“Sigue”, las nuevas palabras de Bengala

Artista: Bengala

Álbum: Sigue

Disquera: Terrícolas Imbéciles

Año: 2012

¿Qué tal si tuviéramos que regalar un disco por cada persona a la que quisiéramos  olvidar? Pues si así fuera, hoy les traigo una buen respuesta a esa pregunta.

Bengala, banda que ya es conocida por hacer música con temática amorosa de cualquier tipo y originaria de la Ciudad de México, presenta su tercera producción discográfica para compartirnos un poco de su dolor musical alternativo, receta para conquistar al público mexicano, que cabe resaltar, les ha funcionado más que bien.

Integrada por Diego Suárez en la voz/piano/teclados, Jesús Herrera y Amauri Sepúlveda en guitarras, Sebastián Franco en el bajo y Marcos Zavala en la batería, llegan con "Sigue" producido por Emmanuel del Real “Meme” y compuesto por 10 canciones de las que actualmente sobresalen “Tropecé” y “16” siendo los sencillos que han sido desprendidos de esta placa.

Un sonido limpio acompañado de sintetizadores bailosos y  pegajosos, buena calidad e interpretación instrumental y siguiendo una línea al olvido de un amor que lastimó, es como la evolución de una banda como Bengala no marca una diferencia abismal si hablamos de un tercer material, pero que sin duda nos hace valorar el compartir y darnos cuenta que el seguir adelante es lo más importante que existe.

"Nunca digas nunca" es la encargada de dar inicio a este disco y con su ”..porque puede ser fatal, y si nos come el mar ahí nos vamos a encontrar...” me recuerda a "Cosas Infinitas", canción con la que la banda colabora en el soundtrack de la película "Bajo la Sal", que acompañada de un mensaje melancólico hace que pisemos el suelo con su realismo y la actitud de la música. Dando paso a "Por un Minuto", el segundo track que nos invita a entender que las cosas que se terminan pueden soltarse al momento en que se llega a un límite, marca una pauta en el ritmo, pasando de una primera canción, por decir lenta, a una aceleración melódica que sin tanto alarde logra que por lo menos movamos la cabeza. Continua "Otra vez", que es como seguir con esa línea de olvido y desamor junto con "16", track con que dan a conocer este nuevo material, usándola como primer sencillo y dudando en si fue la mejor elección. Sobresale un piano nostálgico bien combinado con un coro cantable y un mensaje que no precisamente va a hacer que te mueras de risa. Sin embargo, me parece una canción un tanto sosa y algo circular. Luego viene "Despertar", que nos pone a cantar “esta vez si me voy a matar si te sigo creyendo...” para poder dar paso a "A Cero" una canción que sin duda se convierte en el clímax de este material y que en lo personal es la favorita, pero que cambia radicalmente de ritmos y provoca un azote de mood, por decir “raro”, a la hora de escuchar. Sin salirse de la raya y poniéndote a pensar, este track me parece el más limpio y sincero de todos, gritándonos al oído que nada da igual.

Siguiendo con melodías como "Lágrimas", "Tropecé" y "Amanecer" es como ésta producción se estanca en un mar de sentimientos que no cambian y que tienen ninguna clase de variación, sus ritmos nos invitan a lo mismo.

Finalmente aparece "Eternidad", que con 3:14 minutos nos da un final esperanzador, el cual sólo exige seguir adelante.

Sigue, no ofrece cambios drásticos en la música de Bengala. Es una banda que se mantiene en una temática que no podemos negar, nos gusta. Un material que tiene momentos memorables pero en su mayoría sólo disfrutables.

Un álbum que expresa a la perfección el concepto de un titulo simple pero que envuelve y que a su vez recomiendo darle la oportunidad. Escuchen con el corazón y sin comparación, pues al final cada canción nos puede dejar cosas nuevas.

¿Ya lo escucharon?

Los Flaming Lips regresan junto a sus Heady Friends

Artista: Flaming Lips

Álbum: The Flaming Lips and Heady Fwends

Disquera: Warner Bros

Año: 2012

No cabe duda que Flaming Lips siguen experimentando y el álbum The Flaming Lips and Heady Fwends no es la excepción.

