“Falling On My Sword”, lo nuevo de TOPS

Una atmósfera intensa y misteriosa.

La icónica banda canadiense, TOPS, comparte su nuevo sencillo, “Falling On My Sword”, el tercer adelanto de su próximo álbum, Bury the Key, que estará disponible a partir del 22 de agosto a través de Ghostly International.

Como una expresión más intensa y con matices de sombras oscuras, la canción, articula las ideas que yacen tras la mente misteriosa y atrevida de David Carriere y su amor por el hardcore punk. La narrativa lírica, contundente y nostálgica, se escribe con furia, proyectando palabras directas para confrontar sentimientos muy profundos.

Está escrita desde la perspectiva de una adolescente que piensa que todo el mundo es un desastre y que la norma social del compromiso monógamo es patética.Intentamos darle un toque de hardcore punk/beatdown, con potentes acordes de tritono y un breakdown", explicó Carriere en un comunicado de prensa.

Dirigido por JJ Stratford, el video es un viaje inmersivo con una estética psicodélica y colores nítidos que evocan una energía vintage y surrealista. Se caracteriza por su ambientación retro y arte sublime, explorando la música desde una abstracción distintiva.

Desde Montreal, Quebec, la banda de indie rock, con una trayectoria atemporal que fusiona la inmediatez y la profundidad, se aventura en la exploración de nuevos ritmos y capas sonoras. Su primer álbum desde 2020, Bury the Key, revela un arte melódico cautivador y una notable evolución.

Dale play a "Falling On My Sword":

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Entrevista con Myd

Mydnight: un mapa emocional que llegará a los clubs del mundo.

El verano llegó y si hay algo que tenemos claro es que Myd, el productor y músico francés, está listo para entregarnos el soundtrack que nos hará olvidar de cualquier conflicto y dejarnos llevar por el ritmo en la pista de los clubs.  

Con Mydnight, su tercer álbum de estudio, programado para estrenarse el 29 de agosto vía Ed Banger Records & Because Music, Myd promete una experiencia musical que rompe las barreras culturales para adentrarnos a una mezcla única. Aunque aún faltan unos meses para escucharlo por completo, ya conocemos el tracklist del cual destacan algunas colaboraciones. Por eso, en Indie Rocks! platicamos con Quentin sobre este nuevo capítulo en su carrera y —literal—el viaje creativo que lo hizo real.  

Como artista, es difícil comenzar un álbum porque tienes que encontrar el inicio. Es como  arrancar un auto viejo; cuando no has hecho música en mucho tiempo tienes que conectarte a  tu fuente de inspiración aún y cuando no sepas de dónde viene”.

Estas palabras fueron el punto de partida de una historia que comenzó en Londres. Pero para encender la chispa definitiva de la creatividad tuvo que desconectarse y dejarse llevar y qué mejor lugar que la playa, acompañado del oleaje y el abrasador sol de Los Ángeles; y después tomar un vuelo de regreso a Francia para enfrentarse a lo íntimo, lo simbólico y lo profundamente humano, eso que solo los franceses pueden experimentar en sus tierras. 

Lo mejor para mí es vivir diferentes países, probar distintos set ups, escuchar nuevos sonidos y ver cuál de todos ellos va a producir ese primer chispazo que me regrese la inspiración”.

Algo que caracteriza a la escena electrónica francesa es esa libertad de mezclar, de experimentar y no seguir las reglas o algoritmos que el mundo dicte. Myd, tiene una idea clara sobre esto y nos cuenta. “A los músicos franceses, incluyéndome, nos gusta mezclar cosas. Cuando pensamos en la electrónica francesa nos llega a la mente Daft Punk que siempre supo mezclar disco y electrónica; Justice es un mix de todo el género electrónico que te puedas imaginar… no sé por qué, pero somos muy buenos en eso”. 

Esa mezcla de mundos, de culturas, también se refleja en la personalidad de Myd, en la que podemos identificar cada una de esas capas que, al final, nos darán un resultado inesperado. “No tuve miedo de mezclar las vibras de París y Los Ángeles. Ya lo hice en Born a Loser y gané”. Y con esas misma filosofía, creó uno de los tracks del nuevo álbum, inspirado en la energía de los clubs y la alegría contagiosa de la música brasileña. “El álbum completo no trata del estilo brasileño y su samba”, dice riendo. “Para este track en particular pensé '¿Qué canción, como DJ, me haría muy feliz poner y que también hiciera felices a los demás?' Quise capturar ese momento en el que todos nos elevamos juntos en una fiesta. Hay algo en Brasil y en su gente que simplemente funciona, y quise poner todo eso en una sola canción”. 

