James Blake en el Pepsi Center WTC

Delicadeza sonora entre beats profundos y confesiones musicales.

El pasado martes, el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México fue testigo de un espectáculo inolvidable con James Blake como protagonista. El cantautor británico, maestro en fusionar lo emocional con lo experimental, ofreció una experiencia única que resonó profundamente entre los asistentes.

Desde el primer acorde hasta el último aplauso, los escuchas fuimos transportados a un espacio donde las emociones se tradujeron en vibraciones y melodías sin igual. Con cada interpretación, Blake demostró por qué es considerado uno de los artistas más influyentes de su generación.

El show comenzó a las 20:00 H. con Airhead nombre artístico de Rob McAndrews, un talentoso músico y productor británico conocido por su constante colaboración con Blake y su estilo distintivo en el universo de la música electrónica  que tocó una mezcla suave deleitando al público. Su fusión de música vino bien para lo que James nos tenía preparado.

Airhead ofreció un set que sirvió como la introducción perfecta al universo sonoro de la noche. Con un enfoque minimalista pero emotivo, su música llenó el recinto con paisajes sonoros construidos de forma cuidadosa y precisa, el sonido estuvo caracterizado por texturas ambientales, ritmos complejos y progresiones melódicas que invitaban a sumergirte en una mirada interna profunda.

Rob McAndrews, ha acompañado a James en numerosas ocasiones y, sin duda, conoce al público brindando un excelente acompañamiento y como el génesis de una noche íntima y alucinante, sentó bien.

Aunque Airhead no es un nombre tan conocido como James Blake, su acto de apertura en el Pepsi Center WTC dejó una impresión con buen sabor en la boca. Logró capturar al público presente con su habilidad y talento para crear momentos de calma profunda, seguidos por explosiones rítmicas que llenaban el espacio. Fue la introducción ideal para una noche que estallaría en talento, preparando a los asistentes para la intensidad emocional que vendría después con Blake.

En resumen, Airhead no solo cumplió con el papel de telonero, sino que demostró ser un artista completo, capaz de sostener su propia narrativa musical mientras complementa de manera perfecta el espectáculo principal. Su presencia en el escenario fue un recordatorio del nivel de talento y visión que acompaña a James Blake en su gira, haciendo de la presentación una experiencia única.

James Blake (1)

Pasando las 21:00 H. los fanáticos y el público en general ya estaba listo para ver en escena a James Blake, el ambiente imperturbable y relajado se respiraba en el recinto, no había prisa; cuando las luces se atenuaron y los primeros sonidos se hicieron presentes, el lugar se desmoronó entre gritos y aplausos que dieron pie a la primera canción, “Life Round Here”, marcando el tono del espectáculo: una atmósfera etérea donde las luces se movían en perfecta sincronía con los beats, creando un entorno íntimo. Desde el inicio, James Blake supo establecer un puente con el público. A lo largo de la noche, su capacidad para transformar un recinto enorme en algo entrañable y personal fue uno de los puntos más destacados.

Para el tercer tema James ya había hecho magia atrapando a los asistentes que comenzaron a cantar al unísono, uniendo sus voces. En ese momento, se podía sentir la conexión interna que Blake genera a través de sus letras repletas de una melancolía delirante, y de esos beats únicos que parecen resonar en lo más profundo del pecho. Fue el inicio de una montaña rusa emocional que iría en crescendo hasta alcanzar momentos de gloria absoluta.

El primer gran estallido emocional llegó con “Mile High”, una canción que logró conquistar por completo a su público más leal. La producción minimalista y su voz como un susurro hipnotizante, se combinaron para crear un momento de profunda intimidad. Pero lo que realmente destacó fue cómo James involucró a sus fans, invitándolos a corear el estribillo de “Say What You Will”, lo que creó una atmósfera cálida y de comunión única.

Con cada intervención que tenía después de cada canción, James se mostró bromista, agradecido y cercano. “Gracias por estar aquí”, dijo en un momento, antes de bromear y arrancarnos algunas risas. Este tipo de interacciones, lejos de ser simples cortes entre canciones, añadían un grado más humano al show, permitiendo que la audiencia lo conociera más allá del sonido que emana desde el escenario.

La libertad del artista independiente.