En un disco que podría parecer la reunión de los “Súper Amigos” o ya para gente más contemporánea un equipo como de Avengers, Wayne, Steven y Michael decidieron reunir a una cantidad impresionante de músicos para formar parte de este que fuera su nuevo material.

Con participaciones de artistas mainstream como Ke$ha, y Justin Vernon (Bon Iver), o artistas un poco más experimentales como Prefuse 73 y Lightning Bolt, o inclusive artistas legendarios de la talla de Nick Cave, Yoko Ono y Erykah Badu, quien interpreta un hermoso cover  de “The First Time Ever I Saw Your Face”.

No cabe duda que este nuevo álbum de los  oriundos de Oklahoma, tiene algo para cada persona y para cada gusto, sin perderse el ya conocido estilo de los Flaming Lips, e inclusive para tener tantos estilos y combinaciones musicales. The Flaming Lips and Heady Fwends no es un trabajo de tracks individuales, más bien mantiene un estilo y hace que las canciones suenen como un conjunto.

Pese al súper equipo de música que pudieron armar los Flaming Lips, es cierto que hay canciones que destacan y otras que bien pudieron ser eliminadas del tracklist del álbum. Entre los mejores cortes impresionantemente hay que destacar el de Ke$ha que a mi parecer, resalta entre lo experimental de los otros doce tracks, inclusive haciéndolo el más radiable.

Hasta ahora los Flaming sólo han sacado como sencillo “The First Time Ever I Saw Your Face”, pero aún quedan otros tantos tracks que podrían ser considerados como sencillos, tal es el caso de “Ashes in The Air” con Justin Vernon o “Is David Bowie Dying?” con Neon Indian.

Pese a que este álbum fue lanzado en abril, es hasta estas fechas que el material hace su aparición en su versión cd y digital, aunque lamentablemente para varios, este relanzamiento omitió la canción en la que había participado Chris Martin, remplazando el track final por “Tasered and Maced” con Aaron Behrns de Ghostland Observatory.

Escucha el disco completo aquí.

Spaghetti a la Ramone

A lo largo de la historia de la música, un sinfín de personajes han demostrado pericia e interés en disciplinas alejadas de los escenarios, disciplinas y labores que cual patrones se repiten a través de generaciones de músicos. Desde escritores, pintores, actores y directores de cine, hasta las más disparatadas como bailarines, programadores de videojuegos, escultores y políticos, pero muy pocas y carismáticas como la faceta de chef y crítico de cocina de Marky Ramone.

El célebre baterista de la ya desaparecida, y por demás extrañada agrupación The Ramones, mientras no está de gira alrededor del mundo con su banda, Marka Ramone’s Blitzkrieg (dedicada a tocar lo mejor del catálogo de los Ramones) y acompañado de Michael Graves (quien fuera el vocalista de Misfits en sus aclamados álbumes American Psycho y Famous Monsters), se dedica a la cocina y la crítica de ésta.

Mark ha aparecido en dos ediciones del programa de televisión “Sin Reservas” (del también crítico de cocina y punk confeso Anthony Burdain) y ha escrito ocasionalmente para la página “Chef Central”. Además, nuestro Ramone favorito comercializa a través de su pagina web su salsa marinara para pasta "Marky Ramone's Brooklyn's Own Marinara Sauce", compuesta de diversos y misteriosos ingredientes de la cocina de este legendario baterista, que también tocará en Richard Hell & The Voidoids, y tiene sus propios proyectos junto a The Intruders y The Speed Kings.

Marky, quien nos visitó por última vez en la edición del 2009 del Vive Latino, comercializa frascos de esta salsa por 88 dólares la caja en varias zonas de Estados Unidos, y fundó los "Cruisin' Kitchen", enormes furgonetas que circulan en la ciudad de Nueva York vendiendo albóndigas de alta cocina preparadas con dicha salsa. Según el baterista, cuando él era joven y vivía en los suburbios de Brooklyn, lo más barato que podías comer -sin comprometer tu dignidad humana- era el spaghetti con salsa... y esta creación que ya va para dos años en el mercado, es un regalo de calidad para todos aquellos entusiastas de la pasta y que quieren condimentar sus alimentos con un toque Ramone ¡Provecho!