Una de las colaboraciones destacadas en Mydnight es con el rapero argentino Trueno, y Myd nos comparte cómo se dio ese encuentro creativo. “Cuando hago colaboraciones es porque me gusta el trabajo de las personas o porque me gusta trabajar con ellos. En este caso, me volví su fan desde que Bizarrap me introdujo a su música; me gustó mucho su estilo tan personal de rapear. Para este álbum quería conservar la energía festiva —aunque no me gusta etiquetar mi música así, sé que muchos la llaman de esa forma— y Trueno fue la elección perfecta para darle un nuevo ángulo, una oleada de calor y verano que diera otra perspectiva a mi sonido”.

Así, como un caleidoscopio de texturas y nuevas melodías encontramos frescura. “Fluyo. Me dejo influenciar por todo lo que me rodea, pero no por algo que ya está hecho, porque lo que ya existe se vuelve viejo: lo escuchas, lo ves, lo lees… y deja de ser tuyo. Cuando estoy creando música vivo dos fases: la primera es cuando absorbo cosas, escucho otra música, visito museos, conozco nuevas personas. Pero ya en el estudio, trato de no escuchar nada. Puede ser frustrante, porque amo la música, pero también puedes caer en un círculo infinito donde cada cosa nueva que escuchas te hace sentir que tu obra no es suficiente”.  

Para un artista es vital aprender a cerrar, a terminar su arte”.

Myd también es un narrador nato, tanto en la cabina como en el estudio. “Para mí es un proceso diferente, cuando soy DJ, hay mucha gente a mi alrededor y estoy tocando tocando para un público entonces hay un momento en el que estás reproduciendo un tema y tienes que escoger otro que se adapte al ambiente para que puedas contarles una historia, pero al mismo tiempo tienes que improvisar: cuando bajar el ritmo, cuando aumentarlo…”. 

La historia que cuentas en un álbum es más extensa, porque también es la historia que transcurre entre canciones, es más complicado y lento, pero igual de inspirador”.

Toma asiento y prepárate para escuchar lo nuevo que Myd trae para disfrutar el verano y que, seguramente, inundará los clubs del mundo. 

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Franz Ferdinand comparte canciones en colaboración con Johnny Marr y Master Peace

Una fusión legendaria.

Franz Ferdinand, la icónica banda escocesa que redefinió el concepto musical indie desde principios de los 2000, ha lanzado dos nuevas versiones de sencillos pertenecientes a su más reciente álbum, The Human Fear, que está disponible desde el 10 de enero a través de Domino.

"Build It Up" se distingue por la colaboración de Johnny Marr (ex The Smiths, Modest Mouse) en la guitarra, quien añade una capa melódica que enciende el tema con un brillo impecable. Esta aportación se fusiona con la energía rítmica de Franz Ferdinand, creando un matiz introspectivo que la diferencia de la canción original. El resultado es un nuevo peso emocional y una atmósfera nostálgica, complementada por la voz de Alex Kapranos.

Johnny es una inspiración, literalmente. De adolescente, me sentaba en mi habitación intentando descubrir cómo tocar sus melodías. Escuchar su inconfundible forma de tocar en nuestra canción es glorioso. La ha elevado como solo él puede”, comentó Alex en un comunicado de prensa.

"Hooked" es una versión en vivo grabada en el emblemático Barrowlands Ballroom de Glasgow. Durante este concierto, la banda compartió escenario con Master Peace, la prometedora figura del rap alternativo británico que ha estado abriendo sus conciertos en su última gira. Esta grabación posee un valor documental único y una intensidad inmediata que reinventa el concepto de la canción con una originalidad abismal.

Franz Ferdinand sigue sorprendiendo con colaboraciones inesperadas, dejando una huella imborrable en su carrera musical. Con un repertorio diverso, continúa llenando escenarios y demostrando su atemporalidad.

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Ed Maverick se une a Adrian Quesada en “Afuera”

Melodías espaciales y nostalgia contemporánea.

Adrian Quesada y Ed Maverick lanzan “Afuera”, una fusión atmosférica y seductora que revela una conexión profunda con las raíces musicales y paisajes sonoros del desierto mexicano. Este sencillo —que forma parte de Boleros Psicodélicos II, disponible el 27 de junio a través de ATO Records— despliega un ambiente cálido y enigmático, acentuado por melodías lo-fi y un ritmo penetrante que invita a perderse en su mundo sonoro.

