Nike SB es un proyecto que surge desde hace 10 años con la intención de inspirar y fomentar el skateboarding. El Piso 28 de la Torre Latinoamericana fue el punto de reunión en el que varios skaters mexicanos podían poner a prueba su destreza con las tablas, e incluso convivieron con grandes personajes de este deporte como Eric Koston, Daryl Angel y Sean Malto,  a quiénes les parecío grandiosa la instalación.

A Koston, Daryl y Sean les parece increíble que la cultura skate se esté convirtiendo en una corriente principal, pues han sido ellos testigo de la evolución del deporte al practicarlo durante años(desde su infancia). También demostraron ser profesionales sin pretensiones, confirmando su gusto por lo que hacen: patinar y realizar video parte "Seguir haciendo lo que he estado haciendo", son las intenciones de Koston.

Indie Rocks! les preguntó acerca del sitio más extremo en el que han practicado skateboarding, para Koston y Sean fue China, mientras que para Daryl fue España. ¿Y por qué estos sitios? Por su arquitectura, los distintos spots en los que pueden estar, la textura de la superficie y sobre todo porque -en China- no hay alguien que los esté vigilando para luego "echarlos a patadas"

Nike SB presentó a la comunidad su nueva línea de tennis casual: Eric Koston.

Estos suecos, especialistas en el desmadre, están de regreso. Conversamos con Nicholaus Arson, uno de los integrantes que conforman este nuevo orden donde la ley se escribe con ese potente garage rock de factura internacional.

Toda espera vale la pena cuando de The Hives se trata. Continuando con la calidad a la que nos tienen acostumbrados, estrenan su quinta placa: Lex Hives (lex, ley en latín), término derivado de la antigua práctica romana de recrear un sistema o un conjunto de leyes y aceptarlas como estándares. Es por esta razón que las 12 canciones de este álbum, según The Hives, forman en conjunto las “leyes sagradas” sobre las cuales se debe vivir la vida de ahora en adelante.

The Hives tomó su nombre de una enfermedad: la urticaria. Y es precisamente esa comezón imparable la que los ha hecho rodar y rodar por el mundo, tocando en vivo en los mejores escenarios. Cuentan entre sus logros con el de estar en el top 10 de los mejores conciertos en vivo, según la prensa especializada, pues su energía contenida en los discos es liberada y potenciada en el escenario a través de sus frenéticas ocurrencias, que a veces generan consecuencias un tanto bizarras, como la reciente caída de su simpático vocalista Howlin´Pelle Almqvist durante un concierto en el que se le ocurrió que era una gran idea saltar desde una esquina del escenario, lo cual lo mantuvo en el hospital por varios días. Podemos agregar a sus logros sus excelentes ventas y posicionamiento en los charts del mundo, pues nadie se resiste a su dosis de poderoso rock y a las características indumentarias a blanco y negro de sus integrantes, que inclusive les han valido además ganar por ahí el premio a “la banda mejor vestida”.  “Mi hermano Pelle ya se ha recuperado totalmente, fueron sólo unos días de estar quieto como una tabla, atendido en un hospital por una enfermera que, aunque no lo crean se llama Troll”-dice Nicholaus entre risas cuando comenzamos la conversación preguntándole por la salud de Pelle.

“Hasta el momento hemos tenido la oportunidad de probar en vivo el nuevo disco en varios conciertos, hicimos 15 fechas en Estocolmo y sabemos que es un material redondeado y pulido; son muchos años trabajando en nuestro sonido y estamos felices con los resultados”- comenta Nicholaus. A lo largo de su carrera me he dado cuenta de que precisamente su actitud les rinde frutos, pues todo el tiempo están jugando y, a diferencia de los hermanos Gallagher y su ego y actitud pretenciosa, los hermanos Arson han mantenido una vibra bastante lúdica que rinde dividendos y les acerca a los fans. Nicholaus responde a este comentario: “Siempre estamos de buenas pues hacemos lo que nos gusta; básicamente nos pagan por divertirnos y en verdad que terminamos agotados después de derrochar la energía en los shows, pero vale la pena trabajar diario en esto, los fans lo agradecen.” Y es que ya son célebres varias ocurrencias de Pelle, como aquellas declaraciones que ha hecho en vivo: “La música mala es el diablo y ustedes necesitan un sacerdote exorcista para liberarlos. Ese soy yo, así que levanten las manos y no las bajen, ¡obedezcan!” O “Estoy aquí para salvar su noche” que pronunció en un concierto en Hyde Park Inglaterra donde alternaban con Pearl Jam. Es también conocida su frase “He estado ocupado siendo fantástico” y así, locura tras locura, han construido una de las mejores carreras en el rock (algo que Liam y Noel deberían de aprender antes de abrir la boca). Pero hablemos del nuevo disco, pues tiene bastante tela de donde cortar:

