gran público a través de una propuesta completamente acústica que dio una relevancia inusitada al folk británico (como parte del movimiento del Oeste de Londres). Mucho banjo, guitarra y un bombo que se toca de pie, y la estructura estaba completa (en su fase inicial).

Sigh No More convirtió en un disco del que se hablaba no sólo en las tapas de las revistas especializadas o los diarios, en torno a él existía un importante boca a boca entre músicos y conocedores. No era posible pasar por alto que no se trataba de un grupo con un sonido pastoral que nos remitiera a los prados y al ganado sino que son más bien una actualización de los ecos de antaño, utilizados para crear un discurso actual.

No debe ser sencillo vivir un estallido mediático entorno a tu propio grupo –al que considerabas modesto- y que muy pronto trepó a los lineups de los grandes festivales para terminar siendo auténticamente bendecidos por San Bob Dylan, quien les permitió alternar con él durante la memorable entrega de premios Grammy del 2010.

El reto real consistía en no perder el piso y no ser devorados por la fama. Se nota que los cuatro integrantes Mumford son tipos con férreas convicciones, les gusta acercarse a la gente común y corriente sin ningún tipo de pose y aprender de aquellos que conocen los secretos de las músicas de raíces ancestrales.

Tenían demasiados distractores como para salir con un segundo disco complaciente y repetitivo; a fin de cuentas tenían muy a la mano la fórmula del éxito de su propuesta, pero vaya, no es que cambiaran radicalmente, sino que se convirtieron en mejores ejecutantes, las vivencias les dieron más tablas para la composición y trabajaron en las mejores condiciones posibles.

Así, Babel destaca por la fortaleza de su parte musical y por la garra y el brío que tienen las canciones. Las llenaron de melodías y coros mucho más efectivos que alternan con una manera de cantar poderosa y sensible. Nada de cursilerías o himnos new age para el siglo XXI. Aquí hay folk que presume de su naturaleza 100% orgánica y una creencia en la paleta sentimental a la que se ha recurrido y el tipo de historias que se cuentan. Creo que si hay que resumir el álbum en una sola canción, me quedaría con “Lover Of The Light”, que concentra todas las virtudes del grupo.

Aunque habría que mencionar que nos entregan 15 piezas –muy en contra de la actual tendencia reduccionista y poquitera-; por una parte no se muestran nada medrosos y por otra exhiben que no andan escasos de buenos temas, como lo confirman “Whispers In The Night” y “I Will Wait” (un ejemplo de los vasos comunicantes con el country norteamericano).

Pero el tema inicial que le da nombre también posee suficiente energía. Se trata de algo instantáneamente emblemático. Por otra parte, quien busque hallar las novedades, podrá quedarse con el piano que aparece en “Ghosts That We Knew” y la extraordinaria “Hopeless Wanderer”.

Los muchachos no tienen dudas acerca del potencial de su nuevo material. En una entrevista con el periódico The Sun no se anduvieron por las ramas: “Los desconfiados se pueden ir a la mierda. Creemos que este nuevo disco llegará a una nueva audiencia, lo que es bastante excitante. Más gente nos verá”.

Babel es un disco lleno de variaciones en la intensidad; puede subir y estallar –rozando la épica- o disminuir la velocidad buscando más intimidad y delicadeza. En cada uno de los extremos existe un brillo peculiar que nos deslumbra y fascina.