La canción captura la esencia introspectiva y el estilo honesto que caracteriza a Ed Maverick, integrándolo perfectamente con las texturas instrumentales elaboradas cuidadosamente por Adrian Quesada. La combinación de voces melancólicas y guitarras reverberantes construye un viaje emocional que parece atravesar tanto el tiempo como la geografía, evocando imágenes de vastas tierras y cielos abiertos, impregnados de misterio.

Te comparto por aquí el video animado por Sarah McCaskill para que lo disfrutes y no te olvides que puedes escuchar “Afuera” en tu plataforma de streaming favorita.

La producción mantiene un equilibrio magistral entre lo contemporáneo y lo vintage, con ecos de hip hop resonando sobre un paisaje profundamente latino. Este estilo distintivo refuerza la versatilidad de Quesada, quien continúa expandiendo sus horizontes musicales con una sensibilidad impecable y auténtica.

“Afuera” no solo es una canción para escuchar, sino una experiencia que sumerge al oyente en una introspección serena y meditativa, destacando tanto la capacidad creativa del dúo como la riqueza musical del proyecto Boleros Psicodélicos. Sin duda, esta colaboración simboliza la perfecta armonía entre dos generaciones de artistas latinos, ofreciendo un adelanto vibrante de lo que promete ser uno de los álbumes más destacados del año en la escena alternativa.

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Blonde Redhead deslumbra con “Rest Of Her Life (Choir Version)”

Cuando la música se convierte en sanación.

Blonde Redhead presenta una emotiva reinvención con su nuevo sencillo, "Rest Of Her Life (Choir Version)", adelanto de su próximo álbum titulado The Shadow of the Guest, que estará disponible el 27 de junio vía section1. El tema, impregnado de delicadeza y nostalgia, adquiere una profunda dimensión gracias a la participación del Brooklyn Youth Chorus, que aporta una frescura y luminosidad únicas.

La canción, escrita por Kazu, vocalista de la banda, fue compuesta originalmente como una elegía para su caballo Harry, poco después de su partida. Este hecho impregna la pieza con una vulnerabilidad especial, haciendo que la melancolía inicial se fusione con la esperanza y la fuerza otorgadas por las voces juveniles del coro. Kazu describe la experiencia como profundamente terapéutica, reconociendo que, aunque tenía una visión previa del resultado sonoro, decidió adaptarse y dejarse llevar por el impulso de los jóvenes cantantes.

Aquí puedes ver el lyric video y no olvides guardar la canción en tu playlist en tu plataforma de streaming favorita.

El arreglo coral convierte la canción en una experiencia introspectiva, resaltando la capacidad sanadora y redentora de la música. El resultado es una versión expansiva y luminosa que ofrece una atmósfera envolvente y contemplativa. Cada armonía vocal actúa como un bálsamo, elevando la narrativa de pérdida hacia un espacio más reconfortante y pacífico.

"Rest Of Her Life (Choir Version)" se desprende como un sencillo potente que explora el duelo desde una perspectiva distinta, mostrando la versatilidad emocional y sonora de Blonde Redhead, además de demostrar cómo la colaboración artística puede revelar nuevos caminos de expresión musical.

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MONDE enfrenta sus demonios en “escapar.”

El reflejo sonoro de una lucha emocional.

Con una propuesta cruda y auténtica, MONDE lanza su sencillo “escapar.”, una canción intensa que pone en primer plano la lucha personal contra problemas como la ansiedad, las adicciones y la presión constante por superarse a sí mismo.

En palabras de MONDE, "'escapar.' simboliza el deseo profundo de liberarse de aquellos pensamientos y hábitos que lo mantienen atrapado", funcionando también como un mensaje solidario hacia quienes se identifican con esa batalla personal.

El lanzamiento está acompañado por un video musical dirigido por el mismo artista y filmado por Mafer Blache. En él se plasman visualmente el caos y la ansiedad descritos en la canción, utilizando luces intermitentes y tonalidades rojas para reflejar el tormento emocional que experimenta el artista.

Dale play al video aquí y no olvides que puedes disfrutar “escapar.” en tu plataforma de streaming favorita.

El tema fue creado enteramente por el propio artista, quien se encargó de componer letra, música y arreglos, logrando un sonido impactante que reúne elementos del emo y el metalcore de hace una década, mezclados con beats densos y oscuros del trap contemporáneo. La mezcla de estos géneros da como resultado una atmósfera potente que transmite con fuerza la desesperación y el conflicto interno narrado en la canción.

