Taylor Kirk (Timber Timbre): Vaquero en México

Taylor Kirk llegó a la Ciudad de México con su sombrero de cowboy bien puesto. No era la primera vez que pisaba tierra azteca, había venido en dos ocasiones anteriores: la primera, hace 7 años, como turista, no fue su mejor experiencia, tuvo que recorrer  Yucatán, Chiapas, Campeche y Quintana Roo con la mitad de la cara paralizada (aún así le pareció increíble); la segunda, como Timber Timbre, dio un concierto mágico en el Polyforum Siqueiros, en el que prendió velas y cantó con el público.

Hace unos días se presentó en el Lunario del Auditorio Nacional, y platicó con Indie Rocks! antes del concierto, en el que le abrió a Torreblanca (por cierto sin tener mucha idea de quién era éste).

"Esto parace un concierto de rock, ¿no? Uff, a ver cómo me va con el folk, porque la vez pasada estuvo bien, pero creo que ahora el público es distinto; el concierto puede ser una mierda o puede resultar maravilloso, ya veremos..."

Kirk se presentó sin su banda, y los asistentes lo recibieron bien, con todo y su característica timidez, que es coherente con su folk y su forma tanto de ver el mundo como de hacer música.

"Cuando empecé a componer había ideas musicales y después encontraba cosas que quería contar, sabía cómo quería que sonara antes de decidirme por un tema, pero ahora es distinto, como he estado de gira constante los últimos tres años, el proceso es diferente, colecciono palabras e imágenes y después las ensamblo para formar una canción cuando llego a casa y tengo tiempo", explicó.

"Siempre me acerco a la música como alguien que la siente y escucha, proceso todo lo que está a mi alrededor, lo hago mío y después lo pongo en notas musicales. Además, soy una persona muy visual, y lo que veo se convierte en referencia para mis composiciones. También, y lo más importante, es que siempre traslado mis historias a mis canciones, no canto las historias de otras personas", agregó.

El introvertido músico rige gran parte de su vida con signos. Tal vez uno de los más importantes es el que tiene tatuado en su dedo medio, una cruz de pastor, el símbolo de su proyecto, una doble "t" que además hace alusión al nombre de la banda y que lo devolvió a la religión, de la cual se había apartado en cierto momento.

Además, describe su música como "de raíces", algo que tiene la nostalgia del campo, pero que ha evolucionado en los últimos años, en los que ha visitado muchas ciudades y en los que se ha vuelto más urbano, pero ha aprendido y encausado esos conocimientos hacia una mejor apreciación de la música.

Antes de despedirse, Taylor hizo una recomendación para todos aquellos que se dicen melómanos. Hay tres artistas que nadie debe perderse en esta vida: Neil Young, Nina SimoneAbner Jay.

Maratón de punkcito en el José Cuervo

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Será porque hace unos seis años que los mass media dejaron de pelar a las bandas mexicanas de la escena underground del punk y derivados; o porque el tiempo le ha dado cierta madurez a su sonido; pero el concierto del viernes en el Salón José Cuervo, donde Allison, Insite, Finde y Elli Noise estuvieron como headliners, fue una experiencia mucho más disfrutable de lo que se escuchaba.

Comisario Pantera y Lady Lane fueron los grupos que se encargaron de abrir el concierto. Fue como si trasladaran durante una sesión maratónica, la movida del quasi extinto Foro Alicia al Salón José Cuervo. Con todo y la chaviza, los errores de ecualización y la burbujilla de despreocupación de la post adolescencia, aunque con mejor sonido y más caro.
A Allison se le había perdido la pista unos cuatro años atrás, desde la salida de su segundo álbum “Memorama” y la controversial “Baby Please”. En esta ocasión, regresaron con un show lleno de fuerza y éxitos de antaño, con algunos adelantos de su nuevo disco, “120 km/h”Finde también presentó  nuevo material. Sonó “Llévate todo” del recién salido “Volver a Empezar”; así como todo el cargamento de clásicos de “Nada es como ayer”, y de “Buscando Ángeles”; como “Largo camino a casa” y “Cuestión de Honor”.

Pero las sorpresas más grandes llegaron con Elli Noise e Insite. Los primeros invitaron a los Marianos, el ex guitarrista y la ex canante, a interpretar “Aire frío”, de la primera etapa de la banda. Mientras que Insite dio un cierre espectacular, con temas de su nuevo disco “Ahora soy yo contra el mundo”, y de “Esperando a que amanezca” y “Una vida no es suficiente”.

