Entrevista con Jimena Amarillo

Música extrovertida y activismo.

En un panorama musical donde la autenticidad se vuelve cada vez más indispensable, Jimena Amarillo irrumpe como una de las voces más singulares de su generación. Su reciente inclusión en la lista de Forbes España de los 30 artistas más influyentes menores de 30 años no solo confirma el impacto de su proyecto, sino también la manera tan orgánica, y casi accidental, en la que ha construido su carrera. Entre la intuición, la honestidad y un discurso que abraza tanto la vulnerabilidad como la reivindicación, su música se convierte en un espacio donde lo personal es inevitablemente político.

Previo a su presentación en el Foro Indie Rocks! el próximo 30 de abril, platicamos con la artista sobre su música, los cabezudos y la pintura.  

Indie Rocks!: Recientemente fue publicada la selección de los 30 artistas más influyentes menores de 30 años de Forbes España y tú eres parte de esta lista, ¿cómo ha sido para ti estar ahí?

Jimena Amarillo: Pues la verdad que yo esa lista no me la esperaba para nada. De hecho, me llamó a mí directamente la de la revista y me dijo, Jimena, te hemos seleccionado para esto. Y yo dije, ok. Pero no sé, siento que mi proyecto fue una cosa que, yo siempre lo digo, tuve mucha suerte y estuve en el momento exacto en el que España, porque claro, yo tuve éxito en España, yo creo que necesitaba una chica lesbiana que hiciera música y a mí me tocó.

Entonces justo el primer año que yo saqué ese disco, ha sido un poco más raro porque yo no sabía ni producir ni nada, ni tampoco tenía referencias ni de la industria ni nada. Fue así como un cambio que yo creo que a la gente le gustó. Entonces como que de repente empecé a encajar un montón de sitios que yo no me esperaba y fue todo un poco como de repente y aquí estamos, porque yo nunca hice música pensando en dedicarme a ella. Entonces fue bastante divertido, la verdad. 

IR!: Esto que dices nos resuena porque también creemos que hay mucho activismo dentro de la música y no es para menos, la música no deja de ser una expresión artística y en el arte también se ven reflejado lo que somos. Entonces, ¿qué nos puedes decir acerca de tu activismo al momento de crear?

JA: Yo siempre lo digo, a mí me encanta la música, pero sobre todo yo escucho artistas de los que puedo ver entrevistas o puedo escucharles hablar. Porque para mí la música siempre ha sido algo más que simplemente canciones.

Yo, por ejemplo, me he fijado muchísimo siempre en la letra y más si dicen cosas que te tocan y que son un cambio. O sea, la música es como cualquier otro tipo de cosa en la cultura que ha cambiado de una época a otra, que ha tenido mucho que ver en un cambio. O sea, por ejemplo, la gente que dice que la música siempre está fuera de la política o la música solo son sonidos, pues yo no comparto esa opinión.

Porque yo, por ejemplo, la música que hago sé que le ha servido a muchísima gente que quizá necesitaba escuchar unas cosas que nunca había escuchado en música más banal, por así decirlo. Y sé que eso, por ejemplo, corta mucho en la industria y a la hora de que quieran colaborar. O sea, cuanto más plano y menos cosas concretas y sobre todo problemáticas digas, mejor te va a ir. Pero ese es mi rollo. 

Creo que la gente que me escucha y que viene a los conciertos sabe que siempre es una reivindicación dentro de una diversión, que es un poco la base. La base es divertirse, pero siempre con un mensaje detrás.

Porque me parece que una vez que una persona se fija en ti tan claramente, pues aprovechas y dices lo que quieres decir. Entonces a mí me encanta que la música sea algo más. 

IR!: También nos encanta que la música sea más que música. Y hablando de eso, hemos notado que tu música también lleva un diseño gráfico hermoso que viste los sonidos. Más adelante podemos hablar de tus portadas, pero primero quisiéramos hablar de este alter ego de la muñeca gigante. Cuéntanos acerca de cómo surgió. 

