Entrevista con Lucy Dacus

La cantautora de Richmond habla sobre su nuevo álbum, el valor de escuchar con calma y la emoción de regresar a la Ciudad de México.

Después de un 2024 intenso y un álbum que reafirmó su lugar como una de las voces más sensibles e inteligentes de su generación, Lucy Dacus regresa a México para presentarse en el festival Corona Capital. Conversamos con ella sobre su proceso creativo, la fugacidad de la música actual, la importancia del formato álbum, sus rituales cotidianos y lo que espera de reencontrarse con el público mexicano.

Indie Rocks!: Empecemos con tu más reciente disco. Para mí fue un gran, gran álbum. ¿Podrías contarme un poco sobre el proceso detrás de su creación?

Lucy Dacus: Claro. Escribí estas canciones a lo largo de bastante tiempo, pero muchas surgieron mientras estaba de gira con Boygenius. También comencé a grabar durante esa época, así que fue un proceso bastante movido. Terminé el disco en 2024 y trabajé con personas que conozco desde hace años —amigos de la secundaria— y con nuevos colaboradores como Bartees Strange y Jason Molina Duterte. Fui trabajando con distintas personas hasta que todo sonó como lo imaginaba. Fue increíble escuchar tantas ideas creativas hasta que se transformaron en algo propio.

Indie Rocks!: Has recibido muchísimo cariño de la crítica y de tus fans. Incluso Rolling Stone te nombró como una de las mejores guitarristas. ¿Esperabas una recepción tan cálida?

Lucy Dacus: Para nada. Cuando haces algo que amas, esperas que los demás también lo amen, pero no hay un derecho automático a la admiración. Últimamente he notado que la gente puede ser muy crítica en internet; a veces solo quieren opinar, aunque no les guste la música. Pero cuando alguien realmente la entiende, cuando se conecta de verdad, es lo mejor que puede pasar. Me hace sentir comprendida, como si lo que digo realmente importara para alguien.

Indie Rocks!: Hoy en día las canciones parecen durar solo unas semanas. Con TikTok y los sencillos dominando, ¿por qué seguir apostando por el formato álbum?

Lucy Dacus: Creo que tengo suerte: mis fans suelen escuchar el disco completo. Mi consejo sería: asegúrate de amar cada canción, porque si alguien solo escucha una, debe seguir sintiéndose fiel a ti. Pero sí, tienes razón: la música se volvió algo casi estacional, como los deportes. La gente habla de quién “va ganando”, quién toca en Coachella, quién está nominado a los Grammy… y es raro. La música debería ser mucho más que eso.

Indie Rocks!: Totalmente de acuerdo. Yo soy de los que escuchan discos completos, en vinilo. ¿Tú también coleccionas vinilos?

Lucy Dacus: ¡Sí! Estar en casa me hizo volver a disfrutar ese ritual. Me despierto, le doy de comer a mi perrita, me pongo protector solar, pongo un disco, preparo té y me siento en el porche a escuchar. Es una rutina muy reconfortante. El vinilo te obliga a quedarte con la música, a prestarle atención, y eso me encanta.

Indie Rocks!: ¿Cómo sueles descubrir música nueva?

Lucy Dacus: Me encanta ir a tiendas de discos, revisar los estantes o pedir recomendaciones a quien esté atendiendo. También me gusta cuando varios amigos me dicen el mismo día: “Tienes que escuchar esto”. Así descubrí a Dijon, Bartees Strange y Hayley Heynderickx. Confío mucho en el gusto de mis amigos; es una manera muy personal de conocer música nueva.

Indie Rocks!: Tienes que visitar las tiendas de discos aquí en México, tenemos algunas increíbles.

Lucy Dacus: ¡Por favor! Me encantaría recibir algunas recomendaciones. En serio, cuando terminemos la entrevista, dime a cuáles debería ir.

Indie Rocks!: Más allá del disco, está la experiencia en vivo. ¿Qué podemos esperar de esta nueva gira?

Lucy Dacus: Desde hace tiempo quería que mis shows tuvieran un toque más teatral. Antes simplemente subíamos al escenario y tocábamos, sin pensar en vestuarios o conceptos. Esta vez quise crear un ambiente intencional. El escenario parece un museo, y todos usamos ropa más formal. Es divertido, porque la música sigue siendo ruidosa y rockera. Ese contraste —la elegancia visual con el caos del sonido— se siente muy bien. Además, amo a mi banda; cada noche hacen que las canciones suenen distintas.