Rápidos, furiosos y sucios

¿Qué tenían de su lado en su momento grupos como The Stooges, Sex Pistols, Mötorhead, The Ramones, Arctic Monkeys y The Strokes? Pues que estaban en estado de gracia con la esencia más pura y salvaje del rock and roll. Hacían una música desenfrenada que no requería incluso de perfección técnica. La expresión salvaje y desbordada se hallaba muy por encima del sustrato formal. El rock es combustible 100%; incandescencia y ruido para incendiar los convencionalismos.

Cada año se dan maravillosas sorpresas que destrozan nuestras previsiones acerca de lo que será lo mejor del año. Y es delicioso no tener entrevisto a un grupo como este: nervioso, gritón y lleno de furia. Acometen con todo en cada una de las canciones de Open Yourt Heart (Sacred bones, 2012), su segundo disco, que está envinado en guitarras filosas y cortantes, una base rítmica como una aplanadora fuera de control  y ganas de acabar con los oídos castos a base de alaridos.

Los neoyorquinos de The Men tienen la capacidad para llenar de riffs sus temas y hacerlos sucios sin recurrir por ello al heavy metal. Esto es rock, básicamente, por lo que sorprende que cuando quieren variar su propuesta se acercan al krautrock, esa variante germana que se caracteriza por ritmos motóricos que parecen ejecutados por un robot bataquero.

Herederos de una dinastía heroica que pasa por The Velvet Underground, Dinosaur Jr y eleva a un grado de deidad máxima a Sonic Youth, no se guardan nada, arrancan a velocidad máxima con “Turn It around” y siguen con “Animal”. Dos temas rapidísimos y garageros para llenarnos de adrenalina. En “Country song” entregan su primer bajón envuelto en una maraña eléctrica.

Aun así, el sucesor de Leave Home es más accesible y directo. “Oscilation” es una odisea guitarrera que rinde pleitesía tanto a los de Kim Gordon y Lee Ranaldo como a esa leyenda alemana conocida como Neu! En ella comprendemos que sólo la distorsión habrá de liberarnos; el ruido como vehículo de conocimiento. Pero la parte física de la música no deja de estrujarnos, de sacudirnos hasta la médula.

Y las canciones notables no se esconden. Acometen con “Please Don’t Go Away” y “Open Your Heart”, llenas de potencia. En “Candy” se empatan con la tradición Pavement y nos hacen sentir que el mejor indie rock no se ha extinguido. ¡Larga vida por lo que nos hacen sentir! No se trata de nostalgia sino de la prolongación de todo un concepto.

Y es que Open Your Heart no es un álbum medroso o disparejo, la calidad de sus piezas es muy nivelada. Hacia el final, “Cube” confirma que es una entrega brutal y que refleja esa enorme angustia que el mundo actual es capaz de inyectarnos. Se trata de un disco que nos sirve en el aquí y el ahora. No descubre o reinventa un género; su preocupación no pasa por la originalidad, pero llena nuestros momentos de angustia y necesidad de paliar la frustración.

No puede saberse  cuanto les durará ese estado de gracia (que por ejemplo The Strokes ya no tienen). El duende del rock no suele acompañar por mucho tiempo a sus hoscos colegas.  Hay veces que se prende la llama de la música con toda intensidad, dura unos momentos y luego se extingue. The Men no son cosa para los grandes corporativos. Lo suyo está en los circuitos subterráneos. Debemos de disfrutarlos mientras esta genialidad los tenga poseídos.

The Men - Open Your Heart by sacredbones

Un disco para fans

Artista: Keane

Título: Strangeland

Sello: Island Records

Año: 2012

Para los seguidores de Keane que sobrevivieron a Perfect Symmetry (2008), llega una sorpresa más: Night Train (2010), que a mi parecer fue un riesgo interesante en su carrera. Interesante debido a la inclusión de nuevos sonidos que la banda no había mostrado en sus discos anteriores ¿Y por qué es importante mencionar estas dos producciones?, la respuesta radica en la pérdida o acercamiento de fans, pues los más involucrados en el sonido tan característico de este grupo británico, consideraron que Perfect Symmetry y Night Train de alguna u otra forma estaban alejados de la “verdadera esencia” de Keane, sin embargo, estas producciones también sirvieron para atraer a nuevos admiradores, que con muchas expectativas, ansiaban una nueva producción, y no fue hasta el pasado 7 de mayo que Strangeland, salió a la venta.