JA: Yo creo que también parte de mi proyecto, porque yo por ejemplo en redes también surgí un poco de subir fotos más locas, mi estética siempre ha despuntado un poco, aunque yo no me haya dado cuenta.

Siempre me gusta relacionar muchísimo la música con la imagen y sobre todo la imagen que yo quiero dar, que realmente no tengo que hacer nada porque es la que es, no es forzar nada ni nada. Por ejemplo, este año me inventé lo del alter ego porque dije, bueno, necesito hacer un rebranding, porque yo no sé, me estoy aburriendo de ser yo todo el rato, porque sé que soy muy divertida, pero bueno, voy a hacer algo más, e hice un muñeco gigante, porque en Valencia son muy famosos los cabezudos.

Y como a mí también me gusta mostrar la cultura de la ciudad donde vivo, pues dije, venga, voy a plantar a una muñeca gigante. Y sobre todo me gusta hacer cosas sin sentido. Me gusta que escuches una canción, te provoque una cosa y de repente contraste con el vídeo y digas, no pega nada.

Como esa incertidumbre y ese contraste me encanta, porque es como es mi persona. Entonces digo, tengo que ser yo 100%, tengo que hacer una balada de llorar, pero tengo que acompañarla con un vídeo o un muñeco que digas, pero ¿dónde va? Y ese es mi mood, la verdad. 

IR!: ¡Muy auténtico! Ahora sí, entrando al tema de las portadas, cuéntanos qué procesos artísticos están detrás de ellas, por ejemplo en el álbum ANGÉLIKA.

JA: Total, pues mira, a mí me dio un brote, la verdad, el año pasado. Tuve mucha ansiedad, estaba muy nerviosa. Y de pequeña yo pintaba, me gustaba mucho así como el arte y eso, y me puse a pintar. Y como siempre he querido hacer portadas que fueran muñecos o dibujos, porque yo soy una forja de los muñecos, como todo el mundo sabe, al principio empezaba haciéndomelas un amigo que también hacía muñecos y tal, y luego le pillé yo el gusto.

Y son cuadros que hacía yo cuando estaba muy nerviosa y dije un día, uy, pueden ser portadas. Y de hecho hice unos muñecos y de todo luego. Es que sí, no paro de hacer cosas porque si no me agobio, soy un coñazo.

IR!: Y algo importante es esto de perder la vergüenza. Eso es increíble porque por ahí dicen que para poder llegar a tu forma más auténtica, uno de los pasos que debes hacer es romper con el cringe.

JA: Sí, total, para mí el cringe me encanta. De hecho, a mí me sirvió mogollón hacer música. Yo era una chica que tenía mucha vergüenza.

Yo no le pedía un camarero ni un agua. O sea, yo me daba mucha vergüenza. Y en el momento en el que me planté en mi primer concierto, pues se me quitó toda la vergüenza, pero porque literalmente si no se me quitaba, yo no podía cantar.

Entonces fue como un golpe seco de realidad que me ayudó a perder la vergüenza. Y sobre todo en la industria de la música hay que tener una cara, madre mía, si es que hay mogollón de gente haciendo lo mismo que tú. 

No sé, tienes que perder toda tu vergüenza para poder ser lo más auténtica posible, que es la cosa que yo creo que más se valora a la hora de admirar a un artista o algo así, más allá de su música.

IR!: Claro, es que en estos momentos ya no solo basta con que el artista haga buena música, sino que el público pide conocer más sobre su vida. Más ahora con las redes sociales…

JA: Claro, que hace unos años pues se llevaban las redes, pero no de la forma masiva en la que se llevan ahora. Literalmente están surgiendo cantantes por un TikTok viral, y a mí eso me parece ya una cosa en la que yo no voy a entrar.