Indie Rocks!: Esa parte performática me recuerda a bandas como Wet Leg o The Last Dinner Party, que también traen teatralidad al rock. ¿Qué esperas de México en esta visita?

Lucy Dacus: Ya toqué una vez antes y me encantó. Estoy muy emocionada de volver con una banda más grande. Quiero llevarlos a los restaurantes que me gustaron, visitar el Bosque de Chapultepec, comer mole… y hormigas. (ríe) Comí muchas hormigas la vez pasada y me sorprendieron, ¡eran buenísimas! Además, el cartel de este año está increíble y tengo amigos tocando, así que será lindo reencontrarnos.

Indie Rocks!: Para cerrar, si pudieras describirte en solo tres palabras, ¿cuáles serían?

Lucy Dacus: No es una respuesta muy seria, pero mi equipo me dice “cheeky little guy” —algo así como “una pequeña traviesa”. Es lo primero que se me vino a la cabeza, así que… sí, me quedo con eso.

Indie Rocks!: (ríe) Perfecto. Muchas gracias por tu tiempo, Lucy.

Lucy Dacus: ¡Gracias a ti! Me encantó esta entrevista.

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Tash Sultana en el Auditorio BB

Un esperado regreso lleno de energía, introspección y alma.

Desde Australia, la multinstrumentista Tash Sultana volvió a la Ciudad de México para ofrecer una presentación inolvidable como parte de su gira Return to the Roots Latin American Tour 2025, llenando el Auditorio BB con una mezcla única de reggae, psicodelia, R&B y soul.

Nacida bajo el nombre de Taj Hendrix Sultana, la artista, productora y emprendedora ha construido una de las trayectorias más fascinantes de la última década. Con un estilo que fusiona virtuosismo instrumental y una sensibilidad profundamente emocional, Tash ha logrado romper las barreras de género y redefinir la experiencia del one-person show sobre el escenario.

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Este año, la australiana presentó su nuevo EP Return to the Roots, un trabajo que marca un retorno consciente a la plenitud, la sencillez y la conexión con sus raíces creativas. Con este lanzamiento, Tash reafirma su capacidad para canalizar emociones universales a través de la improvisación, los loops y una energía que transita entre lo espiritual y lo explosivo.

Su regreso a México confirma el fuerte vínculo que mantiene con el público latinoamericano: una relación construida a base de pasión, entrega y una devoción absoluta por la música en vivo.

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Poppy da detalles de su nuevo álbum, ‘Empty Hands’

Una nueva y profunda exploración sonora.

La enigmática y multifacética cantante Poppy ha anunciado su nuevo álbum, Empty Hands, programado para ser lanzado el 23 de enero de 2026. Este esperado trabajo discográfico, que saldrá bajo Sumerian Records, promete una nueva y profunda exploración sonora dentro del universo artístico único de la estadounidense.

Y para hacer la espera un poco más llevadera, Poppy ha lanzado su nuevo y potente sencillo, “Bruised Sky”. La canción ofrece una descarga de catarsis sonora. La canción fusiona una delicadeza melódica con una potente intensidad vocal. Este contraste se ve realzado por el trabajo de guitarras, que escalan en ferocidad, construyendo progresivamente un muro de sonido denso y abrasivo.

El videoclip oficial, bajo la dirección de Orie McGinness, ofrece una inmersión visual en la atmósfera que propone la música. La narrativa visual presenta a Poppy y a su banda en un entorno de naturaleza claramente distópica, sumido en una oscuridad palpable y una estética cruda y minimalista.

Se espera que Empty Hands consolide aún más la posición de Poppy como una de las voces más originales y audaces de la música contemporánea, fusionando elementos de metal, pop industrial y performance.

Poppy empty hands

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Austra estrena “Fallen Cloud”

Explorando nuevas facetas sin perder la complejidad emocional.