Lex Hives fue producido por The Hives y mezclado por el ganador del Premio Grammy Andrew Scheps (conocido por su trabajo con Red Hot Chili Peppers y Adele); también contiene dos temas adicionales, mezclados por D. Sardy (Marilyn Manson, Slayer, entre otros) y Joe Zook (Weezer, Modest Mouse).  La versión Deluxe de Lex Hives incluirá dos bonus tracks producidos por el líder de Queens of the Stone Age, Josh Homme.

“Hemos evolucionado el sonido y depurado todo estructuralmente, se siente nuestra identidad y hemos jugado con los tempos y hasta con cosas que no habíamos hecho; es nuestro disco favorito hasta el momento. Claro que nuestro idioma es el sueco, pero la universalidad del inglés nos ha abierto puertas que están ahí para ser utilizadas. Hay muchas influencias de las cosas que nos gustan pero es nuestro sonido el que prevalece, glam, punk y otras cosas están ahí, ¡tienen que escucharlo!” habla Nicholaus al preguntarle sobre el sonido de Lex Hives.

Cerrando esta conversación me dice: “Estaremos por América haciendo varias cosas y estamos ensayando con ganas para la gira que viene. Haremos mucha promoción y mi recomendación es que se preparen y escuchen el disco, es la mejor tarjeta de presentación que tenemos para que nuestros fans vayan a los conciertos. Queremos verlos en algún festival.”

Sin más preámbulos, les digo: Lex Hives, ¡obedezcan!

Radio o Head, Yorke o Greenwood, guitarrazos o atmósferas… los de Oxford han sido una constante dualidad desde que empezaron su trayectoria hace cinco lustros. Desde su nombre (neologismo obtenido de la inspiración de David Byrne), Radiohead se ha debatido entre dos dimensiones sonoras que se han hecho más concretas y tajantes con el correr de los años. Es evidente que lo que en los 90 eran desesperados y catatónicos guitarrazos, en las décadas subsecuentes se tranformó en depuradas atmósferas, con una ideología contundente, que se deja ver entre loop y loop.

Por esta razón, presentamos un bifurcado top 10 que refleja esa dualidad de Radiohead; primero, uno que representa al Radiohead en el que la nostalgia eran filosas navajas de paranoia y no lagrimitas de jovencitos; y el segundo, alude a la trascendencia de los ingleses en la escena musical desde las tornamesas.

10. You And Whose Army? 

La elegía más conmovedora de nuestros tiempos, una pieza que pareció haberse quedado en la congeladora por más de 50 años, como si hubiera sido compuesta después del desastre de la segunda guerra mundial, en medio de nauseabundos paisajes musicalizados con jazz y poesía beat, y golpearnos a principios de la década pasada en forma del pastiche más crítico y desgarrador que hayamos escuchado.

9. Any One Can Play Guitar

Nadie puede tocar la guitarra, al menos no como Johnny Greenwood, quien dejó en Pablo Honey una suculenta colección de riffs que, desafortunadamente, escasa vez se escuchan en las actuales presentaciones de Radiohead. Esta pieza fue la mejor interpretada en su aislado toquín privado en Ojo de Agua, Estado de México.

8. National Anthem

Una potente línea de bajo, cortesía de Colin Greenwood, que deviene esquizofrénica cuando Yorke se dispone a balbucear, exquisita combinación que enloquece a cualquiera y que, cuando llega a la catarsis con esas desenfrenadas trompetas y saxofones, prácticamente han dibujado, con agresivos pínceles jazísticos, la postal más decadente de Inglaterra.