A mí me gustan mucho las redes y doy gracias porque ahora están sirviendo mucho. Soy una persona que las ha utilizado mucho. Pero me parece que ha llegado un punto ya de decir, madre mía, todos iguales subiendo el mismo TikTok.

Siento que eso no va a envejecer bien, la verdad. Bueno, gente, es que no sé. La vida va muy rápido, así que... Pero bueno, no es mi modo ese.

IR!: Para cerrar la entrevista, con qué mensaje quieres invitar a toda la gente a tu show en Foro Indie Rocks! 

JA: Total, es que yo tengo unas ganas... Todo el mundo a mi alrededor sabe que tengo unas ganas de ir a México porque siento que estáis locos todos y me encanta. Y necesito a alguien que comparta mi locura, la verdad.

Siento que el concierto va a ser muy divertido. Y me gustaría... Espero que no sea la única vez que vaya. Pero por si es la única vez que voy, pues no sé, que la gente pueda disfrutarlo.

Porque claro, es que viajar hasta allí cuesta mucho. Pero no sé, siento que se lo van a pasar muy bien, no se lo pierdan.

Dale play a “Flow deskiciada” de Jimena Amarillo, parte de su más reciente lanzamiento ANGÉLIKA

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Soda Stereo revive su legado con 'ECOS'

La banda argentina inició su gira en Buenos Aires con un show que mezcla tecnología y música.

El regreso de Soda Stereo es un acto de nostalgia que trae consigo el retorno de una de las bandas más influyentes del rock en español. Tras su debut con la gira ECOS en el Movistar Arena, los pasados 21 y 22 de marzo, quedó claro que, pese al paso del tiempo, continúan siendo uno de los grupos más queridos. Cerca de 30 mil personas se reunieron durante ambas noches para revivir esos éxitos que hoy forman parte de la cultura popular.

La magia de ECOS radica en su propuesta por reunir a Charly Alberti y Zeta Bosio con Gustavo Cerati mediante el uso de tecnología que permite a Alberti y Bosio tocar en vivo junto a las pistas originales de voz y guitarra de Cerati, los cuales se sincronizan en tiempo real. El resultado es un espectáculo que reconstruye la esencia de la banda en un formato completamente en vivo.

Durante casi dos horas, el show presenta un repertorio que recorre distintas etapas de su discografía, donde destacan temas como “Cuando Pase El Temblor” y “Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revólver”. Estas canciones se acompañan de recursos visuales que complementan el montaje, haciendo que la tecnología funcione como una herramienta para revivir los grandes momentos del grupo junto a Cerati.

Tras el éxito de su debut en Argentina, el espectáculo se prepara para llegar a la Ciudad de México los días 14, 15 y 16 de abril en el Palacio de los Deportes. Posteriormente, la gira continuará hacia Guadalajara el 18 y 19 de abril en el Auditorio Telmex, para finalmente cerrar su paso por el país en Monterrey el 21 y 22 de abril en el Auditorio Banamex. Esta serie de presentaciones son una invitación para recordar algunos de los temas que definieron el rumbo del rock en español.

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Pa'l Norte x Bacardí: la mezcla musical perfecta

Tres días, un solo pulso: Monterrey volvió a confirmar que la música —cuando se mezcla bien— se convierte en experiencia colectiva.

Hay festivales que se esperan. Y otros que, cuando terminan, dejan claro por qué existen. El festival Tecate Pa’l Norte volvió a ser ese punto de encuentro donde todo convive: géneros, generaciones, moods y formas de vivir la música. Lo que en papel parecía una combinación ambiciosa, en la práctica se convirtió en una narrativa que fue creciendo con cada hora.

La ruta no fue lineal, pero sí natural.

Todo comenzó con ese momento inicial donde el festival apenas respira. Gente llegando, primeras cheves, reencuentros. En ese espacio, los sets más suaves hicieron su trabajo: abrir la puerta. Propuestas como Guitarricadelafuente o The Whitest Boy Alive lograron ese equilibrio entre calidez y expectativa, mientras nombres como Luisa Almaguer y Midnight Generation fueron marcando un ritmo que crecía sin prisa, pero sin pausa.