Durante la noche, Blake tomó un momento para compartir una noticia de gran relevancia y significado con sus seguidores. Con humildad, explicó que había decidido convertirse en artista independiente, una decisión que, según sus palabras. "No fue fácil, pero ahora puedo disfrutar de mi libertad creativa", comentó, provocando una oleada de aplausos. Estas palabras no solo dieron contexto a su presente y al futuro que tiene por delante, porque también declaró que está por lanzar un nuevo álbum. La noticia desató una euforia colectiva que Blake recibió con gratitud y dio paso para interpretar “Thrown Around”, un tema que resonó como un eco de esa independencia recién adquirida.

James Blake (6)

El escenario carecía de adornos y era innecesario ya que contaba solo con una batería, un sintetizador y un teclado. Esto resalta y demuestra el talento puro de James y su equipo, que supieron llenar el recinto con un sonido envolvente y profundo. En un momento de la noche, presentó a cada uno de sus músicos, agradeciendo su aporte para lograr el set de la velada, marcando la humildad y sencillez del artista.

Las canciones fueron ejecutadas con una precisión casi perfecta, pero sin perder la calidez emocional que caracteriza a Blake. Temas como “Godspeed” y “Loading” llevaron a los asistentes por un viaje emocional, mientras las luces dibujaban patrones que parecían bailar al ritmo de la música.

La velada alcanzó su punto más alto con “Retrograde”, donde logró el clímax de la noche, el sencillo es una de sus canciones más emblemáticas y el público estuvo acompañado por luces que parecían palpitar al ritmo de la música, dejando a todos sin aliento. Desde los acordes iniciales que provocaron una ovación inmediata, y al terminar. 

Aunque el concierto parecía haber llegado a su fin, los gritos de “¡Otra!” no tardaron en llenar el recinto. El británico no se hizo de rogar y volvió al escenario para ofrecer un último tema. Las primeras notas estallaron como una estrella en el espacio, dejando rastros de intimidad y belleza que fue creciendo hasta llenar a cada asistente y cada rincón del lugar, Blake dejó a todos los escuchas con un sentimiento de plenitud, llenos y agradecidos por la noche espectacular.

Un cierre para recordar con simpleza y magia.

Al finalizar, Blake se acercó al borde del escenario para interactuar con algunos fans, firmar discos y entregar el setlist de la noche, un gesto que marcó su aprecio por el público y por quienes lo acompañaron, cerrando la velada con broche de oro.

El concierto de James Blake en el Pepsi Center WTC no necesitó de grandes visuales para brillar. Su fuerza radica en su talento innato, la lírica profunda y beats que llegan hasta la médula, llevando a los presentes por un viaje inigualable, el cantautor tiene la capacidad para emocionar con una voz suave y su música son elementos que manejó con maestría.

Sin embargo, un aspecto que podría mejorar es la falta de equilibrio entre las canciones más íntimas y atmosféricas y aquellas que invitan al público a moverse con el ritmo del beat que, por momentos, te llevaba a un espacio más desatado y libre, hubo algunos momentos que corrieron el riesgo de volverse demasiado íntimos y personales para un evento masivo, pero su destreza y talento logró culminar de forma exitosa.

James Blake logró algo que pocos artistas pueden: transformar un espectáculo de calidad masiva en una experiencia de manera muy personal para cada asistente, conectando con cada uno de ellos y brindando un toque de humor y grandes momentos de libertad. Con un setlist muy cuidado y puntual, una producción impecable y una sinceridad que desarmaba, la noche quedó grabada en la memoria de quienes tuvieron la fortuna de estar presentes.

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Parcels estrena 'LEAVEYOURLOVE EP'

Diversidad de voces y estilos convergen para dar vida a una pieza musical única y mágica.

El indie pop se apodera de nuestros oídos con Leaveyourlove, el nuevo EP de Parcels. Este proyecto colaborativo reúne a la banda australiana con los artistas: Rawayana, Ximena Sariñana, Maro,  King Stingray, Robert Owens, Tobi Neumann, Cosmos People y HaoTing from Sunset Rollercoaster, ofreciendo versiones frescas y auténticas de su canción homónima. 

Cada una de las canciones presentadas ha sido cuidadosamente retocada, equilibrando zonas horarias, idiomas y culturas para dar vida a un proyecto único, hermoso e inspirado por y para el mundo.“Leaveyourlove” es una canción radiante envuelta en entusiastas texturas, que permitió a los artistas explorar su creatividad con libertad, dando como resultado una expresión divertida y sencilla del amor contemplada desde múltiples perspectivas tanto emocionales como musicales. 

