Adanowsky: el universo en una misma entidad

Hace un par de semanas Adanowsky apareció en la casa Indie Rocks! maquillado y con labial rojo. Su pelo estaba cubierto de spray y su traje de terciopelo era cortado a la medida, se lo hizo un sastre japonés que viste a Sean Lennon Yoko Ono. El motivo de su look es Ada, su nuevo personaje.

"Mi madre había perdido una niña unos años antes de que naciera mi hermano y volvió a quedar embarazada. Tiró una carta del tarot, salió la estrella (una mujer con una jarra de agua) y dijo: 'va a ser niña'. Entonces encontró el nombre Ada, le contó a mi padre y él conestó: 'yo encontré el mismo nombre hoy, qué raro. Quiere decir que va a ser mujer y vamos a llamarle Ada'", contó Adán.

Al nacer, el bebé se reveló como un hombre, por lo que tuvieron que adaptar el nombre y llamarlo Adán. Sin embargo, en el vientre, aquel niño había recibido la información de que era una niña.

"Viví con esa niña muerta dentro de mí, sentía la decepción de mi madre. Lo sentí toda mi vida pero fui consciente de eso hace tres años cuando me cuestioné qué pasaba con mi masculinidad y saqué mi mujer interior. Ada representa la complementariedad; no hay diferencia entre el hombre y la mujer, somos dos partes del mismo universo y, por lo tanto, somos el universo, explicó.

“Voy a crear a Ada, la voy a vivir y usaré el arte para sanarme. Es muy importante que este personaje tenga una vida propia porque me va a acompañar durante años. Estoy viviendo el personaje, como como el personaje; no mezcla arroz y pollo por ejemplo. Después la voy a matar en el escenario al final de la gira”, dijo

Sin embargo, a diferencia de El Ídolo y AmadorAda marca una era distinta: “Cuando empiezas tienes la necesidad del ego, de ser reconocido. Después, cuando lo tienes, quieres durar. En un momento dado te calmas, llegas al silencio y estás más tranquilo; tu meta ya no es eso, ahora es crear una obra que tenga sentido, que le hable a la gente y que inspire”, comentó Adanowsky.

“En los demás discos era otra cosa, estaba centrado en mi mismo y en el pensamiento del yo, ahora estoy en el pensamiento de nosotros y un día estaré en el pensamiento supremo de la divinidad, de la energía universal; a eso quiero llegar. Hacer feliz a la gente con mi música es mi forma de sembrar algo nuevo en el mundo”, aseguró.

Para esta nueva meta, Adanowsky volvió a París, donde grabó el disco, pues sentía que en México cuando te empieza a ir bien te puedes perder muy rápido en un delirio egocéntrico.

“Sentí que estaba mintiendo, era algo que no soy. Por eso decidí irme a un lugar donde no me conocen, mi casa, París, donde están mis amigos que me quieren por quién soy”, explicó.

Para su nuevo disco buscó que las letras correspondieran a lo que quiere decir, pues tras años de cantar irónicamente “Me Siento Solo” y “Estoy Mal”, empezó a sentir un efecto negativo. Ahora sus rolas son más positivas pues la vida es una fiesta. El proceso de producción también fue más íntimo, compuso 70 canciones de las cuales grabó 20 en un sótano parisino.

“No quería el gran estudio de rockstar. Trabajé con los músicos de Gush, grabamos en vivo y parece casi electrónico ochentero, pero todo lo tocamos nosotros. Tardé dos meses en mezclarlo y me tomó dos años en acabar el disco en total. Asistí a clases de baile y de canto, cambié el estilo de música y el sonido; me reinventé de cero”, explicó.

Por ahora, Jodorowsky vivirá a Ada y seguirá su camino como artista, pues cuando no crea se angustia. Seguirá con la música, la poesía y el reto de escribir y producir su primer largometraje musical.

Noche de Electrónica Apocalíptica #Aural2014

Un encuentro con lo extraño, lo hipnotizante y por momentos parecía que con lo sobrenatural, fue lo que asistentes a la antepenúltima noche del Festival Aural pudieron presenciar.

El Ex Teresa Arte Actual en el Centro Histórico fue la sede para una noche de “electrónica experimental”, recinto tremendamente ad-hoc para el aura que cimbraba los pilares del ex-convento donde por un segundo me preocupé por la integridad del antiquísimo edificio, pero me imagino que sabrán lo que están haciendo.

Los artistas alemanes Thomas KönerFlorian Hecker y Rashad Becker junto con el norteamericano Keith Fullerton Whitman presentaron sus proyectos ante un público que, para ser un concierto, guardaba un silencio sepulcral por respeto.