Después vino el punto de quiebre.

Cuando el sol empieza a caer en Monterrey, algo cambia. El cuerpo ya está ahí, la energía también. Sets como los de Siddhartha, Los Fabulosos Cadillacs y Turnstile empujaron al público hacia ese estado donde ya no hay timidez: solo movimiento. Fue ese momento donde el festival dejó de ser recorrido y se volvió fiesta.

Y entonces, la noche hizo lo suyo.

Los headliners no solo cumplieron: consolidaron la experiencia. Deftones y Tyler, The Creator marcaron uno de los picos más intensos del fin de semana, mientras que Guns N' Roses trajo ese peso histórico que no necesita explicación. El cierre, con The Killers y The Lumineers, fue menos una despedida y más un recordatorio: hay canciones que siguen encontrando nuevas formas de sentirse en vivo.

Pero si algo definió esta edición no fue solo el cartel, sino la forma en que todo convivió. En un mismo día podías pasar del hardcore al regional, del pop al garage, sin que se sintiera forzado. Ese espíritu —el de mezclar sin prejuicio— es el que conecta directamente con la esencia del festival.

Y en medio de todo eso, hubo un punto donde la experiencia se elevó todavía más. ¡Fierro! ⚡️ Porque sí: la fiesta no se quedó solo en los escenarios. Espacios como Casa Bacardí se convirtieron en refugio y punto de encuentro, donde los beats continuaban entre drinks especiales, vistas privilegiadas y una energía que no bajó en ningún momento. Más que una pausa, fue una extensión natural del festival: tres días alucinantes donde la música también se vivió desde otro ángulo.

Porque al final, Pa’l Norte funciona como una gran reunión. Una donde cada quien llega con algo distinto, pero todos terminan compartiendo lo mismo: el momento.

Entre escenarios, brindis y canciones coreadas, esta edición volvió a dejar claro que la experiencia no está en elegir bien qué ver, sino en dejarse llevar por lo que está pasando.

Y eso, en Monterrey, ya es tradición.

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Entrevista con Nation of Language

Entre la melancolía, la intuición y el paso del tiempo, la banda neoyorquina explora cómo las canciones cambian de significado cuando se viven sobre el escenario.

En un momento donde la nostalgia suele reducirse a un gesto estético, Nation of Language ha construido una obra que la habita desde un lugar mucho más profundo. Su música no sólo evoca el pasado: lo transforma, lo recontextualiza y lo convierte en un espacio compartido. En esta conversación, Ian Devaney reflexiona sobre el ciclo entre girar y escribir, la vulnerabilidad de tocar canciones en vivo, la disciplina detrás de la creatividad y la forma en que la melancolía puede convertirse en un puente entre las personas. Más que respuestas definitivas, Nation of Language ofrece algo más valioso: la certeza de que las canciones siguen creciendo mucho después de haber sido escritas.

Indie Rocks!: Ian, es un placer estar aquí contigo. Sé que recientemente estuvieron en su gira más grande hasta ahora, ¿es correcto?

Nation of Language: En realidad, justo la terminamos, creo que en diciembre.

IR!: Perfecto. Para mí, se siente como un gran capítulo para la banda, así que quería empezar por ahí. En una entrevista anterior, Aidan habló sobre experimentar una especie de depresión post-gira y de cómo la forma de sobrellevarlo es sentarse a escribir música nueva. Lo describió como un ciclo: girar lleva a escribir y escribir lleva de vuelta a girar. Con eso en mente, quería preguntarte sobre el proceso de los shows en vivo. Ahora que tienen más canciones y siguen creando más, ¿cómo construyen un setlist?