Desde el principio, el proyecto fue concebido como una ingeniosa explosión colectiva, trabajada junto a amigos y artistas de todo el mundo, quienes aportan sus propias visiones del amor en diversos idiomas y estilos. Una obra tan profunda e inmensa como la canción misma.

Con representantes de este lado del mundo, Rawayana y Ximena Sariñana aportaron al EP un ritmo latino lleno de energía, acompañado de letras acarameladas, inspiradoras y únicas. Sus interpretaciones capturan a la perfección esa chispa vibrante y juguetona del amor nuevo, entrelazada con la emoción y el misterio que trae la incertidumbre. Una fusión que enriquece el corazón del proyecto y lo convierte en un viaje sonoro irresistible.

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Deer MX se adentra en la IA con “You've Left Me Nothing”

La banda mexicana, que radica en Hong Kong, explora el impacto tecnológico contemporáneo con su nuevo sencillo.

Deer MX, estrena su más reciente tema titulado “You've Left Me Nothing”, que nos brinda una poderosa letra para reflexionar sobre el dominio creciente de la Inteligencia Artificial en la sociedad contemporánea. El tema, disponible desde hoy en todas las plataformas digitales, forma parte de una serie de lanzamientos que la banda incluirá en un próximo EP.

Este segundo adelanto, combina la lírica profunda de Adriana Martínez y Miguel Bastida, además de los característicos sintetizadores que identifican al dueto. También, colabora Alfonso Rosales en la batería y Peter Enderberg, de la banda de Hong Kong Diamond 6, en la guitarra. El lanzamiento incluye un remix de IN-NO-V8, un artista británico radicado en Tailandia que añade una nueva dimensión inquietante y profunda al ya provocador sencillo. La obra visual, a cargo del artista y creador digital Dispense Usted, consolida el mensaje potente del tema.

Deer Mx Sencillo You’ve Left Me Nothing

Con este lanzamiento, Deer MX se posiciona como una voz crítica en el debate sobre el impacto de la tecnología y la inteligencia artificial, te invita a pensar sobre los costos que trae el desarrollo. Con “You've Left Me Nothing” la banda continúa desarrollando su estilo: una mezcla de sonidos industriales, trip rock y atmósferas densas que llevan al escucha hasta el límite.

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Tauro: Uniendo talentos para una nueva era musical

Un nuevo capítulo en el pop suave.

Tauro, el dúo conformado por Brendan Canning y Cynthia Tauro, está capturando la atención de los seguidores del pop suave y el R&B con su primer sencillo, “Great Minds”. La fusión de sus talentos y trayectorias le da al proyecto un carácter único, lleno de matices y texturas que invitan a conectar en un nivel emocional profundo.

 

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Con una letra que explora las emociones de una ruptura y el proceso de reconstrucción personal, “Great Minds” se convierte en una ventana hacia la experiencia humana de enfrentar el caos y encontrar paz. La canción destaca el sonido característico de Brendan y Cynthia, logrando una atmósfera envolvente y relajada.

Brendan Canning, ampliamente conocido por su papel en Broken Social Scene, aporta más de tres décadas de experiencia y exploración en el indie rock de Toronto, mientras que Cynthia Tauro, con raíces en el jazz y neo soul, aporta su habilidad para crear melodías que conectan y resuenan. La combinación de sus influencias se deja ver en este primer lanzamiento, que evoca recuerdos de artistas como Air y Zero7.

El videoclip oficial de “Great Minds” refuerza el carácter retro y nostálgico de la canción. Dirigido por Jared Sales, el visual complementa la letra y su tema introspectivo, creando un viaje visual que refleja la esencia de Tauro y el universo que ambos artistas han formado en conjunto.

Su segundo sencillo, “You Got Something”, refleja la sensibilidad musical de ambos artistas, fusionando la energía emocional de Canning con las influencias jazzísticas y neo soul de Tauro. La canción retrata el momento decisivo en una ruptura amorosa, cuando se elige no mirar atrás y poner fin a una relación que careció de sinceridad.

Sigue a Tauro en Spotify y YouTube, así como en Instagram para estar al tanto de lo nuevo de este nuevo dúo que promete deleitarnos con su música y particular estilo.

 

Entrevista con Puma Blue

Abrazando la oscuridad con un toque de lo-fi.