Katie Stelmanis, la brillante artista de Toronto detrás del proyecto Austra, regresa con su esperado nuevo LP, Chin Up Buttercup, este viernes a través de Domino. El lanzamiento sigue a su aclamado álbum de 2020, HiRUDiN. La expectativa por el nuevo trabajo ha crecido con el lanzamiento previo de los sencillos "Math Equation" y la seductora "Siren Song". Ahora, para aumentar la emoción, llega un nuevo adelanto que presenta un contraste con su sonido habitual.

Tradicionalmente, la propuesta musical de Austra ha navegado por aguas más oscuras, con una estética que a menudo se inclina hacia lo gótico y lo melancólico, manteniendo una atmósfera densa e introspectiva. Sin embargo, con "Fallen Cloud", Stelmanis da un giro sorprendente: la pieza se transforma en una exuberante y contagiosa fiesta bailable. Este tema es una inyección de optimismo puro, desbordando una alegría palpable y una euforia que evoca la sensación embriagadora del enamoramiento. Es una explosión de luz y movimiento que se siente totalmente liberadora dentro de su catálogo.

Dale play aquí:

Recuerda que Austra regresa a la Ciudad de México para presentar un inolvidable show el 6 de febrero de 2026 en el Foro Indie Rocks!. Conoce todos los detalles aquí. 

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Daphni anuncia disco y estrena “Waiting So Long”

Una experiencia completamente diferente.

Daphni, el proyecto de música electrónica de Dan Snaith (líder de Caribou), está de regreso con su nuevo material discográfico, Butterfly, después de un silencio de cuatro años. El lanzamiento, que promete envolvernos en nuevas texturas sonoras y beats, está programado para el 6 de febrero de 2026 y será a través del sello Jiaolong.

El compositor canadiense ha lanzado dos sencillos promocionales como adelanto. El primero, "Waiting So Long", es un tema vibrante para la pista de baile que destaca por la sorpresiva y emocionante colaboración de Caribou. El segundo sencillo, "Lucky", ofrece una experiencia completamente diferente, transportándonos a paisajes sonoros profundos y envolventes que resuenan tanto en el cuerpo como en la mente.

Es comprensible que la gente siempre me pregunte sobre la diferencia entre la música de Caribou y la de Daphni, y cómo decido cuál es cuál. Creo que ha habido épocas en las que la música que he creado bajo ambos alias ha estado más alejada entre sí, y otras —como ahora mismo— en las que están más relacionadas. Un factor clave que siempre las ha diferenciado es mi voz. Nunca he cantado en una canción de Daphni. Cuando empecé con 'Waiting So Long', inicialmente era instrumental. La letra y la melodía me surgieron mientras la componía y simplemente la grabé sin pensarlo demasiado, pero al escucharla unos días después, fue la primera vez que tuve la sensación de que una canción pertenecía a ambos alias, como si Daphni hubiera sampleado la voz de Caribou o algo así. No estoy en medio de una crisis existencial; espero no haber caído demasiado en las aguas de la autocomplacencia. No me preocupo demasiado por qué tema acaba bajo qué alias; de hecho, todo lo contrario. Me preocupa menos que nunca y simplemente me dejo guiar por mi intuición. En la práctica, sentí que era un tema que tanto los fans de Daphni como los de Caribou podrían querer escuchar", explicó el artista en un comunicado de prensa.

Dales play a continuación

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Daphni butterfly

01 "Sad Piano House"
02 "Clap Your Hands"
03 "Hang"
04 "Lucky"
05 "Waiting So Long"
06 "Napoleon’s Rock"
07 "Good Night Baby"
08 "Talk to Me"
09 "Two Maps"
10 "Josephine"
11 "Miles Smiles"
12 "Goldie"
13 "Caterpillar"
14 "Shifty"
15 "Invention"
16 "Eleven"

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Cuco comparte el video de “Dreamin’”

Un video que destaca su compromiso no solo con la música, sino también con la conciencia social.

Cuco, el artista multiplatino que sigue conquistando escenarios globales con su dream pop y bedroom pop, acaba de lanzar el espectacular video musical de su sencillo "Dreamin'". Este track melancólico y lo-fi forma parte de la edición de lujo de su aclamado álbum Ridin', que está disponible para todos los fans bajo el sello de Interscope Records.

El videoclip, dirigido por AG Rojas, va más allá de un simple acompañamiento visual; es una declaración profundamente emotiva y con una clara postura sociopolítica. Este critica con firmeza el ambiente actual de autoritarismo y represión. La narrativa sigue a una versión joven de Cuco envuelta en un conflicto al interceder por alguien que está siendo maltratado.