NOL: Nos sentamos cada noche y decidimos qué vamos a tocar. Muchas veces descubrimos que ciertas canciones se sienten especialmente bien al inicio del set, pero luego cambiamos y pensamos: ¿es una noche donde queremos que esta sea la segunda canción? Mucho depende de cómo nos sentimos ese día y de si queremos empezar con mucha energía o si preferimos comenzar de forma más contenida y luego construir hacia algo más intenso. Cada noche es un poco diferente, principalmente según cómo nos sentimos ese día.

IR!: También tiene que ver con la narrativa que quieren compartir, ¿no?

NOL: Sí, totalmente.

IR!: Honestamente, estoy muy emocionado por el concierto en México. Recuerdo que alguna vez hablaste sobre el miedo de tocar una canción nueva frente al público. ¿Esa vulnerabilidad cambia la forma en que te relacionas con una canción después?

NOL: Sí, definitivamente. Disfruto ese miedo de tocar algo por primera vez. Pero también pasa algo cuando tocas una canción mil veces en gira: empiezas a encontrar nuevos significados en las letras que no entendías o que no habías previsto cuando la escribiste. Hay canciones del primer disco que siguen significando mucho para mí porque he vivido cosas que las han recontextualizado y les han dado nuevos significados. Eso sólo ocurre al tocarlas una y otra vez, y eso es algo muy especial.

IR!: Me gustaría hablar sobre creatividad. Has mencionado antes la importancia de abrazar las imperfecciones y dejar que la música respire. Muchas personas idealizan la creatividad porque sólo ven el resultado final, no la incertidumbre o el proceso detrás. ¿Cómo entiendes tú la creatividad? ¿Es intuición, disciplina o ambas?

NOL: Creo que es una combinación. Hay momentos donde la intuición funciona perfectamente y sientes que la canción se escribe sola. Pero hay otros momentos, como ahora mismo, donde llevo tiempo trabajando en una canción y simplemente no logro descifrarla. Entonces me siento durante horas tratando de encontrar las palabras correctas. Ahí entra la disciplina, aunque a veces se sienta frustrante. Pero incluso si logras una sola línea en un día, se siente increíblemente satisfactorio.

IR!: Me gusta pensar en la creatividad como un estado al que entras, más que algo que controlas. ¿Qué te ayuda a mantenerte conectado a ese estado?

NOL: Rodearme de cosas que me inspiren a crear. Películas, libros, muchas veces cosas fuera de la música. Ver algo que alguien más hizo y que tú no podrías hacer genera una sensación de asombro que te impulsa a querer crear también. Eso siempre me motiva a volver a escribir.

IR!: Hablando del nuevo disco, algo que destaca es lo humano que se siente. Si tuvieras que elegir una canción que encapsule su esencia, ¿cuál sería?

NOL: Probablemente la primera canción, “Can’t Face Another One”. Desde que la terminé supe que tenía que estar en el disco y que debía abrirlo. Tiene momentos muy íntimos y otros más expansivos. Además, comienza con una armónica, lo cual es inusual para nosotros. Al principio dudé si tenía sentido, pero cuando sigues una idea y funciona como imaginabas, es muy gratificante. Creo que esa canción resume muy bien el álbum.

IR!: Una canción que me impactó fue “Now That You’re Gone”, especialmente sabiendo que está basada en una experiencia familiar real. Cuando una experiencia así se convierte en canción, deja de ser sólo un recuerdo y se vuelve algo compartido. ¿Cómo cambia eso tu relación con la memoria?

NOL: Mantiene viva la memoria de una forma positiva, en lugar de dolorosa. Cuando compartes una pérdida profunda y otras personas se identifican, descubres que no estás solo. El duelo puede hacerte sentir aislado, como si hubiera una barrera entre tú y el resto del mundo. Pero cuando lo conviertes en una canción y otros conectan con ella, es como si esa barrera desapareciera o se expandiera para incluir a más personas. Eso significa mucho para mí.

IR!: La melancolía es una emoción muy presente en su música. Hay una frase que me encanta: “la melancolía es la felicidad de estar triste”. ¿Qué significa la melancolía para ti?