La vida se vuelve cada vez más caótica, y vivir de prisa se ha convertido en la norma. Para muchos, la música es ese refugio de paz que nos permite desconectarnos del ajetreo cotidiano. Con un sonido intrínseco y etéreo, Puma Blue nos transporta a espacios intangibles y, a veces, oscuros, que nos sumergen en un estado de trance.

Entrevistarlo fue una experiencia similar. Con una voz serena y una elocuencia natural, Jacob Allen me dio unos minutos de serenidad. Por eso, para mí era importante saber cómo aprovechaba su tiempo libre mientras estaba de gira.

“Buena pregunta. Un poco de ambas cosas, honestamente. Se siente realmente importante descansar y, como dijiste, recargar energías. Escuché a Erykah Badu decir una vez algo sobre cómo hay un tiempo para 'subir' información y un tiempo para 'descargarla'. Y sí, creo que es muy saludable tomarse un momento para, ya sabes, recostarte en el pasto, mirar las nubes y acercarte a tu familia. Pero también, las giras son realmente inspiradoras. Y sí, he estado entrando y saliendo del estudio todo el año, ya sea en casa o fuera de ella, escribiendo, grabando cosas, y algo que me encanta de los conciertos es que uno siente pequeños vacíos en el repertorio que te gustaría llenar con algo, y luego intentas ir y escribir eso, para que la próxima vez que estés de gira, quizás tengas una canción que encaje con la energía que faltaba, ya sabes”.

El 2024 fue un año lleno de actividad para el artista londinense y su banda. Continuaron con su gira Holy Waters Tour que comenzó en 2023, llevando su música a diversas partes de Asia, Europa y Norteamérica. Este recorrido no solo les permitió conectar con nuevos públicos, sino también inspirarse en lugares que, para él, resultaban desconocidos.

Me encanta estar en Asia. Estuvimos en algunos lugares: Tokio, Osaka, Taipéi, Bangkok y Singapur, y hasta comer allá es realmente inspirador. Tener un momento en el que sientes que estás haciendo algo que nunca habías hecho antes como que abre tu mundo. También me encantó estar en Italia y ver algunos de los paisajes allí”.

“Estoy súper emocionado por ir a México, porque sé que Leonora Carrington vivió allí mucho tiempo. Mi pareja es una gran fan de su obra, sabe mucho sobre ella. Así que voy a intentar hacer tiempo para ir a ver algo, ya sea una casa o una exposición”.

Esta no será la primera vez que el artista multidisciplinario visite nuestro país. Allen viajó a México de manera inesperada hace algunos años y espera que en esta ocasión su estadía sea diferente.

“Sí he estado, pero solo. Fue cuando estaba tratando de mudarme a Estados Unidos a principios de 2021. Pero por las leyes de ese entonces, no podías volar desde Londres, así que me hice una prueba de COVID, fui a México y me quedé allí dos semanas, luego me hice otra prueba, y así fue como llegué a Estados Unidos. Fue un tiempo muy extraño. Me sentí muy solo, obviamente, porque estaba aislado, pero un día fui a caminar a un parque y, ya sabes, comí buena comida ahí. Amo México, pero espero disfrutarlo un poco más esta vez.”

Es definitivo que esta vez será una experiencia diferente para Jacob Allen al regresar a nuestro país. Tras agotar las entradas para su primera fecha y tener que abrir una segunda, los seguidores de Puma Blue le han hecho saber lo bienvenido que es en México, y podrán esperar un show muy especial.

Honestamente, me sentí muy humilde. No asumí en absoluto que íbamos a agotar un show, así que cuando lo hicimos, me sentí emocionado y agradecido con la gente de la CDMX. Saber que hay esa demanda por la música me hace sentir aún más emocionado de venir a tocar, porque sé que será muy apreciado.”

Su último álbum, Holy Waters, fue lanzado en septiembre de 2023 y, a diferencia de sus producciones anteriores, este álbum contó con una mayor participación instrumental de su banda, pero manteniendo la esencia lirica del compositor. El resultado fue uno sus discos más oscuros y reflexivos hasta el momento.