Este sencillo es el primer adelanto del próximo EP de MONDE, con el que busca consolidarse como una voz auténtica y honesta, capaz de abordar temas difíciles de manera directa e incómoda, dejando claro que está listo para seguir explorando los rincones más profundos y oscuros de su mente a través de la música.

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Wet Leg comparte “davina mccall”

Una canción sobre la devoción pura.

Wet Leg estrena “davina mccall”, tercer sencillo de segundo álbum de estudio, moisturizer, que saldrá el 11 de julio bajo el sello Domino. La canción, que lleva el nombre de la presentadora de televisión británica de Gran Hermano, es una balada dulce y nostálgica.

Desde su formación en 2019, el grupo británico, compuesto por Rhian Teasdale, Hester Chambers, Ellis Durand, Henry Holmes y Joshua Mobaraki, ha forjado un lenguaje musical distintivo que fusiona géneros independientes y alternativos. Sus composiciones, caracterizadas por texturas lo-fi y una profunda conexión emocional, transforman lo cotidiano e íntimo en melodías meticulosamente elaboradas.

El video de “davina mccall”, dirigido por Chris Hopewell, es un ejemplo de su creatividad. Animado con plastilina, el metraje irradia una atmósfera singular y una calidad cinematográfica notable. En él, los miembros de Wet Leg interactúan con un pájaro y las icónicas alas de Ícaro, el personaje mitológico que intentó volar demasiado cerca del sol. Esta simbología atractiva y cautivadora evoca sentimientos de curiosidad y asombro.

Dale play a "Davina McCall":

Producido por Dan Carey, el álbum, moisturizer, promete generar un gran impacto en la escena musical, demostrando su creatividad y dejando una huella en su trayectoria.

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Mac DeMarco anuncia nuevo álbum con “Home”

Una reflexión introspectiva sobre el paso del tiempo y la distancia.

El artista canadiense, Mac DeMarco, lanza "Home", el primer single de su próximo álbum Guitar, que estará disponible el 22 de agosto a través de su propio sello, Mac's Record Label. En esta nueva canción, Mac explora la idea de lo que significa hogar, una reflexión introspectiva sobre el paso del tiempo y la distancia emocional que puede crecer con los recuerdos. Con su característico estilo relajado, "Home" transmite un sentimiento de desarraigo, mientras que su lírica nos lleva por un viaje de nostalgia y autoaceptación.

En el video musical que acompaña la canción, grabado por el propio Mac mientras paseaba en canoa cerca de la casa de su madre en Canadá, se refleja esta dualidad de búsqueda interior y desconexión del pasado, échale un vistazo por aquí.

Guitar marca un regreso significativo para el músico, ya que es el primer álbum de estudio tras su trabajo instrumental Five Easy Hot Dogs. Esta vez, Mac se encargó de cada detalle de la producción, desde la grabación hasta la mezcla y los videos, lo que hace de Guitar un trabajo profundamente personal. El álbum, escrito y grabado en Los Ángeles en noviembre de 2024, promete ser una representación más cercana y auténtica del momento que atraviesa Mac en su vida.

Portada y tracklist de Guitar:

Mac demarco guitar

  1. "Shining"
  2. "Sweeter"
  3. "Phantom"
  4. "Nightmare"
  5. "Terror"
  6. "Rock And Roll"
  7. "Home"
  8. "Nothing At All"
  9. "Punishment"
  10. "Knockin"
  11. "Holy"
  12. "Rooster"

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U.S. Girls — Scratch It

Una versión más apacible de U.S. Girls.

Scratch it es el noveno disco de Meg Remy, lanzado el 20 de junio y el cual fue grabado y arreglado en solo 10 días de la mano de músicos de renombre como Jack Lawrence, Domo Donoho, Charlie McCoy, Dillon Watson y Tina Norwood

El álbum funciona de manera simple, ahora la mayor parte de las pistas son vivencias más personales que políticas de parte de Meg, con tintes musicales de country, soul, disco y, sobre todo, balada que es lo que más impera sobre los géneros mencionados. Reemplazando la producción digital por las cintas de 2 pulgadas con mínimas sobre grabaciones y mezclas.