La iluminación era mínima y para el set de Köner fue prácticamente nula, lo que maximizaba el ambiente ominoso de la presentación mientras el salón se llenaba con clicks, pops, rechinidos y sonidos varios que parecían emanar de los últimos círculos del infierno (descripción más cercana: Satanás golpeando el techo del convento) o de los más lejanos confines del cosmos, allá donde se encuentra “la verdad” (alguien abriendo el cierre del universo es lo que creo escuché por ahí).

No todos los asistentes estaban impresionados y algunos platicaban quedito o deambulaban por ahí con su celular. En la escasa iluminación y envuelto por el ataque sonoro, juraba que los clicks, pops y rechinidos musicalizaban a los inquietos (no andaba de trip, por cierto). No es un aura electrónico experimental para escuchar en los audífonos, es una experiencia que incluye ambiente, público, iluminación y recinto más un sonido completamente surround de poca-madre. Mi pasatiempo favorito en tres horas de experimentación con herramientas digitales era voltear arriba a la bóveda del Ex Teresa (lo único que permanecía iluminado) y observar a los ángeles.

El set de Hecker incluyó el acompañamiento visual de una proyección que sólo puede ser descrita como un lento y tétrico viaje en metro para acabar en un fantasmagórico lugar donde parece que espectros van y vienen. El set del ingeniero en computación lingüística, que estudia el concepto de singularidad en su arte, fue probablemente el más abstracto y eso es decir bastante para un grupo de proyectos que no incorporan ritmos ni melodías. Con la excepción del set de Fullerton Whitman, en el que me sorprendí a mi mismo golpeando el piso con el pie en lo que pudo haber sido un asomo de ritmo.

El Festival Aural estará dos días más por si desean experimentar de cerca singulares encuentros sonoros en persona; si asisten el próximo año es recomendable la noche de electrónica experimental. 

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Tool: Dos décadas de espera valieron la pena

Los fans mexicanos de Tool que no habían tenido oportunidad de ver en vivo a dicha banda en otro país tuvieron que esperar 20 años para que Maynard James Keenan y sus compañeros visitaran México por primera vez.

El Palacio de los Deportes estaba prácticamente lleno desde las 8:30 p.m. y el grupo salió al escenario pocos minutos después para tocar “Hooker With a Penis" luego de que una serie de latidos se escucharon a partir del momento en el que se apagaron las luces del lugar. Tool comenzó con mucha potencia y así continuó a lo largo de la noche con pesados riffs de guitarra, furiosos golpes en la batería y la tortuosa voz de su cantante, quien, en un principio, utilizó un altavoz para distorsionar su voz.

Al terminar la primera canción, Maynard agradeció al público por estar ahí, mientras se vivía un buen ambiente entre los asistentes aunque, desgraciadamente, la acústica del lugar no ayudó mucho en algunos momentos.

Con “Vicarious” comenzaron los visuales en las pantallas del Palacio, lo cual no podía faltar en un concierto de ToolMaynard se mantuvo apartado en la parte de atrás del escenario, escondido sin mostrar su rostro, manteniendo cierto misticismo en torno a su presencia. El líder de la agrupación estaba viviendo el concierto a su modo al mismo tiempo que todos coreaban cada tema.

Cada uno de los cuatro músicos dio lo mejor de sí sobre el escenario, pero, sin duda, sobresalió el baterista, quien aprovechó cada oportunidad que tuvo para destrozar su instrumento. En un momento de la noche bajó la intensidad de la música y ésta se volvió más densa mientras unos lasers iluminaban lentamente el lugar y una lluvia de destellos rojos cubría a quienes se encontraban en zona general.

Tras el breve momento de calma, el escenario se convirtió en una enorme pantalla en la cual apenas y se notaba la presencia de los miembros de la banda. Luego de dejar boquiabiertos a todos con temas como “Schism” y “Lateralus”, entre otros, Tool abandonó el escenario para regresar después de un intermedio de 12 minutos.

Tool regresó y siguió llevando a los presentes a través de un viaje audiovisual durante el cual siempre estuvo presente el ruido en forma de virtuosismo musical. El concierto llegó a su fin con “Ænima” y “Stinkfist”, canción que puso locos a todos y que probablemente fue la más cantada de toda la velada. Fue una presentación inolvidable en la que se sintió una energía muy especial y durante la cual se vivieron grandes momentos.

Al final de la noche, todos los que estuvieron ahí quedaron fascinados por haber sido testigos de un concierto impresionante. Tool cumplió y pagó su deuda con el público mexicano, esperamos que no se tarden mucho tiempo en regresar.