“No, fue una mezcla. Algunas canciones las escribí yo solo, grabé un demo, y luego la banda tocó las partes que había escrito o algo similar. A veces, la banda no era tan necesaria, y tal vez alguien solo hacía pequeños detalles sobre mi grabación. Pero en otros casos, creamos arreglos completamente nuevos juntos. Por ejemplo, la canción 'Hounds' tenía un boceto muy burdo con letras para el verso con una melodía diferente, tenía el coro y el riff, pero era como una canción de siete minutos, y era un desastre. La banda me ayudó de alguna manera a 'recortar el exceso' y refinarla. Hicimos algo de eso. Luego, aproximadamente un tercio o un cuarto del álbum también se escribió desde cero juntos en el estudio, algo que nunca habíamos hecho antes. Por ejemplo, canciones como 'Too Much' y 'Epitaph' nacieron de improvisaciones. Ah, y 'Wait for Me' también. Esa surgió de una improvisación, y luego simplemente la grabamos en la misma habitación donde la escribimos, algo que nunca había hecho antes con un grupo.

Así que, sí, quiero decir, incluso en la postproducción, siento que algunos de los chicos fueron realmente instrumentales en los toques finales. Por ejemplo, en la pista final, 'Light Is Gone', Harvey, que toca el saxofón y los teclados en la banda, y yo queríamos emular una orquesta, pero no queríamos cuerdas en el álbum. Así que se nos ocurrió la idea de superponer un montón de sintetizadores. Nuestro amigo Luke también estaba con nosotros y contribuyó. Terminamos creando esta especie de orquesta con sonidos electrónicos extraños, drones y demás. No creo que hubiera logrado eso completamente solo. Es muy diferente cuando otras personas aportan su energía a las canciones”.

Además de involucrarse en cada detalle de sus canciones, el artista también se destaca por mantener la misma estética sombría en sus videos, creando una experiencia inmersiva y cautivadora para el espectador.

“Generalmente, siempre me involucro mucho. Incluso hasta el punto de que he comenzado a dirigir algunos de mis videos, porque simplemente se siente más fácil, ¿Sabes? Nadie necesariamente ejecutará la narrativa que tienes en mente como tú mismo. Pero aún necesito mucha ayuda de personas que son geniales en iluminación o que realmente saben manejar una cámara. Ese tipo de cosas son las que no se me dan nada bien. Pero sí, incluso cuando trabajo con directores, me gusta estar involucrado, porque a menudo tengo una visión de cómo quiero que se vea. Y aunque no siempre salga como lo imaginé, sigue siendo divertido ser parte del proceso”.

La versatilidad de Allen ha sido alimentada en los últimos años por la música electrónica y el ambient dub, pero ningún género lo define por completo. Él toma como referencia a bandas como Jungle, Grouper y William Basinski, así como a compositores clásicos como Ravel, Scriabin y Rachmaninov.

Con el último álbum estuve escuchando mucho a la banda Can. Me encanta su improvisación libre y pesada, además de algunos de los tonos en su música. También escuché mucho a Björk y a Pink Floyd de antes de los años 80”.

Otro de sus pasatiempos es la lectura, algo que se ha reflejado claramente en sus creaciones. Después de todo, su álbum debut, In Praise of Shadows, toma su nombre del libro de Jun'ichirō Tanizaki.

“He estado leyendo libros sobre budismo, algo sobre lo que nunca había leído antes, honestamente. Estoy leyendo un libro llamado Zen en el arte del tiro con arco, que trata sobre un alemán que intenta aprender tiro con arco y se da cuenta de lo malo que es en ello.

También he estado leyendo La carretera (The Road) Cormac McCarthy, que es muy sombrío, pero muy hermoso. Ah, y Tom Robbins. Me encanta Tom Robbins. Mi novia me presentó sus libros”.

Puma Blue hará una pausa en las giras, pero es muy probable que nos sorprenda con nueva música el próximo año. Mantente al pendiente a través de sus redes y de Indie Rocks! para seguir informado sobre sus novedades.

“Tengo mucha música que me emociona lanzar. Normalmente hay un espacio de tiempo más grande entre lanzamientos. Me toma tiempo dejar que todo tome su lugar. Pero esta vez estaba tan inspirado después de terminar Holy Waters, que comencé a escribir de inmediato, tan pronto como recibí los masters. Todo lo que puedo decir es que tengo mucha música lista y estoy pensando qué hacer con ella. El próximo año espero lanzar cosas nuevas, tal vez algo bastante diferente. Más allá de eso, no lo sé. Estoy tratando de no tener expectativas y, honestamente, solo quiero pasar más tiempo en casa”.

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“Alba”, lo nuevo de Pájaros Vampiros

Un track que demuestra cómo la melancolía y la rebeldía pueden coexistir de manera desgarradora y auténtica.