7. Lucky

Tenía que haber algún tema del OK Computer en esta lista… y pudo ser cualquiera, Exit Music, Subterranean Homesick Allien, The Tourist (menos las prostituidas canciones que todos cantan cuando creen que pueden cortarse las venas), pero éste en particular es la viva imagen de Tom Yorke, una que refleja el ensordecedor sufrimiento de un hombre que no quería sufrir.

6. My Iron Lung

No hay canción más sincera y visceral de Radiohead que esta; hasta antes de que los espíritus de Yorke y compañía se dejarán poseer por Samuel Beckett e intentaran filosofar sobre lo absurdo del progreso humano, los de Oxford eran estos catárticos berridos en las vocales y en las cuerdas. Sin duda, se extrañan esas épocas de “inmadurez”.

De remixes

5. Little By Little – Caribou remix

Sorprendente versión de uno de los músicos contemporáneos más inteligentes del orbe, Daniel Snaith, elegido para acompañar a los de Oxford en su actual gira. Hablamos de uno de los reximes más destacados por los críticos, debido a la sincronía y limpieza con la que Snatih mueve las secuencias del tema.

4. Idioteque – Kid Koala remix

Uno de los artistas más talentosos y completos de los últimos años, Eric San, mejor conocido en el mundo de las agujas como Kid Koala, quien retoma una de las piezas que más desquician a Tom Yorke y la revoluciona con esa sutileza que tiene entre los dedos para ultrajar vinilos.

3. Climbing Up The Walls – Sneaker Pimps & Zero 7 remix

Dos reputados portadores del trip-hop decidieron revestir uno de los tracks más entrañables del OK Computer, y encausarlo en una dirección que sólo la ralentización del hip hop podría conceder… es obligatorio escucharlo.

2. Good Evening Mrs Magpie – Modeselektor remix

A decir verdad, a Modeselektor le conocemos grandísimas piezas con Tom Yorke como secuaz; esta no está a la altura de un Sucker Pin por ejemplo, pero es la antesala de nuestro mejor remix simplemente porque Modeselektor es la banda consentida de Yorke en los últimos años… y porque no hay otra pieza remix que incluya a todo Radiohead, es decir, a toda la banda, no sólo a su frontman.

1. Everything In Its Right Place – (James Lavelle remix)

Nuestro mejor remix es cortesía del alma de U.N.K.L.E., James Lavelle, quien acostumbrado a trazar las atmósferas sonoras más puras y seductoras, retoma este tema del Kid A, para desnudar toda esa carga de nostalgia que contiene, y revestirlo con una sombría cadencia.

El mejor video… ¡Just!

Seguramente todos pensarían en el multipremiado y reproducido hasta el cansancio Paranoid Android, pero Just representa más las venas de Radiohead que su atormentada cabeza. Just refleja la megalomanía de la banda, es la primera expresión (muy ímplicita por supuesto) en la que Greenwood manifiesta que no hay músicos más virtuosos que ellos… esa soberbia a partir de las vísceras hay que reconocerla.

Nueva York, los años 40. El estudiante Holden Cauldfield, de 17 años, delgado y con la mitad del pelo llena de canas, es expulsado por enésima vez del internado. Esta no es la conmovedora historia de un discapacitado al que se le niegan los esfuerzos de los médicos y el amor de los ciudadanos. Esta es la historia de un joven al que todo le parece insoportable (posiciones políticas, gustos artísticos, amores y odios) y está tan enojado que cada vez se esfuerza menos en bienvivir. Salinger bien podría haber llevado a su personaje hacia la moraleja medio irónica y medio cruel pero al fin encantadora: Holden descubre que el mundo es un lugar espantoso, pero decide no hacerse de mala sangre, por lo que encuentra la felicidad en lo sencillo, como en los perritos o en los refresco. Salinger no era ningún cursi.

Holden, antes de que el director oficialice la expulsión llamando a sus padres, hace las maletas cuando sus otros compañeros duermen y toma un taxi a Manhattan. Es un lugar común decirlo, pero como la mayoría de los lugares comunes, es cierto, y más aun si está expuesto sin sentimentalismos: las ciudades se enrarecen por las noches, a la gente le crece la locura, el más tranquilo de los colegiales se mete en peleas y a las mujeres les da por gritar. Manhattan ha puesto el paisaje preciso para empeorar el estado mental de Holden: un hotel lleno de pervertidos, intelectuales con los que es imposible charlar, niños ricos excéntricos, jazzistas pedantes, niñas que no pueden aceptar un cumplido, policías que no pueden dar una dirección sin enojarse, etcétera. “Al parecer sólo puedo conocer bastardos”, dice Cauldfield.