También estuvieron presentes Bengala, tocando canciones de “Sigue”, su última producción; y algunos éxitos como “Miente”, “Carretera” y “Cárcel”. A pesar de que ni su música, ni su generación, empatan precisamente con la de las demás agrupaciones en el concierto, la presentación de la banda no desentonó.
Fue uno de esos conciertos para empaparse-y sorprenderse-con los nuevos materiales de algunas bandas representativas de la escena indie del país.

Yeasayer y HS! en el Rockampeonato Telcel 2012

Yeasayer y Hello Seahorse! fueron las bandas encargadas de partir la semana de quienes asistieron a la fiesta inaugural del Rockampeonato Telcel 2012, el pasado miércoles 27 de junio y empezar así un fin de semana extendido, lleno de excelente música y buen ambiente.

El Auditorio Blackberry recibió a un público bastante heterogéneo en donde se podía ver desde la banda más fresa hasta la más “rocker”, todos con trago en mano y esperando que Hello Seahorse! subiera al escenario para empezar la fiesta.

A las diez de la noche, las luces se apagaron y HS! empezó su presentación. Los visuales hacían juego con los estruendosos sonidos de la banda, inundados de percusiones, y con la voz de Denise como elemento central en su música.

Durante casi 45 minutos, HS! hizo un recorrido a través de varios de sus éxitos, que para la ocasión tal vez debieron ser un poco más festivos, ofreciendo un setlist en el que incluyeron rolas de su próximo disco. “Bestia” fue una de las que alcanzó a prender a la audiencia, canción que dejaron un suspenso para combinarla con un breve cóver del cóver de Café Tacvba, “Cómo te extraño”, banda con la que compartirán escenario en la gira del Rockampeonato de este año.

Sin embargo, los asistentes apenas empezaron a calentar motores y más bien usaron ese tiempo para entonarse en el mood fiestero y recibir a Yeasayer.

El escenario comenzó a dejar ver lo que parecía ser la promesa de una presentación llena de luces de magnitudes dignas de causar ataques epilépticos a niños japoneses. Los instrumentos ya estaban en su lugar y era cuestión de minutos para que la banda subiera a hacer ruido y continuar la fiesta.

Pasadas las once de la noche, las luces se apagaron y Yeasayer subió al escenario y de las bocinas del recinto salió un “Buenas noches, Ciudad de México”, para iniciar con los sonidos psych que caracterizan a la música de este trío de Brooklyn.

“Henrietta” fue la segunda canción del setlist, misma que fue un regalo para los asistentes, pues es el primer sencillo que la banda dejó colar en los medios perteneciente a su próximo disco Fragrant World.

Hasta este momento la interacción con el público permanecía en el mínimo, pero Chris Keating sorprendió con un español muy poco defectuoso y dijo sentirse emocionado de estar en México. A partir de ahí, Yeasayer no dejó de dar muestras de afecto a los asistentes y, sobre todo, de ponerlos a bailar.

“Longevity” fue otro de los nuevos sencillos que la banda dejó escuchar. Pero el momento cúspide de su presentación fue cuando tocaron O.N.E., canción que puso a bailar a todos los que estaban en la pista, y en la que se mezclaban las peculiares voces de Chris y Anand Wilder, creando un ensamble que mezclaba lo primitivo con lo contemporáneo en dosis perfectas.

Rolas que no podían faltar como "Madder Red" y "Ambling Alp", como gran parte del setlist, se vivieron con la presencia exagerada del personal de seguridad del lugar, que ante cualquier intento de “riot” hacían sentir su inmediata represión.

Yeasayer cerró su presentación con "Tightrope", dejando satisfechos a los asistentes, quienes gracias a la iniciativa de Rockampeonato Telcel tuvieron la oportunidad de ver dos propuestas novedosas con un excelente toquín.

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Dez Fafara: El "Loco" está de vuelta

Todo se resume a orgullo… orgullo fue lo que separó a Coal Chamber, y orgullo es lo que los volvió a unir” dice Dez Fafara, vocalista de la banda quien tras una década de estar separados, hace no mas de un par de meses regresaron a los escenarios. Cubiertos de aplausos, puños al aire y maloiks, Coal Chamber oficializa su retorno, aún no Europa o Estados Unidos, ya primero hay deudas que saldar.