Coproducido junto a Toño Montes de Los Románticos de Zacatecas, este nuevo sencillo revela una faceta renovada de los Pájaros Vampiro. Hugo, Abraham, Edi y Milo exploran la oscuridad de su sincero pop punk en un tema melancólico, romántico y tal vez uno de los más emotivos de su carrera. 

Esta propuesta arrasadora muestra la evolución de un sonido único que, entre skate y punk, ha sido el motor detrás de los sueños de la banda. Su evolución sonora se aleja de lo predecible, tomando un camino auténtico que transmite el proceso de sanación personal, mientras se atreven a explorar nuevos horizontes y desafíos.

Del single destaca el verso: “¿Cómo le digo a mi pena que venga a sanar mi dolor?”, un reflejo de un tema que va directo a las heridas de quienes lo escuchan. A través de sus estruendosas y sofisticadas guitarras, la banda transmite las emociones más profundas que habitan en su interior, plasmando sus propias vivencias en cada estallido sonoro.

A través de “Alba”, la banda logra mostrar lo que siente con una honestidad cruda, sin filtros, conectando con quienes los escuchan de manera visceral. Una balada intensa que narra la experiencia de la separación que vivió Hugo, transformándola en una composición liberadora, auténtica y sin restricciones. 

Dale play a continuación y no dejes de escuchar los prometedores sencillos de esta banda mexicana:

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Gibson exige el fin de las Trump Guitars por plagio

Una marca de guitarras afirma que es la "única guitarra oficialmente respaldada por el presidente Donald J. Trump".

La reconocida marca de guitarras Gibson emitió una orden de cese y desistimiento contra 16 Creative, la empresa detrás de las recién lanzadas Trump Guitars, debido al gran parecido de su modelo American Eagle con la icónica guitarra Les Paul. El conflicto surgió en medio del regreso de Donald J. Trump como el presidente electo N° 47 de los Estados Unidos quien respaldó públicamente esta línea de guitarras promocionándola como "oficialmente avalada" por él.

Trump presentó las guitarras el 20 de noviembre en su plataforma Truth Social, donde publicó una imagen sosteniendo uno de los modelos. Con mensajes grabados como "HAZ QUE AMÉRICA SEA GRANDE OTRA VEZ". Sin embargo, el diseño similar al de Les Paul llamó rápidamente la atención de Gibson, la marca es famosa por proteger de manera implacable su propiedad intelectual.

Cabe mencionar que como señala el portal Guitar World, en el sitio de Trump Guitars comunican que las piezas son dotadas por “múltiples proveedores” que pueden ser “tanto nacionales como internacionales”, por lo que es muy posible que las guitarras no sean hechas en EE. UU. 

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Enjambre llegará a Cinemex con 'Noches de Salón'

Revive los clásicos de Enjambre en una experiencia cinematográfica que combina el alma del rock alternativo y la elegancia de los géneros de salón.

El emblemático rock alternativo de Enjambre llegará a la pantalla grande el próximo 11 de diciembre, con la presentación de su experiencia sonora Noches de Salón, grabada en el Auditorio Nacional.

El concierto se proyectará en salas selectas de Cinemex, prometiendo ofrecer una experiencia auditiva única para todos sus enjambrescuchas, ya sea que se hayan perdido las fechas en el "Coloso de Reforma" o deseen revivir esa mágica velada, los espera una noche colmada de versiones inéditas de sus clásicos, enriquecidas con toques de bolero, mambo y danzón, que capturan la elegancia y la nostalgia del cautivante rock de la banda originaria de Fresnillo.

Dirigido por Aldo Ballesteros, con una duración de 92 minutos, podremos ver a Luis Humberto Navejas, Rafael Navejas, Ángel Sánchez, Julián Navejas acompañados de una orquesta ofreciendo una experiencia musical única que combina talento, pasión y arreglos excepcionales.

Los boletos estarán disponibles días antes del 11 de diciembre y podrán adquirirse directamente en el sitio web de Cinemex. Este concierto será proyectado por tiempo limitado, así que no dejes pasar esta increíble experiencia que te transportará a otra época: ponte tu mejor atuendo y prepárate para cantar y disfrutar los clásicos de Enjambre en sus mágicas Noches de Salón.