Para su tiempo El guardián entre el centeno fue una novela cruda. Salinger habló del ansia sexual adolescente (recordemos que era un tema tan escabroso que el porno sólo retrataba inocentes chicas pin up) y escribió con un lenguaje repleto de maldiciones y groserías (también recordemos que antes de los hippies y su ecología, una de las primeras cruzadas sociales fue la de la libertad lingüística, esto es, poder decir fuck sin ser encarcelado). Para mí, tiene dos propuestas que la vuelven maestra. 1) El joven no se enfrenta a vicisitudes de índole metafísica (¿cuál es mi lugar en el mundo?, ¿cómo se me perdonan mis pecados?) sino a la sociedad.  Entre calle y calle, entre persona y persona, Holden Cauldfield siente cada vez más que no puede estar feliz con nadie y en ninguna parte. ¿Y no es cierto que el mundo está lleno de gente y que uno debe salir de su casa para cumplir con la obligación de estar afuera y vivir?

2) A diferencia de otros escritores que sucedieron a Salinger y que plantearon sus inadaptados sociales como a unos iluminados, Holden aparece temblado de frío en Central Park.

En sus 61 años de existencia, El guardián entre el centeno no pierde un gramo de sinceridad y tampoco se le evapora su sabor a blanco y negro, a golpeteo de máquina de escribir.

Autor: J.D. Salinger.

Título: El guardián entre el centeno

País: Estados Unidos

Editorial: EDHASA

Edición: 2008

Año: 1951

Llega al Teatro Helénico la obra Traición del dramaturgo y poeta británico Harold Pinter.

La actriz Marina de Tavira y los actores Juan Manuel Bernal, Bruno Bichir, Miguel Ángel Loyo (bajo la dirección de Enrique Singer), presentan esta obra de encuentros, despedidas y re-encuentros. Es contada en el presente y va dando saltos temporales para terminar en el inicio de una historia de amores.

La traición es un conflicto moral y cuando las personas hacemos cosas sin amor y sin conciencia, traicionamos nuestros ideales y a nuestra gente cercana, aplicando para cualquier tipo de relación humana.
Traición, de Harold Pinter, está por corta temporada dentro del Centro Cultural Helénico ubicado en Av. Revolución 1500. Col. Guadalupe Inn, todos los viernes 20:45 hrs, sábados 18:00 y 20:30 hrs. y domingos 18:00 hrs.
Boletos: $450, $300 y $160

MUECA trae a México La Comedia Infernal, obra teatral y musical en donde John Malkovich acompañado de las sopranos Sophie Klußman, Kristen Blaise y Marie Arnet, nos relatan la biografía de Jack 39 un asesino serial de mujeres.

En conferencia de prensa, Malkovich comentó que desde hace mucho tiempo está familiarizado con la historia de este asesino, sin embargo el reto para él ha sido durante la puesta en escena al momento de integrar la parte vocal con la música.

La obra cuenta la historia de “Jack 39”, quien mientras cumplía una sentencia de 15 años en la cárcel, comenzó a escribir su biografía y al salir --tiempo antes de terminar su sentencia--se hizo escritor de tres novelas dramáticas, lo cual fue visto como una re-socialización de su persona; ganadores del Nobel de Literatura apoyaron para que saliera antes.Otra parte interesante es que todas las mujeres a las que asesinó, estaban enamoradas de él.

Después de tres años de estar presentándose a nivel internacional y con una mezcla de música clásica y actuación contemporánea, este mes La Comedia Infernal recorrerá la República Mexicana. Es probable que esta obra esté generando confrontación moral en la sociedad mundial.

Temporada en D.F.: Jueves  12, viernes 13, sábado 14 y domingo 15 de abril en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. (Donceles 36. Col. Centro).
Boletos: Agotados

¿Ya conocen la cafetera Piccolo de Nescafé Dolce Gusto? Es la hermana de las otras dos: Melody 2 y Circolo. Sólo que ésta es la pequeña y poderosa. Perfecta para iniciar el día con una bebida fría o caliente.