Este no es el caso en el que después de varias producciones consecutivas, un grupo se toma un par de años para descansar y después comenzar a trabajar en su nuevo lanzamiento sino todo lo contrario, pues tras un periodo difícil debido a las adicciones del vocalista Tom Chaplin, los miembros de esta banda decidieron volver al estudio en el 2011, para darle forma a este nuevo álbum; con la plena convicción de no sacar material alguno hasta no estar plenamente convencidos –según las declaraciones del tecladista Tim Rice-Oxley-.

Al escuchar Strangeland podemos percatarnos que, efectivamente, no es una producción dejada al azar, al contrario, éste es un material consciente que refleja su madurez musical. Al paso de los tracks se distinguen sonidos del pasado y una experimentación con mayor sentido. No hay duda de que Dan Grech, quien ha producido a Radiohead, The Vaccines y Scissor Sisters, por mencionar algunos, ha hecho lo suyo.

No necesitamos tener un ojo muy agudo para percatarnos que Strangeland ha sido creado principalmente para sus fans, y no es solamente por las diversas ediciones en las que será lanzado, sino por los temas de algunas canciones en las que Tim refleja y comparte lo que ha vivido en su proceso de rehabilitación. Entre las ediciones podemos destacar la versión deluxe compuesta por un CD que incluye cuatro bonus tracks, un DVD con sesiones acústicas, más un libro con el relato del autor William Boyd.

No todo es miel para Keane, pues debo decir que la banda pudo haber apostado más en lugar de quedarse en su zona de confort con fórmulas seguras, sonando soso y repetitivo. Y ya que tocamos el tema de lo repetitivo, no pude evitar pensar en la portada de los Killers, del disco Hot Fusscuando vi la portada de esta producción (juzguen ustedes).

En conclusión, no hay nada sorprendente en este disco. Sin embargo, Keane es una banda muy afortunada, debido a sus fans que los siguen incondicionalmente y pese a sus desaciertos en las últimas producciones.

Los tracks oscilan en un baladoso y entusiasta pop como en “In your own time” y “Silenced by the night”; con las planas “Sea fog” y “Black rain” no se preocupen, ellos patrocinan los bostezos; en “Neon River” podemos encontrar algo de aquellos sonidos que tanto gustaban; “The Boys” es un tema veraniego como para cierre serie teen; alguna vez mencionaron que entre sus influencias estaban los Beatles y en “Disconnected” nos lo dejan muy claro. Así es que si te gusta U2, Coldplay, y has decidido seguirlos sin importar qué, este disco formará parte de tu colección sin ningún problema.

La Vida Bohème: Un grito de libertad para los rebeldes e inadaptados

De estilo desenfadado y charla amena, nuestros nuevos amigos de La Vida Bohème nos platicaron de “Nuestra”, su primera producción discográfica. Originarios de Caracas, Venezuela, la banda de rock conformada por Henry (guitarra y voz); Sebastian (batería); Rafael (bajo) y Daniel (guitarra), compartieron sus polifacéticos intereses artísticos.

¿Cómo es la escena independiente en Venezuela?

“En nuestro país la escena del rock independiente es pequeñita, no hay muchas disqueras que apuesten a este género, pero afortunadamente nos ha ido muy bien con All Of the Above. Hemos logrado cosas importantes en poco tiempo, ha sido una experiencia muy grata.”

¿En qué coinciden y en qué se diferencian el público mexicano del venezolano?

“En México el público es mucho más abierto, la interacción es casi instantánea. Nos escuchan un par de minutos y, si les gusta el ritmo, se ponen a bailar de inmediato, se apropian de las canciones y de eso se trata, nos encanta que bailen y coreen nuestras canciones porque las hacemos para ellos, para que se diviertan y pasen un buen rato. En Venezuela pasa algo curioso, en los conciertos podemos ver que si bien nos escuchan, se tardan un poco más en 'hacer click' con lo que decimos y tocamos. Allá la gente no se entrega desde el primer momento, no quieren caer en la idolatría y lo respetamos. Al final la interacción se dio y eso es lo que cuenta.”

¿Cuál de las presentaciones que han hecho en México es la qué más disfrutaron?