Kim Deal estrena tema

Tras dejar a Pixies y mientras continúa de gira con The Breeders, Kim Deal ha estado publicando sencillos en solitario y hoy podemos disfrutar una nueva entrega llamada "The Root" acompañada de su videoclip oficial.

Para el tema contó con la colaboración de Morgan Nagler de la agrupación Whispertown mientras que el clip fue grabado con un celular en el estacionamiento de un supermercado.

Jocan Dekä: La lucha de la electrónica en México

Anticipamos el despegue del DJ

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Jocan Dekä en la escena musical electrónica internacional gracias a su ecléctica colección de texturas sonoras ancladas en el bass music. Pero Dekä no ha tenido un camino fácil hacia la validación de su arte, de la Ciudad de México tomó vuelo hacia las capitales del techno, Berlín y Barcelona, donde experimentó un crecimiento artístico y personal importante pero también batalló para mantenerse en el camino de la vanguardia.

Ahora, el DJ capitalino se encuentra a punto de aventarse un set en el próximo Boiler Room a celebrarse en la Ciudad de México, ni más ni menos, donde seguramente se le abrirán varias puertas gracias a su singular fusión de house, garage y otros géneros.

En entrevista para Indie Rocks!, Jocan habló un poco sobre su arte sonoro.

"El género se me hace un poquito tribal; al principio, en la historia de la humanidad, no tocaban instrumentos sino que le pegaban a cosas. La música electrónica es algo simple que todo mundo pude hacer; sin embargo, también toco algo de piano, guitarra y bajo pero me baso en mi oído para saber lo que estoy haciendo", comentó el DJ.

Sobre qué emociones busca inspirar en su público a través de sus sets, nos dijo: “Es el sentimiento de cada quien. La música electrónica eres tú bailando y sintiendo lo que quieras sentir; es algo muy personal. Cada quien lo disfruta de diferente forma a diferencia del rock que te tira una letra; acá quizás el DJ tiene una idea pero tú en tu cabeza tienes otra”.

Al mismo tiempo, Jocan tomó consciencia de lo que representa aparecer en un Boiler Room en su ciudad; una experiencia, sin duda, muy singular.

“Es el sueño de cualquier DJ, para todos los que estamos luchando. Me hace pensar que han valido la pena los años que llevo de DJ; las caídas, los retrocesos, etc. Es una satisfacción muy grande, he sido fan de los Boiler Rooms y he tomado lecciones e inspiraciones de aquellos sets”, declaró Jocan.

Haber vivido en Berlín y Barcelona, y los obstáculos que esta experiencia conlleva, fue una lección valiosa una oportunidad para crecer en todos los ámbitos.

“Musicalmente fue maravilloso y personalmente fue una experiencia de vida. Me fui un poco a la suerte y se complicaron las cosas; sufrir hambre ayudó a abrir mi mente en cierto sentido. Además de dedicarme a la música, me sostenía con otras cosas como repartiendo flyers para las discos aunque a veces no me pagaban (risas). En alguna ocasión vendí separadores para libros también.”

Jocan Dekä seguirá ofreciendo su interesante versión del bass music. Además, prepara nuevo material con Blaq Records y nuevos proyectos con su propio sello, Zentral Rebell.

Russian Red y los enigmas de sus romances

Atrevida, fuerte, sexy, frágil, libre... una mujer que a sus 28 años ha enamorado a Europa, Asia y que comienza un torbellino en América gracias a su pop-folk y al exquisito color de su voz. Estos adjetivos calificativos son los que mejor definen a Lourdes Hernández, traductora y canta-autora madrileña que bajo el nombre de Russian Red conquistó grandes escenarios como el Primavera Sound, ganando muchos adeptos y llamando la atención de la prensa europea.

A un mes de su vista a la Ciudad de México, para presentar su más reciente producción discográfica titulada Agent CooperIndie Rocks! conversó con Lourdes, quien ahondó en detalles sobre su nuevo material, la evolución de su sonido y su nueva vida en Estados Unidos.

De acuerdo con Russian Red, la inspiración para su tercer álbum llegó gracias al recuerdo de amores platónicos, hombres que de alguna manera marcaron su vida, romances inconclusos e idealizaciones... un conjunto de sueños rotos, desilusiones y fantasías que resultaron en un álbum de 10 tracks que sirvió a la cantante para explorar hasta lo más recóndito de su naturaleza femenina y llegar a un mayor entendimiento de sí misma.

Como ferviente admiradora del trabajo de David Lynch, Lourdes optó por bautizar ésta entrega como el protagonista de la serie Twin Peaks: ”El agente Cooper es un personaje que me enamoró desde la primera vez que lo vi y se convirtió en el modelo de mi hombre ideal”, confesó la española.