Cuenta con 15 bares de presión, bandeja con ajuste para diferentes  tamaños de tazas y puedes elegir entre rojo, blanco y titanio.

Para más información:  www.dolce-gusto.com.mx

A simple vista, Javiera Mena es una chica sencilla que vestía jeans, playera, tenis y lentes obscuros para cubrirse del tremendo sol chilango, y al hablar con ella, es evidente. IndieRocks! tuvo la oportunidad de hacerlo y esto es lo que nos contó, previo a su presentación a lado de MGMT en el Palacio de los Deportes.

“El acercamiento con la banda se dio porque mi agencia envió varias propuestas, les gustó lo que yo hacía y dijeron que quería que abriera el show. [...] Con esta presentación, espero cerrar la gira como se merece y hacerlo un momento especial, sobre todo porque es una gran vitrina pa’mi (sic). Sé que mucha gente que no me conoce me va a escuchar, y tenemos que dar un buen show. Espero sea perfecto y les guste.”

El nombre de Javiera Mena ha ido creciendo con el tiempo, y en nuestro país no es la excepción, “ desde el comienzo ha habido mucha empatía con el público mexicano y sí ha ido cambiando. En un principio eran pocos los que conocían Sol de invierno de Esquemas Juveniles. El tiempo es el que hace que la gente conozca más las canciones y mi trabajo.”

Nos platicó un poco de su reciente experiencia en el pasado Vive Latino, la cual calificó como un hito en su carrera. “¡Estuvo increíble! La gente estaba súper contenta y bailando, a veces estaban tan apretados que no se podían mover mucho. Además el escenario tenía unas palmeras iluminadas que hicieron un momento perfecto.”

Para la señorita Mena, la diferencia entre el público mexicano y el chileno radica en la forma de ser de cada uno. “El mexicano, desde que te tiran porras, es más cálido; el chileno es un poquito más frío, respetuoso y analítico.”

Y ya que hablamos de la diferencia entre nuestro país y Chile, no nos quedamos con la duda y le preguntamos sobre la cercanía y unión que tiene la escena musical chilena, a lo que nos respondió: “ Es chiquita, porque Santiago –de Chile-, es una ciudad muy pequeña en donde todos se conocen desde hace tiempo. Por ejemplo, yo a Gepe lo conozco de muchos años, al igual que a los Dënver. Además, como tenemos a los Andes muy cerca, pues nos deja como una pequeña islita que hace que todo Santiago sea muy particular.

Al platicar sobre una nueva producción y sus fuentes de inspiración Javiera comentó que planea empezar a mediados de este año para que esté lista en el 2013, sin embargo, se tomará el tiempo necesario para tener un resultado igual o mejor que sus álbumes anteriores. En cuanto a los temas de sus canciones, Mena hace notar el crecimiento que su música ha tenido: “Esquemas Juveniles era más de mis vivencias, Mena es más abierto, con más tiempo y más crecida. Ahora para el nuevo, quiero hacer algo en lo que no he caído antes, quiero hacer un disco diferente; con un poco más de balada. Tomaré mucha inspiración de los viajes y de la gente que voy conociendo. Trato de hacer grande a la cotidianidad de la vida con la poesía de la canción.”

Nos contó sobre algunas bandas con las que le gustaría trabajar, como los chilenos Fredi Michel, banda de electro pop, o Mamacita, también chilena y quien tiene un ritmo más dance electro. Quiero Club y Julieta Venegas son algunos de los músicos mexicanos con los que le gustaría colaborar en un futuro.

Aunque su presentación en el domo de cobre sea el cierre de su gira, espera poder hacer un último show, más íntimo, en el D.F. antes de empezar a trabajar en su tercer disco.

Previo a la Segunda Edición del Primavera Jazz Fest, a celebrar en la  Fundación San Sebastián, la jazzista mezzo soprano, nacida en Irlanda, Louise Phelan platicó en exclusiva para Indie Rocks! sobre lo que espera del evento.