¡Tijuana! (contestan al unísono). Fue una experiencia muy grata aunque el lugar no se prestara para nada, el sonido era pésimo porque el lugar no era apto para esto; era un table dance, el escenario tenía cadenas y tubos para las bailarinas... Tuvimos que adaptarnos de inmediato. Pasaron dos canciones y aquello era una fiesta de mierda, todos estaban bailando. Nos aceptaron casi de inmediato, a pesar de que no nos conocían. Por fortuna todo acabó en una gran fiesta a la cual nos integramos al final. Nos tomamos muchas fotos y pudimos convivir con un público único, una experiencia muy divertida.

“Gabba Gabba Hey!”,¿es un grito de fiesta, de lucha o de resistencia?

“Se trata de una expresión utilizada por The Ramones en la canción "Pinhead"; dándole un sentido de saludo entre camaradas, de esos que son señalados como inadaptados. Un saludo que sólo miembros del grupo reconocen y los hacen sentir parte de algo; de ahí lo tomamos.”

¿Podrían describir su proceso creativo?

“Todos participamos; Henry llega con una nueva idea, la platicamos en los ensayos, y empezamos a aportar, cada canción tiene su propio concepto, no hay fórmulas para poder crear canciones, empezamos a tocar cada uno. Opinamos sobre lo que podría ser el mejor camino y listo; hay días que nos atoramos, sí, pero siempre sale. Hay veces que Daniel resuelve todo con un buen riff y toma la forma final.”

La música y la política de mierda; a propósito del movimiento #132…

“Al viajar hemos visto con tristeza que en toda Latinoamérica tenemos historias parecidas: la falta de democratización de los medios, la manipulación, las grandes desigualdades y la violencia están presentes todos los días. Sí nos identificamos y simpatizamos con el movimiento, de hecho los estudiantes nos han buscado. Para nosotros es importante dar un mensaje de unidad, de no permitir a esos políticos de mierda que sólo les interesa cuidar sus propios intereses.”

¿Se puede combatir la violencia con el rock?

“Creemos que sí. Para nosotros hacer música es un acto muy personal, cuando estamos en el escenario logramos un efecto catártico, sacamos todo lo que nos duele, nos preocupa o afecta. Es una manera de poder compartir con los demás lo que sentimos y tratar de que se identifiquen. Por eso decimos que los gobiernos se tumban bailando.”

Los Stones Roses 16 años después

El viernes pasado me lancé a Heaton Park en Manchester a ver la tan esperada reunión de los Stone Roses, quienes llevaban 16 años de no dar un concierto. Yo no sabía -hasta que lo leí en el periódico hace dos semanas-  que los Stone Roses sólo sacaron dos álbumes durante el tiempo que estuvieron juntos.

stones

Tengo que decir que no conozco otro grupo que se haya hecho de la enorme cantidad de fans que tienen los Stone Roses sólo con dos discos. En Inglaterra son ídolos, la gente los ama con una pasión desenfrenada y recuerdan sus canciones con una nostalgia y una melancolía  desbordantes. Desde el momento en que los boletos salieron a la venta en octubre del año pasado y los 150,000 boletos se agotaron en 14 minutos, supe que éste concierto no iba a ser cualquier cosa.

Llegué a Heaton Park con mi esposo y un grupo de amigos el viernes 29 de junio como a las 3 de la tarde. A las 4:30 empezó la música en vivo con Kid British, seguidos de The Wailers, The Vaccines y Primal Scream. La gente se fue prendiendo y la atmósfera se fue encendiendo y para cuando dieron las 9 de la noche ya la gente pedía a gritos a los Stone Roses.

Cuando al fin salieron y empezó a sonar “I Wanna Be Adored” fue imposible escuchar la voz de Ian Brown porque toda la gente que estaba ahí -aproximadamente  70,000– cantó de principio a fin ésa y todas las demás canciones.  Por primera vez pude presenciar como el público “hace” un concierto. El 50% lo dieron los Stone Roses y el otro 50% lo dio el público.

El volumen no estaba muy alto, ya que Heaton Park está dentro un área rodeada de casas y por ley no se puede subir el volumen, pero el entusiasmo de la gente compensó la falta de volumen. Desconocidos y conocidos se abrazaban, bailaban y algunos hasta lloraban. La famosa reserva que caracteriza a los ingleses se esfumó por completo durante las casi 2 horas que duró el concierto. Hombres de 40 años totalmente conmovidos con las manos en el aire y los ojos cerrados agradecían a gritos a sus ídolos por tantos momentos de felicidad vividos con sus canciones.