Dale play al tráiler a continuación:

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Sleaford Mods y Hot Chip se unen en un par de singles para War Child

Hot Mods, una fusión con buena causa.

Sleaford Mods y Hot Chip deslumbran con una colaboración sin precedentes: “Nom Nom Nom” y “Cat Burglar”, dos temas que nacen de una sesión llena de energía y creatividad conjunta en Abbey Road Studios. Este lanzamiento especial, que ya se encuentra disponible desde hoy a través de Friendly Records, busca recaudar fondos para la organización benéfica War Child, demostrando el poder restaurativo de la música.

La colaboración surgió como parte de las Lock In Sessions de Abbey Road Studios. Durante la grabación, ambos grupos —bajo el apodo de Hot Mods— lograron fusionar estilos de manera brillante y orgánica. Hot Chip contribuye con sus característicos grooves electrónicos y Sleaford Mods hace lo suyo añadiendo su potente lírica.

Hacer estas canciones en el transcurso de un día en Abbey Road fue una gran experiencia,” explica la banda. “Llegamos sin un plan, pero rápidamente empezamos a trabajar juntos de forma armoniosa, con mucha improvisación y muy poco ego. Estamos muy agradecidos a Sleaford Mods por unirse a nosotros y muy orgullosos del resultado”, menciona Hot Chip en un comunicado de prensa.

El resultado es un vinilo de siete pulgadas con un diseño exclusivo del artista David Shrigley, disponible en edición limitada: 900 copias en vinilo amarillo y 100 en rojo, se venderá solo en la tienda de Friendly Records en Bristol. Ambas canciones están disponibles en plataformas digitales desde hoy y puedes disfrutar del proceso creativo en YouTube.

La portada del gran David Shrigley es la cereza del pastel, ya que representa perfectamente la música y la letra," comenta Jason Williamson de Sleaford Mods en el comunicado.

Hot Mods Packshot

Estamos muy agradecidos por el continuo apoyo de Sleaford Mods y a ambas bandas por donar las fantásticas canciones 'Nom Nom Nom’ y ‘Cat Burglar’ y David Shrigley por el brillante diseño," explica la organización War Child sobre el sencillo en el comunicado.

Esta colaboración única no solo celebra la creatividad en la música, también refuerza la importancia de la música como medio para apoyar causas globales en favor de la humanidad ante las adversidades. Sleaford Mods (Jason Williamson y Andrew Fearn) y Hot Chip (Alexis Taylor, Joe Goddard, Al Doyle, Owen Clarke Felix Martin.) muestran que la unión de talentos puede ser innovadora y solidaria.

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Lana Del Rey anuncia el álbum, 'The Right Person Will Stay'

¿Este álbum será la respuesta a nuestras preguntas de los últimos meses?

Ha transcurrido tan solo un año desde que Lana Del Rey lanzó el álbum Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd, regalándonos temas de gran inspiración como “The Grants” y “Candy Necklace”. Ayer por la tarde dio a conocer vía Instagram, The Right Person Will Stay, un álbum conformado por 13 tracks, previstos para el 21 de mayo de 2025. 

Los detalles que se conocen acerca de The Right Person Will Stay son limitados pero, según el comunicado, este álbum está bajo la producción de Luke Laird y sus colaboradores frecuentes Jack Antonoff y Drew Erickson. Este cóctel de productores lo hemos disfrutado en Norman Fucking Rockwell! (2019), uno de los discos más introspectivos de la cantante neoyorquina.

Lana Del Rey asegura compartirnos algunos singles a lo largo de este proceso de espera, pero principalmente en el festival Stagecoach 2025 en abril, comenzando con “Henry, Come On”. En los últimos meses, Elizabeth Woolridge nos ha sorprendido con distintas noticias;  muy inesperadas, por cierto. Podría existir alguna posibilidad de que este sea la pieza del rompecabezas que nos faltaba para conocer el origen de muchas preguntas que tenemos, ¿Serán estos 13 tracks los que nos respondan todas nuestras preguntas? No tenemos prueba de ello, pero podría ser un álbum romántico y lleno de letras introspectivas.   

Si bien, la dirección musical del álbum sigue siendo incierta, vale la pena señalar que Lana no negó la influencia country durante una entrevista en mayo con NME , en la que describió el disco como inspirado en The Great American Songbook.

El artwork está a cargo de su hermana Caroline Grant, donde se retrata a Lana Del Rey con tonalidades blanco y negro, entre un marco.

 

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