Elegante, amable, muy risueña y mexicana por destino, la intérprete de grandes temas (ya sea como solista, acompañada de orquestas, filarmónicas o bandas), se ha convertido en una de las mejores voces de jazz del mundo, tras 15 años de carrera. Con 2 producciones bajo el brazo y en pleno proceso de post-producción con el gran pianista  Alejandro Mercado, su presentación promete ser una de los mejores del Primavera Jazz Fest.

¡La buena noticia? Está en nuestro país desde hace un buen rato y podremos disfrutar de uno de los espectáculos musicales más recomendables en un festival hecho por mujeres increíbles con gran pasión en lo que hacen.

Enamorada del lenguaje y México desde el primer día, Louise encontró el contexto perfecto para desarrollar su potencial creativo en un lugar como ella lo describe “lleno de pasión, calidez humana, con gran amor a la familia y a la música”.

¿En tus conciertos la cercanía provoca interacción con la audiencia?

Sí, es importante para el cantante el tener esa cercanía, lograr entablar una relación, un diálogo, no importa si son 1,000 personas en un concierto con orquesta, o 50, es lo mismo para mí.

¿Depende de tu estado de ánimo el elegir tu set list?

Sí, cambio todo el tiempo, depende del lugar, de la gente, de los músicos, del clima; a veces tenemos mucho tiempo para ensayar y hacemos nuevos arreglos. Por ejemplo, si el público no está muy acostumbrado al género, no vamos a tocar mucho new Jazz, tratamos de hacerlo digerible.

Normalmente en mis conciertos quiero hacer como un vuelo entre diferentes estilos y formas de jazz, empezamos con algo de swing, blues, baladas, puede ser bossa nova, latin jazz.

¿Cuéntanos acerca de tu proceso creativo, la manera de hacer música?

Con el pianista Alejandro Mercado, por ejemplo es un honor, un placer, es un ser humano increíble, generoso, y talentoso, puede tocar todo. El primer ensayo con Alex fue hace 1 año y medio y de inmediato los 2 sentimos química, algo muy interesante. La comunicación es simple, todo es contacto visual, una especie de intuición. Bésame mucho; (la canción de Consuelo Velázquez) me llamó la atención, porque es uno de los temas más famosos en todo el mundo , y fue un reto para mi, desde pronunciar las palabras correctamente, entender el sentido de las mismas, y de ahí intentar diferentes estilos, no sólo en jazz latino, o balada, sino también en blues, funk, todo lo que se pueda para arropar las palabras tan bonitas que tiene el castellano que utilizamos para expresar el amor. De hecho, actualmente estoy estudiando géneros clásicos, románticos, como boleros, no importa lo que esté haciendo, en un bar, o comiendo, todo el tiempo estoy absorbiendo su cultura y su música que está presente en todo momento. Es como en Irlanda; no importa que estés contento o triste, con la música podemos expresar todas esas emociones.

Luego de haber trabajado durante muchos años en cruceros trasatlánticos, ¿cuál es la visión que tienes de la gente, sus tradiciones, costumbres y por supuesto de la música?

Sí, trabajé en cruceros, y fue una oportunidad para ver el mundo, viajar, aprender otros idiomas, estuvo muy bien, pero un tiempo, porque extrañé mi familia, extrañé estar en tierra firme, ya que ahí se vive de noche.

He tenido mucha suerte, he podido trabajar con los mejores músicos en México

¿Cómo haces para contagiar el gusto por el jazz a los jóvenes?

Necesitamos cambiar la imagen del jazz, dejar claro que no es elite, que no es exclusivo, que es para todos como toda música.  Necesitamos abrir nuestra mente, no sólo con la música, sino con la comida, con las religiones, es decir, hay que escuchar de todo. Hay que buscar más espacios en la radio, hay que atrevernos a explorar sonidos regionales con jazz, logrando fusiones que probablemente puedan llegar a gustarle a la gente. Actualmente estoy experimentando con mi voz y la música electrónica. Y lo obvio, ofrecer música de calidad en proyectos como este festival donde podrán conocer a los mejores músicos.

¿El jazz es para las masas?

Yo creo que sí, el jazz tiene partes muy intensas, grises, se puede llegar a pensar que es exclusivo, y no entiendo porqué, todo el mundo conoce a Ella Fitzgerald; o sea hay new jazz, fusion jazz... Hay jazz que no tiene casi nada de melodía, todo es improvisación y considero que es cuestión de tener la mente abierta.