“Sólo hemos tocado en Australia hasta el momento, y la gente fue salvaje, incluso las bandas nuevas estaban a la expectativa de nuestra presentación, hay influencia de Coal Chamber en ellos… y no regresamos para retomar en donde dejamos o algo así, pero si es el momento apropiado ya que no podríamos estar en mejor forma. “Loco” aún desata la furia”.

Originarios de Los Angeles y pioneros en lo que ahora se llama “New Metal”, la reunión de Coal Chamber no fue cosa de una noche a otra de acuerdo a Fafara. Primero fueron Meegs y Mickey quienes comenzaron a visitarlo durante un par de shows de Devil Driver hace un par de años. Se acercaban sus ex-compañeros de banda y sin darse cuenta, convivían como antes.

“¿Sabes? Cuando nos separamos estábamos hartos de todo y sumergidos en drogas, fue una época horrible, y Meegs incluso se disculpó con mi familia por todos esas terribles cosas, nos volvimos amigos otra vez… el tiempo puede curar muchas heridas. La selección de canciones fue fácil ¡la química esta ahí! Estamos limpios y listos, pero tampoco queremos apresurar nada, no hay planes de nuevo material… pero acá entre nos, Meegs ya compuso tres canciones… veremos que pasa”

Roadrunner Records, famosa e importante por firmar y distribuir material de importantes bandas además de Coal Chamber, como Slipknot, Megadeth, Dream Theater y Brujería, fue recientemente comprada por Warner Music Group quienes acaban de anunciar severos recortes a este importante sello, clausurando oficinas en Canadá, Reino Unido y los Países Bajos

“Es negocio. Punto. Es el pez grande comiéndose al pequeño. Le debemos mucho a Roadrunner Records y a Dino (Cazares) de Fear Factory quien fue el que nos firmó, y ahora que la disquera esta en medio de este negocio sucio, es terrible. Como Coal Chamber acabamos de firmar con Napalm Records como muchos otros actos y mi mensaje para todos ellos, sean viejos o nuevos, es que luchen duro por su arte. Metal, blues, punk: eso es lo subterráneo, si no es pop no tienes nada asegurado ya que no cuentas con el signo de dólares tatuado en ti”

Durante el tiempo que esta agrupación originaria de Los Ángeles estuvo separada, Dez formó Devil Driver con quien nos visitó en dos ocasiones y ahora, como si hubiera una deuda que saldar, regresa con tres de los cuatro miembros originales de Coal Chamber a nuestro país para un concierto que si bien no vienen con un punto que probar, si lo hacen para demostrase algo a si mismos

Coal Chamber llega por vez primera a suelo Méxicano y Dez aprovecha para concluir y lo mucho que significa el suceso para Meegs, guitarrista fundador de la banda quien nació en Mexicalli bajo el nombre de Miguel Rascón,

“¿Bromeas? Meegs por dentro ES mexicano ¡si fuera por él, hablaría español y comería tacos todos los días! Sus amigos, su familia, sus vecinos, toda la gente con la que creció ira al show en la Ciudad de México, será un concierto salvaje que esperamos con ansias.”.

Groove Collective: la mezcla de jazz más reconocida de las últimas décadas

Groove Collective es una banda originaria de Nueva York, Estados Unidos. El grupo comenzó su proyecto en 1990 y han lanzado nueve álbumes de estudio. Conocidos por su característico jazz, la banda está formada por Genji Siraisi, Jonathan Maron, Jay Rodriguez, Chris Ifatoye, Barney McAll, Curtis Fowlkes y Fabio Morgera (sí, es un supergrupo).

Aunque muchos de los miembros originales de la banda ya no están dentro del proyecto, cuatro de estos mantienen a la banda con la misma esencia que cuando comenzaron en hace más de una década, incluso en 2007 fueron nominados para un Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por el disco People People Music Music de 2006 con Savory Records, que ha sido su último álbum de estudio. Otro de sus trabajos más conocidos es su segundo álbum We The People, que es considerado como uno de los mejores discos de jazz de esa década.

Aunque su música es conocida como acid jazz, al parecer esta idea no les parece tan acertada. Jay Rodriguez, saxofonista de la banda y de origen latino, afirmó que en realidad Groove Collective es “música de folclore urbano que viene de la experiencia en Nueva York como latinoamericano”. Es evidente que no podemos encasillarlos en un género, pues son pues mezclan afro-pop, jazz latino, hip hop, funk, soul, y jazz tradicional, esta mezcla es lo que le da un toque especial a Groove Collective.