Siempre llega el momento para una banda con larga trayectoria en donde deciden volver a lo tradicional y aquí es más que notorio desde la producción hasta lo visual, podemos percibir de principio como hay una inspiración en los años 60, sobre todo en una de las piezas más valiosas del disco: “Bookends”, un acto de 12 minutos en donde el tiempo cambia cuando uno se infiltra en la poesía de Meg. La duración de esta canción no es una exageración ya que es un homenaje al amigo de Meg, Riley Gale quien fue líder de la banda Power Trip. El video con una alta calidad de producción a cargo de Caity Arthur, es un cortometraje en blanco y negro con una vibra de los 60 que, a la segunda mitad, se desenfrena en efectos visuales y a la par cuando la canción acelera, todo esto es un relato sobre la muerte, como una de las cosas seguras en la vida, concretándolo como una experiencia con varios matices y formas.

A este álbum hay que escucharlo con detenimiento, existen piezas que complementan el disco tal como “Like James Said” con un movimiento electrónico que nos remonta al sonido con el que identificamos mejor a U.S. Girls. Meg siempre ha estado segura de sus ideas y no duda plasmarlas, si queremos acercarnos a la esencia de la artista este disco es el más recomendado porque, hasta en “Dear Patti”, podemos encontrar una experiencia cercana que vivió la cantante Patti Smith, a quien Meg admira. 

Si nos ponemos a diferenciar Scratch it con discos anteriores, este último quizá quedaría corto en cuestión de qué tanto puede mover a la audiencia si esta es exigente y sí, probablemente, es corto en cuanto a vocalización y melodía pero no es justo “buscarle tres pies al gato”. El disco tiene su propia marca, muy detallada a propósito aunque no parezca, aún cuando la grabación se haya concretado en un periodo de días, hay discos memorables que se hicieron en menos tiempo. Lo que hay que destacar aquí es, principalmente, la audacia instintiva que caracteriza a Meg, quien nunca ha querido estar en foco de atención como artistas de gran popularidad, ella siempre elige más ser genuina y sincera en sus creaciones.

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Loyle Carner — hopefully !

Esperanza de vida.

Loyle Carner sabe perfecto lo mercurial, retadora y recompensante que puede ser la vida. Con una niñez complicada por padecimientos neurológicos y un camino artístico lleno de sorpresas y obstáculos que lo orillaron a cambiar de la actuación a la música, Carner ha hecho una carrera en ebullición gracias a su hip hop elegante y melancólico con toques de jazz y letras llenas de contradicciones, dilemas, inseguridades y pequeñas victorias.

Su obra anterior, hugo, documentó la llegada de su primer hijo y todas las inseguridades y alegrías que conllevan, junto con un enfoque más directo y contundente en su elección de beats e instrumentación. En esta ocasión, hopefully !, su cuarto disco de estudio, sigue la evolución natural de esta narrativa lírica y musical para dar paso a versos y ritmos con una mayor madurez. Se aleja de lo bombástico para meditar acerca de la llegada de un nuevo crío, pero su temor por el mundo y el tipo de persona que quiere dejar atrás permanecen.

Basta oír el tema de arranque, “feel at home”, para escucharlo desvivirse en seguridad y calidez hacia su creciente familia, mientras que “in my mind” habla acerca de cómo su ego sigue siendo su mayor amenaza; como si corriera a resguardarse de todo en el lugar que llama hogar para todavía ajustar cuentas pendientes consigo mismo. “all i need” continúa esta introspección para luchas con los demonios y encontrar paz interna, mientras que “horcrux” es su grito de rabia contra todo lo que lo detiene —la influencia de sus padres, las tentaciones del mundo exterior— para encontrar algún tipo de catarsis.

La segunda mitad del disco es mucho más optimista. Las colaboraciones con artistas de la talla de Navy Blue, Nick Hakim y Benjamin Zephaniah le ayudan a transmitir ese sentimiento de esperanza, demostrando que no está solo y que, al igual que muchos de nosotros, la vida es un ciclo de cambios y riesgos constantes. Los pianos, sampleos y armonías fluyen de tal manera que no se siente un cambio abrupto en estilo, sino que da pie a un flujo de pensamiento que va de lo conflictivo a lo relajado sin traicionar la identidad de Carner.

Aún cuando se nota una evolución conceptual entre discos, la verdadera constante es que Loyle Carner se torna más aceptante —más no resignado— con cada lanzamiento. Si antes fue la búsqueda de su identidad, ahora son los miedos que conlleva tener una familia y no ser el mejor padre que pudiera ser. Al final esa es la condición humana, y hopefully ! nos brinda una perspectiva más llevadera y zen de quiénes somos, con qué peleamos y hacia dónde vamos en este viaje tan sinuoso llamado vida.

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