Este acto de resistencia y valentía juvenil sirve como una metáfora potente y, lamentablemente, muy actual de las situaciones de abuso de poder e injusticia que se han vuelto tristemente habituales en la esfera pública y mediática reciente.

Dale play a continuación:

Recuerda que Cuco, llegará a la Ciudad de México para ofrecer un inolvidable show el 27 de noviembre en el Foro Puebla, como parte de su Ridin' Tour. Los boletos ya están agotados. 

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Entrevista con Jordan Rakei

“Estoy listo para dejar que la música hable por sí sola”.

Después de más de una década construyendo una de las carreras más sólidas en la escena del soul contemporáneo, Jordan Rakei finalmente llega a la Ciudad de México. Con una propuesta que fluye entre el jazz, el R&B, la electrónica y la introspección, el músico, productor y multiinstrumentista neozelandés se presentará por primera vez en el país como parte del Corona Capital 2025, en una actuación que promete ser tan íntima como expansiva.

En entrevista con Indie Rocks!, Rakei habla sobre su esperado debut en México, la experiencia de tocar en el Royal Albert Hall, su proceso creativo y lo que podemos esperar de su presentación.

Indie Rocks!: ¿Estás listo para tocar en la Ciudad de México? ¿Qué tan emocionado estás?

Jordan Rakei: ¡Muchísimo! Es mi primera vez y estoy emocionado por todo: por estar ahí, por la comida, por caminar por la ciudad… En general, por conocer su país por primera vez.

Indie Rocks!: Llevas años haciendo música y nunca habías venido. ¿Hay alguna razón?

Jordan Rakei: Lamentablemente, todo ha sido por cuestiones financieras. Mi banda es grande y siempre quise traer mi show completo, pero no podía costearlo. Por suerte, este año puedo venir, aunque sea con una versión más ligera.

Indie Rocks!: Entonces, ¿vienes solo o con banda al Corona Capital?

Jordan Rakei: Vendremos cuatro músicos en escena. Usualmente somos seis, así que será una especie de “banda modular”: no la formación completa, pero sí un show en vivo real.

Indie Rocks!: ¿Éste será tu único show en México?

Jordan Rakei: Sí, por ahora solo ese.

Indie Rocks!: Felicidades por tus últimos lanzamientos. El año pasado publicaste The Loop y ahora Live from the Royal Albert Hall. ¡Qué experiencia debe haber sido!

Jordan Rakei: Increíble. Tocar mi música con una orquesta y un coro detrás, en un recinto como ese, fue surreal. En realidad, compuse el álbum pensando en ese concierto; sabía que mi próxima presentación en Londres sería ahí, así que quería crear algo grande, ambicioso, con cuerdas y arreglos corales. Fue un momento de cierre perfecto.

Indie Rocks!: Después de algo tan majestuoso, ¿no es difícil volver a un formato más reducido como un festival?

Jordan Rakei: Es completamente diferente, pero me gusta esa variedad. En el Royal Albert Hall todo debía salir exactamente igual, con los tiempos justos para cada instrumento. En cambio, en un festival puedo reaccionar al público, extender secciones, cantar con ellos. Es un tipo de libertad distinta, más espontánea.

Indie Rocks!: Hay colaboraciones tuyas que la gente quizá no sabe que existen, como con Disclosure. ¿Sueles incluirlas en tu set?

Jordan Rakei: A veces. Depende del lugar. Si los fans me lo piden, las toco. Tengo, por ejemplo, una canción con un rapero británico que rara vez interpreto, porque él no está en el escenario, pero a veces dejo que el público cante las partes del rap y yo hago los coros o improviso algo.

Indie Rocks!: Eres originario de Nueva Zelanda, pero llevas 11 años viviendo en Reino Unido. ¿Hubo una razón musical detrás de ese cambio?

Jordan Rakei: Totalmente. Me fui buscando hacer carrera en la “gran ciudad”. No tenía un plan; tomé un avión para quedarme tres meses y terminé quedándome 11 años. Me enamoré de Londres y de su energía.

Indie Rocks!: ¿Crees que tu música habría sido distinta si te hubieras quedado en Nueva Zelanda?