La banda ha colaborado también con grandes de la música entre los que destacan James Brown, BB KingErykah Badu, Tito Puente, Ben Harper, Dave Matthews Band, entre otros. Aunque su último disco fue en 2007 y fue un álbum en vivo titulado PS1 Warm Up: Brooklyn, NY, July 2, 2005 siguen presentándose en giras en todo el mundo.

¿Quieres escuchar como suenan en vivo? Por fortuna, el próximo sábado 30 de junio se presentarán en El Plaza Condesa del D.F. a las 20:30 horas para dar un concierto junto a la banda originaria de Guadalajara, Troker y Sara Valenzuela. Esta mezcla se debe a que en el más reciente álbum de la exvocalista de La Dosis, En la cocina participaron precisamente el saxofonista Jay Rodriguez y tres miembros de Troker. Aprovecha esta oportunidad pues la banda no tiene programados más conciertos pronto (al menos eso nos hace creer su página en MySpace)

Ritmo Estadounidense: Gossip y su Joyful Noise

Un álbum difícil de encasillar en un adjetivo, algo ochentero con líneas emocionales, y a su vez divertidas, eso es A Joyful Noise, la entrega más reciente de Gossip.

Conocidos anteriormente como The Gossip y conformados por Beth Ditto en la voz, Brace Paine en la guitarra y Hannah Blilie en la batería es como esta agrupación disfruta de fama internacional tras haber utilizado uno de sus sencillos en la publicidad de la ya extinguida serie británica, Skins.

Con un indie rock a flor de piel y teclados que invitan al baile, a mediados del pasado mayo, lanzan A Joyful Noise, su quinto álbum de estudio empapado de una mezcla de soul, gospel, rock, funk, disco, punk, pasión, sensualidad, baile, provocación y rebeldía . Con Brian Higgins en la producción y colaboraciones del músico francés Fred Falke, es como lanzan al mercado los sencillos "Perfect World" y "Move in The Right Direction".

El disco abre con guitarras ásperas acompañadas de sintetizadores que le dan vida a la voz provocativa de Beth, quien nos deleita con "Melody Emergency", seguida de su primer sencillo "Perfect World" con un ritmo pegajoso que invita a abrir la pista de baile. Seguida de "Get a Job", que a mi parecer es uno de los extractos más sobresalientes de este compilado, con frases que nos hablan al oído y nos hacen imaginar una pista llena de luces. "Move in the Right Direction" marca una pauta al romance con un sonido limpio y esa mezcla disco que caracteriza a este material. Con "Casualties of War" es como entramos de lleno a un ambiente romántico, a momentos que nos brindan calma de la mano de composiciones pacíficas que invitan a terminar de escuchar sólo por la curiosidad de descubrir el desenlace. Damos paso a tracks como "Into The Wild" que con un toque de sensualidad nos abre camino a "Get Lost", "Involved" y "Horns" que caen en lo desconcertante por incorporar composiciones inesperadas para prepararnos un final algo predecible, cosa que, pienso, es algo decepcionante en un material discográfico, ya que los 7:41 minutos restantes de esta placa, a cargo de canciones como  "I Won't Play" y "Love in a Foreign Place", son como Gossip cierra un playlist en el que al final no encontramos nada indispensable debido a su falta de emoción y esperanza.

Un álbum fácilmente digerible pero que sin embargo está lleno de ventajas para conquistar a un público necesitado de música, ritmos variados y baile. Hasta ahora existen opiniones de todo tipo alrededor de este material, puede carecer de arreglos finamente cuidados si lo comparamos con entregas anteriores. Sin embargo, es un sonido que muchos otros consideran que fue salvado por un productor influenciado por Madonna y Abba, ¿el responsable? Higgins.

Algunos fans afortunados podrán encontrar el álbum en su edición especial con remixes de "Perfect World" y "Move in the Right Direction", así como un video como regalo extra.

¿Ya lo escuchaste? Te dejamos una probadita.

Canadá cierra sus puertas a The Used por 10 años

Hace un par de semanas, la banda estadounidense The Used fue formalmente vetada de Canadá tras años de ríspidas relaciones con la policía fronteriza de éste país, prohibiéndoles la entrada a tierra canadiense en los próximos diez años. De acuerdo a la banda, quienes se han presentado en dicho país en contadas ocasiones y se les ha rechazado la entrada previamente, el motivo de esta espantosa relación con Canadá, es el historial criminal de su vocalista Bert McCracken, quien asegura son registros de ridículas e insignificantes acciones a principios de la década pasada.