Obviamente los Stone Roses cantaron todas las canciones del álbum homónimo que los hizo famosos a principios de los 90 y cerraron con “Resurrection” y con fuegos artificiales dejando a la gente en un estado de éxtasis total y absoluto. Fue una experiencia maravillosa ver a la gente disfrutar tanto de un concierto.

Algunos catalogan a los Stone Roses como una banda sobrevalorada a la que se le pone demasiada atención que no merece. Yo, después de haber tenido la oportunidad de ir a ése concierto, los catalogo como genios incuestionables.

The Temper Trap despide brillantina

Artista: The Temper Trap

Título: The Temper Trap

Disquera: Liberation Music

Año: 2012

The Temper Trap viene a deleitarnos con un disco homónimo donde se refleja que su nuevo miembro, Joseph Greer, es el invitado de honor con ese sintetizador que hace gran peso en cada tema, sea de tintes explosivos, melodías pasivas o de riffs como secundos.

La banda australiana nos cautivó con su Conditions en 2009, y con un hit como "Sweet Disposition", esperábamos en este nuevo álbum que la voz de Dougy Mandagi siguiera siendo protagonista con ese falsetto que lo caracteriza. Esta vez no es así. “Need Your Love” abre con una imposición de sintetizador buena, “London´s Burning” es rescatable solamente por los agudos que impone Dougy, pero vamos, es un tanto sosa... y el coro tan común, también se rescata por algunos riffs como protagonistas. 

“Trembling Hands”, “The Sea Is Calling” y “Miracle” son el combo de baladas jamás mal queridas, siempre acogidas; el punto medio que TTT han puesto -como estrategia quiero suponer-, para dar paso a temas como “This Isn´t Happiness”, “Never Again” y “Where Do We Go From Here”, ésta última demostrando cómo los sintetizadores no siempre son "el as bajo la manga"; es una linda interpretación vocal, aunque me sigue sonando ochentero pero a la Cut Copy. Mis favoritas están a partir del tema nueve, “Dreams”,  hasta finalizar con “Leaving Heartbreak Hotel”, recopilación de cuatro temas con excelente ejecución vocal.

Un disco bueno, no excelente, no malo. Esperando un tercero donde consoliden su nombre, a sus seguidores y que no suenen a una banda más de un solo hit y que suene a Coldplay, sería lo peor.

Si aun no has visto el video de "Trembling Hands" dale clic aquí.

Pellejos: El abismo no nos detiene

Foto por Cynthia Flores

Etiquetados y ubicados dentro de la escena musical del punk, Pellejos ha venido de menos a más para posicionar un sonido crudo, sucio y tal vez básico, pero con suficiente identidad y fuerza como para reclamar y ganar su propio lugar.

En el marco de su presentación el pasado jueves en el Caradura, a lado de De Nalgas, entrevistamos a los cuatro miembros del grupo y he aquí lo que nos dijeron.

Un aspecto que atrae inicialmente de Pellejos es esa peculiaridad en términos líricos y musicales. De hecho, resulta difícil tratar de definirlos ¿Cómo se definen ustedes mismos?

Mariano: Somos una banda en donde hay temas urbanos y del fin del mundo, abordados siempre con gran ánimo y optimismo. Hay experiencias urbanas, la ciudad y sobre todo esta cuestión, de la que estamos muy contentos, de que llegaron primero las pizzas y después los cohetes.

A ustedes los suelen catalogar dentro del sonido punk. Si bien en su música hay elementos urbanos derivados de experiencias sociales, particularmente creo que esta es una etiqueta reduccionista que no les hace justicia del todo. ¿Ustedes se sienten a gusto con esto?

Daniel: No como en la onda musical del punk, sino más bien en la actitud que tiene que ver más con una ampliación y utilización de cualquier medio para generar música y componer. Creo que esa era la forma ampliada del punk que posteriormente se convirtió en otras cosas como el new wave. Son pocas las bandas que se quedaron con los aspectos musicales originales del primer punk, y eso es muy interesante; sin embargo a nosotros no nos dice mucho. Creo que Pellejos es más como una mescolanza de cosas, como bien menciona Mariano. Lo chistoso es que nos nominaron este año como mejor disco punk del año.