La evolución musical hacia un sonido más orgánico se dio gracias a su cambio de residencia al continente americano. “Quería un cambio y sentí que era tiempo de salir de Madrid. Siempre tuve la ilusión de vivir en Estados Unidos y cuando decidí que Joe Chiccarelli sería el productor del disco me mudé a a los Ángeles”, expresó Lourdes, quien confesó sentirse satisfecha y entusiasmada con los cambios que ha experimentado desde su inmersión en una nueva cultura y un distinto estilo de vida.

Según Lourdes, gracias a“Casper”, primer sencillo de Agent Cooper, surgió la idea de conceptualizar el álbum escribiéndole a hombres que había idealizado a lo largo de su vida; tanto se adentró la cantante y compositora en sus fantasías que hasta Alex Turner fue inspiración para uno de los temas del disco. De acuerdo con ella, al mudarse a Califronia se vio tan influenciada por la música de Arctic Monkeys que decidió escribir sobre una relación imaginaria con el vocalista de la banda.

Agent Cooper llegó oficialmente a las tiendas el pasado 25 de febrero e inmediatamente después Russian Red comenzó con una gira de promoción que hará escala en el Lunario del Auditorio Nacional, donde ofrecerá un par de íntimas presentaciones.

Ana Tijoux: Retrospección para las masas

Ana Tijoux

Vengo

Nacional Records

2014

Tras dos años del lanzamiento del álbum Bala, la franco-chilena Ana Tijoux presenta Vengo, material compuesto por 17 canciones que, en su mayoría, están apegadas a ritmos andinos y letras no tan fuertes como su última producción, pero sí inclinadas a un reclamo específico: la inconformidad social.

“Vengo” es el tema de apertura; melodías andinas y flautas al fondo que permiten regresar a los orígenes en busca de respuestas ante una tierra saqueada y su renovada ideología, sin miedo a "un mundo sin clase que se pueda levantar".

Continúa “Somos Sur”, tema en colaboración con Shadia Mansour; y “Antipatriarca”, en las cuales permea el inconformismo ante la libertad individual, específicamente la femenina; las invasiones extranjeras y la autosuficiencia de "los del sur".

Al lado del MC también chileno Hordatoj lleva la lírica al sonido del piano que busca concientizar, mostrar respeto y apertura hacia las distintas formas de ver y pensar. Lo interesante y novedoso de Vengo es la incursión de tres interludios,“Er-rrro-r”, “Los Diablitos” e “Interludio Agua”, que si bien no parecen ser necesarios, al escucharlos son casi imperceptibles pues aglutinan las piezas en la mitad del disco y logran un momento de reflexión a través de sonidos naturales, flautas, guitarras y la voz de Tijoux.

Además de las colaboraciones previamente mencionadas también figuran en los créditos MC Niel y RR Burning, cuyas letras, por su simplicidad y reafirmación de ideas, postulan a “Delta” y “Emilia” como las canciones más inclinadas hacia el hip-hop.

Casi para concluir el disco suena “Todo lo sólido se desvanece en el aire”, tema que a partir de su “yo me pregunto, ¿cómo sería?”, evoca al libro del mismo nombre de Marshall Berman, cuyo planteamiento alude a la modernidad como una forma de experiencia vital en la que todo se percibe como cambiante, nada permanece en su sitio y, por lo tanto, es importante detectar, reemprender los propósitos de progreso y emancipación al sistema político.

En “Rumbo al sol” Ana inserta testimonios sobre la situación actual: un Chile sin recursos económicos con una sociedad popular que busca su bienestar familiar. Por último, para cerrar estos casi 54 minutos, aparece “Mi verdad”, tema autobiográfico de la chilena.

Vengo es un álbum que a partir de evidenciar la situación política, busca un cambio individual para llevarlo a mayores escalas.

Bonobo comparte remix a London Grammar

A unas semanas de su primer visita a nuestro país, Bonobo compartió un remix hecho al tema "Hey Now", originalmente incluido en el exitoso álbum debut de London Grammar lanzado en septiembre del año pasado.

Nueva canción de Wu Tang Clan

Si bien se tenía previsto que a mediados del año pasado llegara a los anaqueles de las tiendas de discos la nueva producción de Wu Tang Clan, por razones que se desconocen el lanzamiento ha sido aplazado por tiempo indefinido. La buena noticia es que tras publicar el primer adelanto, "Execution in Autumn", la legendaria agrupación decidió compartir un sencillo más titulado "Keep Watch" producido por DJ Mathematics.