The Used, quienes visitarán México por primera y única vez en diciembre del 2007 junto a Aiden, HORSE The Band y Fear Befote the March of Flames, dejaron recientemente un mensaje a sus seguidores canadienses en facebook, disculpándose por la cancelación de las fechas en dicha nación y prometiendo una serie de shows fronterizos en una gira tentativamente a llamarse “Fuck Canada Tour" en ciudades estadounidenses aledañas, con entrada gratis al que muestre su pasaporte canadiense.

Los Bunkers pasan de su Música Libre al estudio de grabación

Los Bunkers cuentan con doce años de trayectoria, seis producciones discográficas, y son una de las bandas chilenas más queridas por el público mexicano. INDRKS! tuvo la oportunidad de platicar con Álvaro López, vocalista de la agrupación, quien nos habló sobre el material Música Libre, disco en el que rinden homenaje a Silvio Rodríguez. También nos contó sobre su próxima producción discográfica.

¿Vendrá alguna segunda edición de Música Libre?

Álvaro: Sin duda la música de Silvio Rodríguez tiene que ver con nuestra historia personal, fue la música que escuchábamos con nuestros padres cuando éramos niños. Entonces creemos que el colador ya lo pasamos. A pesar de que nos encantaría hacer más canciones de Silvio, creemos que la obra ya la hicimos. Ahora queremos enfocarnos en nuestra música.

En estos tiempos, tanto en tu país como en México, se están dando movimientos sociales, principalmente por jóvenes universitarios ¿Qué piensas de esto?

Álvaro: Me enorgullece. En realidad me pone muy feliz todo lo que está sucediendo. Hace algún tiempo sentía que los pueblos latinoamericanos, y en particular la juventud latinoamericana, estaba dormida y esto que está pasando es absolutamente necesario, absolutamente enorgullecedor. Ver cómo los jóvenes buscan un cambio y buscan hacer cosas nuevas, es absolutamente necesario.

En tu país sabemos que mucha de la música que se hacía era música de protesta, música con tintes políticos, ahora se ha perdido eso ¿Qué nos puedes decir?

Álvaro: Yo creo que es por escepticismo. Obviamente en Chile la música está muy ligada a los movimientos sociales; lo que ocurrió en el 73 con la Unión Popular y Allende, la música en Chile nunca fue tan original, tan chilena de hecho, tan actual por así decirlo; los músicos en general sufren de escepticismo, no tienen "cojones". Yo pienso que es porque los músicos están esperando a ver qué pasa con todo esto.

Muchos quedaron sorprendidos al ver la portada del disco Música Libre porque decidieron tomarse una foto en uno de los lugares con un pasado importante para la historia mexicana: Tlatelolco. ¿Cómo surgió la idea de usar esa locación?

Álvaro: La idea surgió por el Director de Arte del disco que fue Quique Rangel de los Cafeta. Él lo propuso por que teníamos varias ideas de la portada para el disco. Estábamos buscando fotos de la Unión Popular, que estará muy ligada al realismo mexicano y que llegó a Chile en los 7o. Entonces Quique propuso tomar la foto en Tlatelolco, estábamos muy conscientes de lo que sucedió en ese lugar. Era la forma perfecta para cerrar este disco, las fotos las tomó Emmanuel del Real.

¿Qué nos puedes decir sobre el próximo disco de Los Bunkers?

Álvaro: Aun no te podría decir muchas cosas sobre el disco, lo que sí, es que siempre estamos tratando de agregar nuevos colores a nuestra paleta, de ir abriendo espectros sonoros del grupo. Hay una lista de temas, de ideas pero aun no la cerramos, no nos hemos juntado con el productor, entonces puede que cambie mucho la personalidad del disco. Lo que sí es seguro es que habrá una estética de sintetizadores.

¿Seguirán trabajando con Emmanuel del Real como productor, o cambiarán para este disco?

Álvaro: Para nosotros sería súper bonito seguir trabajando con Emmanuel del Real, pero estamos viendo si nos va a alcanzar la agenda. Eso en realidad está en veremos, no se sabe aún. Para nosotros sería súper bueno porque nos hizo súper bien en el disco anterior, pero vamos a ver la agenda de ambos.

Sin duda, fue una charla amena que tuvimos con el cantante, en la cual finalizó diciendo: "¡Esperen el nuevo disco ya estamos trabajando en el, un abrazo muy fuerte y un saludo!"