Nacho: Pero en realidad a nosotros nos da igual. A nosotros el abismo no nos detiene.

Y en cuanto a su sonido, algo que atrae es lo crudo y sucio, 'al natural' por llamarlo de algún modo. Es interesante que trabajen así cuando actualmente la mayoría de las bandas suelen sobre producir su música y trabajar con varias capas de sonido. Hoy en día el sintetizador pareciera el instrumento al que toda banda debiera recurrir.  

Esteban: Yo creo que en cuanto a sonido ya no existe un 'sonido natural'. A final de cuentas es como tratar de llevar religiosamente los sonidos a una pureza y decir: “así debe sonar la guitarra” o “así deben ser las voces”. Creo que el sonido sólo funciona cuanto tiene coherencia con lo que estás tocando. En Pellejos el sonido que queda es el sonido crudo, y eso no significa que tengamos mayor crédito, sino que en la idea de la banda la crudeza es muy importante porque en sí no hay mucha sofisticación en lo que hacemos. Es más bien impulsivo. Es lo que sale de cuando nos juntamos y empezamos a tocar.

Mariano: Nuestra música es más bien como de vísceras, instinto e intestino

Recién presentaron el video de la canción "El Gas". Uno lo ve y podría terminar diciendo no entendí ni madres. ¿De dónde sale la idea tan peculiar de realizar un video así?

Nacho: Tan peculiar que vemos a Mariano cagar y le vimos sus partes nobles. Para el video nos reunimos en una ocasión con Miguel Calderón, un buen amigo nuestro, y escribimos un guión. Miguel tiene una estética y manera de ver las cosas que son muy a fines a nosotros. De ahí surgió la historia del video. Esta filmado en las barrancas de Santa Fe y por la zona del Faro de Oriente. Y pues sí, hay unas cosas propias de la canción de "El Gas", pero también hay otros aspectos como los policías cayéndose y el tipo del cuerno.

Considerando este hecho de que cada quien tiene otras cosas por fuera, ¿Cuál es el futuro de la banda tras este primer disco?

Daniel: Pues después del primer disco lo que sucede es como un corte de caja. Lo que queríamos es que el disco fuera un documento para nosotros de los momentos, el trabajo, la entrega, el placer y todo lo que nos había costado. Es cerrar ese ciclo, finalizarlo y ahora hacer nuevas canciones.

Nacho: Queremos seguir tocando, mínimo una vez al mes por ejemplo. Hacer más canciones nuevas con otro estilo, ahora estamos coqueteando con un blues, por ejemplo. Mariano sigue haciendo letras. Seguir tocando es lo que queremos. Por lo pronto les podemos adelantar que el siguiente mes estaremos por el Alicia y ojalá nos veamos por allá.

She’s A Tease y su presentación millonaria

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Acompañados por Alejandro ‘Kiko’ Blake, baterista del grupo División Minúscula, y por toda la banda, en punto de las 22:00 horas, She’s A Tease arrancó su presentación tal como lo habían mencionado. Con un estilo que parece ser interminable, los integrantes subieron al escenario para hacer bailar a todos los asistentes que esperaban ansiosos su más reciente álbum, Millonaria,  ¡y porque es imposible verlos y no pasarla bien! Esta banda regiomontana anunció durante su presentación que este nuevo disco de larga duración saldrá el 26 de octubre en tiendas, y el 09 de noviembre en formato digital.

El setlist se conformó de canciones como "Fiebre de Jack", "Genio de los Deseos", "Alfa U Omega", "Pan y Vino", pero sin duda "Why?", "Long Time Roll", "Calabozos & Princesas" "Datos Íntimos" fueron las más coreadas durante la noche, haciendo del Pasagüero una "full house’.

“Esta noche venimos a bailar, que importa la ley seca”. Mencionó Pibe, voz y teclado del grupo. Y después de regalarnos uno de los mejores sencillos del 2009, "Datos Íntimos", y el más recientemente cover de Natasha Tomas, "Why?", esta banda importada del norte, apuesta por ser una de las propuestas más frescas de la escena local independiente ya que con sus influencias de los 80 y sonido pop, logró crear un ambiente festivo y pegajoso entre sus seguidores.