Jordan Rakei: Sin duda. En Londres hay una mentalidad de trabajo y perseverancia muy intensa. La ciudad es fría, la gente va del tren al estudio, siempre creando. Además, la música electrónica es enorme, y eso influyó mucho en mí. En Nueva Zelanda mi vida era tranquila: surf, deporte, familia… Supongo que habría hecho música más feliz. En Londres todo se volvió más oscuro y emocional, y eso fue bueno; aprendí a escribir desde la vulnerabilidad.

Indie Rocks!: En este momento, ¿qué tipo de música escuchas? ¿Más triste, más alegre?

Jordan Rakei: Busco cosas pacíficas, con calma y belleza, o al contrario, algo muy fresco y único. Me encanta escuchar bandas como Young Fathers; su música es tan rara e interesante que me inspira, aunque no sea algo que yo haría. Generalmente escucho songwriting con mucho espacio, canciones que respiran.

Indie Rocks!: ¿Te pasa que hay música que amas escuchar, pero nunca harías tú mismo?

Jordan Rakei: Definitivamente. Me pasa, por ejemplo, con Radiohead. Mi etapa favorita de ellos es la de Kid A, Idioteque y esas piezas electrónicas oscuras. Amo eso, pero no me sale naturalmente al componer. Lo mismo con James Blake: sus temas más densos me fascinan, pero en mi proceso creativo no fluyen igual.

Indie Rocks!: ¿Tú produces toda tu música?

Jordan Rakei: Sí, todo lo hago yo. De hecho, esta entrevista la estoy dando desde mi estudio en casa.

Indie Rocks!: ¿Eres de esos productores que se encierran toda la noche?

Jordan Rakei: (ríe) En realidad soy más de la mañana. A veces empiezo a las ocho. Siempre invito a otros músicos a venir temprano y se ríen porque dicen que no se despiertan antes de las once. Pero para mí, las primeras horas del día son las más productivas. Estoy lleno de energía y todo fluye.

Indie Rocks!: Vas a tocar el domingo en Corona Capital, ¿sabes a qué hora será tu show?

Jordan Rakei: Creo que a las nueve de la noche. No suelo tocar tan tarde, pero me emociona. Puede ser genial si la gente llega con energía, o un desastre si todos están en el escenario principal (risas). De cualquier forma, estoy muy agradecido por poder presentarme.

Indie Rocks!: ¿Con quién no te gustaría competir en horario ese día?

Jordan Rakei: Creo que Linkin Park, solo porque también quiero verlos (risas). O lo que queda de ellos, tristemente. Pero sí, ojalá no coincida con su set.

Indie Rocks!: ¿Conoces música mexicana?

Jordan Rakei: No, la verdad no. Pero espero hacerlo. Si alguien tiene buenas recomendaciones, ¡por favor mándenmelas!

Indie Rocks!: Para cerrar, ¿algún mensaje para tus fans en México?

Jordan Rakei: Sí. Lamento que haya tomado tanto tiempo llegar. No puedo esperar para tocar allá. Escucharán mucha música vieja, así que no se preocupen, y prometo que será una noche muy especial.

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Crumb anuncia su primer álbum en vivo, 'Live!'

Un álbum que representa una reinvención.

Después de su etérea y emocional presentación en el festival Hipnosis, la banda neoyorquina Crumb anunció el lanzamiento de su primer álbum en vivo, titulado Live!, que llegará el próximo 5 de diciembre a través de Crumb Records.

El anuncio llega acompañado de un doble sencillo, “Cracking – Live” / “Balloon – Live”, donde el grupo captura la energía hipnótica y la sensibilidad psicodélica que los caracteriza en el escenario. Más que un repaso de su trayectoria, Live! representa una reinvención, un registro de lo que sus canciones se han convertido “en estado salvaje”, como ellos mismos describen.

Estamos felices de lanzar nuestro primer álbum en vivo —Live!— una colección de canciones de nuestros últimos diez años como banda, grabadas durante las tres últimas fechas de la gira AMAMA 2024. El arte del álbum recrea el paisaje visual de esa etapa, con un collage de fotos y momentos del tour”, compartió el grupo.