Bear in Heaven y su tibio viaje espacial

Artista: Bear In Heaven

Título: I Love You, It’s Cool

Disquera: Dead Ocean's & Hometapes

Año: 2012

Pues sí, algo habrán de tener para que los incluyeran en el festival de Portishead, que se llevó  a cabo en la sala Razzmatazz de Barcelona. Ese brebaje de electrónica y psicodelia no deja de poseer atractivo. Lo que si hay que precisar es que no cabe que los quieran hacer pasar por talento emergente, ya que llevan una década en la brega.

A estas alturas del partido, ya casi es un problema más que un beneficio el provenir de Brooklyn, una zona atestada de artistas y que se convirtió en el epicentro de la vanguardia musical del planeta. Siendo residentes de este Olimpo sonoro se les exige rozar lo más alto, algo que el grupo encabezado por Jon Philpot ya consiguió con Beast Rest Forth Mouth (2009).

El trío no abandona sus  fundamentos, pero de alguna manera busca que sus piezas sean más asequibles a un público más generalista. I Love You, It’s Cool preserva ese carácter de odisea sideral para la pista de baile (cuando bajan la velocidad pierden contundencia). Consiguen dosificar la experimentación, sin conceder demasiado a los estándares comerciales. Su concepto de la electrónica es elegante y pulcro.

Los prefiero cuando se muestran más sci-fi o cósmicos, como en “World of Freakout”, que cuando se emparentan con Hot Chip –sobre todo por el registro del cantante- o cuando nos hacen recordar a los Pet Shop Boys. Se trata de un disco ideal para que lo hagan suyo los fans de Depeche Mode y similares y conexos. No desmerece, pero tampoco fascina, aunque es mejor en su versión normal que en su formato llevado a la lentitud extrema y que lo hacía durar 2,709 horas. Así fue transmitido por un sitio de internet, trayéndoles buenos espacio mediáticos –más por su novedosa forma de promoción que por su parte musical-.

Los Bear In Heaven habían anticipado que este trabajo sería muchos más abstracto que sus antecesores, pero al final nos han engañado. “Cool Light” o “Idle heart” podrán estar bien a secas, pero no nos vuelan la cabeza. Lo mejor del disco se concentra en la efectiva “The reflection of you”, pero no ha faltado quien la considera como un derivado de “My girls”, original de sus vecinos de Animal Collective, estos si en la cúspide de lo experimental.

Estos neoyorkinos podrán sentirse muy cool, pero obtienen mayores dividendos intercambiando temas con Lindstrom para remezclarlos. En ese tipo de viajes sí son absolutamente expertos. No les vino bien tanta ambición, a la hora buena me dejaron insatisfecho.

School of Seven Bells - Más que una historia de fantasmas

School of Seven Bells

Ghostory

Vagrant Records / Ghostly International

2012

Más que una simple historia de fantasmas, toda una experiencia que vivir es lo que el nuevo trabajo de los neoyorkinos de SVIIB nos traen con su tercer disco. Ghostory es un álbum que cuenta la historia de “Lafaye”, que también es la canción más destacada del álbum y los fantasmas que la rodean; en un tono dream pop obscuro con tintes de shoegaze.

Desde el arranque del álbum con “The Night”, “Love Play” y “Low Times” se crea una atmosfera dream pop en donde la voz de Alejandra Deheza nos guía para iniciar este viaje acompañada de discretas guitarras y enérgicas percusiones, pero conforme nos adentramos en la historia/álbum esto va cambiando. Pasando por una zona de misterio con baladas obscuras como “Reappear” y “Show Me Love” en donde la música toma el control dejando la voz como un acompañamiento sacando a relucir el estilo shoegaze de la banda y mostrando la parte más sensible del álbum. Todo para llegar a un enérgico final en donde el los sintetizadores toman el control para traer de vuelta la esencia pop a la parte más abstracta de la historia “White Wind” y “When You Sing”.

Ghostory es el primer trabajo de la banda sin uno de sus miembros fundadores, Claudia Deheza, pero esto no parece ser un problema ya que independientemente de ser un álbum corto en tiempo y canciones; es un trabajo profundo y bien cuidado en donde cada canción tiene una razón para estar, logrando hacer un álbum que te encamina a llegar al final de la historia dejando una gran sensación al terminar.

Escucha "Lafaye" a continuación.