El álbum compila 14 temas grabados en distintos shows del sur de California e incluye piezas esenciales de su repertorio como “Ghostride”, “BNR”, “Nina” y “Trophy”. El arte fue diseñado por Abraham El Makawy, con fotografías de Melissa Lunar tomadas durante la gira de AMAMA.

Live! sigue la línea marcada por su aclamado disco de estudio AMAMA (2024), descrito por Pitchfork como “su álbum más grande y mejor hasta la fecha”. También retoma ecos de trabajos anteriores como Ice Melt (2021) y Jinx (2019), reafirmando la evolución constante de una banda que ha sabido transformar lo íntimo y lo surrealista en una experiencia colectiva.

Crumb live! album artwork

"AMAMA"
"Cracking"
"The Bug"
"Balloon"
"From Outside A Window Sill"
"BNR"
"Genie"
"Ice Melt"
"Ghostride"
"Retreat!"
"Crushxd"
"Nina"
"XXX"
"Trophy"

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“Cruise Ship Designer”, lo nuevo de Dry Cleaning

Ironía y dinamismo.

Dry Cleaning ha lanzado "Cruise Ship Designer", el segundo sencillo de su anticipado álbum de estudio, Secret Love. El lanzamiento del álbum completo está programado para el 9 de enero de 2026 a través del sello 4AD.

Este nuevo tema, que llega después de "Hit My Head All Day", viene acompañado de un flamante video musical en el que la banda explora una faceta visual inusual y cautivadora: el bajista Lewis Maynard se convierte en el protagonista de una rutina de baile meticulosamente coreografiada por la firma BULLYACHE. Este giro inesperado añade una capa de ironía y dinamismo a la ya distintiva estética de Dry Cleaning.

La canción trata sobre un diseñador de cruceros y hoteles, alguien hábil y bien pagado, pero que no cree que su rol tenga un verdadero valor. Intenta disfrutarlo e invertir su energía en superar los retos del trabajo”, explicó Florence Shaw en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

Secret Love será la máxima expresión de la profunda amistad que dio origen a Dry Cleaning. Este material promete ser fiel a la esencia del grupo, manteniendo ese sonido minimalista, clásico del post punk y el art pop que los distingue.

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HEALTH lanza su nuevo sencillo “YOU DIED”

Brutalismo emocional en su forma más pura.

La banda angelina HEALTH vuelve a encender la maquinaria con “YOU DIED”, un tema abrasador y profundamente humano que anticipa su próximo álbum CONFLICT DLC, disponible el 11 de diciembre de 2025 a través de Loma Vista Recordings.

En este nuevo corte, el trío lleva su característico sonido al límite: sintetizadores que colisionan con guitarras distorsionadas, una percusión implacable y una voz que parece surgir desde un lugar entre la desesperación y la serenidad. “YOU DIED” se presenta como una declaración existencial sin adornos, donde el dolor se convierte en aceptación y la vulnerabilidad en fuerza.

Los años son cortos. Las noches son largas”, HEALTH.

El sencillo llega acompañado de una serie de remixes exclusivos disponibles en el SoundCloud de la banda, con reinterpretaciones de BROOKS ALEXSANDER y LIL TEXAS, quienes llevan el caos sonoro de HEALTH hacia los territorios del club y el techno extremo.

La agrupación continúa su gira junto a Pierce The Veil, con fechas en México y Sudamérica, presentando un show que mezcla el impacto físico del metal con la intensidad sensorial de la electrónica industrial. En vivo, HEALTH canaliza el ruido, la angustia y la belleza de lo distorsionado en una experiencia que se siente más cercana a un ritual que a un concierto.

Además, la banda confirmó una gira coestelar en 2026 junto a Carpenter Brut, consolidando así una alianza explosiva entre dos de las fuerzas más potentes del sonido oscuro contemporáneo.

Health you died

“YOU DIED” reafirma el lugar de HEALTH como una de las propuestas más audaces e indispensables del panorama alternativo actual. Su música sigue diseccionando la decadencia emocional de la era digital con precisión quirúrgica, entre riffs que hieren y sintetizadores que curan.

Para HEALTH, CONFLICT DLC no solo es un álbum: es una conversación directa con su comunidad, una coalición de outsiders y subculturas que encuentran en el ruido una forma de celebración. Porque, aunque todo se derrumbe, lo importante —según la banda— sigue siendo disfrutarlo.

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