NOL: Es una forma hermosa de decirlo. Creo que muchas veces me siento más impulsado a crear cuando estoy en un estado melancólico. La música ha significado mucho para mí, especialmente estar en una habitación con otras personas compartiendo esa emoción. Eso crea un sentido de conexión muy fuerte. Muchas de las canciones que más han significado para mí eran canciones que te acompañaban en momentos difíciles. Creo que esa idea sigue presente en mi forma de escribir.

IR!: Para cerrar, viendo todo el recorrido de la banda, ¿qué te ha enseñado la música sobre ti mismo que no sabías cuando Nation of Language comenzó?

NOL: Cuando la banda empezó, tenía un control muy rígido sobre todo. Tenía una visión muy clara y eso me hacía ser muy cerrado. Tal vez era necesario en ese momento. Pero con los años, al trabajar con más personas y compartir el proceso creativo, aprendí a ser más abierto. Entendí que es importante mantener tu visión, pero también permitir que otras personas aporten. Aprender a soltar un poco el control ha sido una de las lecciones más importantes.

IR!: Muchas gracias por tu tiempo. Fue un placer conversar contigo y estamos muy emocionados por el concierto en México.

NOL: Gracias a ti.

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Lambrini Girls estrena “Cult of Celebrity”

El tema expone la cultura de la fama.

El dúo británico Lambrini Girls está de vuelta con "Cult of Celebrity", un nuevo sencillo que llega para cuestionar el poder, la fama y las estructuras que sostienen a las élites globales. Con su característico sonido, Phoebe Lunny y Selin Macieira vuelven a demostrar por qué se han consolidado como una de las propuestas más relevantes del punk. 

La dupla originaria de Brighton presenta esta entrega sostenida sobre riffs acelerados y una base sonora potente, con un trasfondo crítico que destaca por su mensaje. La canción apunta directamente a la adoración moderna hacia las figuras públicas y a los sistemas que las protegen. Fieles a su estilo, Lambrini Girls retrata a estos personajes de la alta sociedad como figuras deshumanizadas, poniendo en duda la devoción ciega que la cultura contemporánea les otorga.

El lanzamiento se acompaña de un video musical bajo la dirección de Harv Frost, conocido por su trabajo con proyectos como The Last Dinner Party. Visualmente, el clip captura la energía y el discurso de la banda; una pieza cargada de ironía, rabia y una postura política clara que refuerza su identidad punk.

Este lanzamiento marca el inicio de una nueva etapa para el proyecto, que durante este año se embarca en una gira por distintos países de Europa y varias ciudades de Estados Unidos, incluyendo su debut en Coachella. Con “Cult of Celebrity”, Lambrini Girls deja claro que el punk no solo sigue vigente, sino que resulta más necesario que nunca para cuestionar las estructuras de una sociedad obsesionada con el prestigio y las apariencias.

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Adrian Quesada presenta su nuevo álbum 'Trio Asesino'

Un disco que deja ver su faceta más experimental.

El guitarrista y productor Adrian Quesada continúa expandiendo su universo sonoro con la llegada de Trio Asesino, su nuevo material discográfico que apuesta por lo instrumental y que deja ver una nueva etapa dentro de su trayectoria, más allá de su trabajo con el dúo Black Pumas.

Luego del impacto alcanzado con Boleros Psicodélicos II (2025), el músico cambia el rumbo para presentar una colección de piezas que giran en torno a atmósferas envolventes y una estética que remite tanto al soul como al cine noir. Este nuevo disco se conforma por 11 temas totalmente instrumentales y llega tras su participación en NPR con su sesión de Tiny Desk Concert.

Trio Asesino cuenta con la participación de Joshy Soul en los teclados y Jay Mumford en la batería, quienes, junto con Quesada, logran construir una base sólida que da forma a paisajes sonoros hipnóticos. Uno de los momentos más destacados es “MF AF”, tema que cuenta con la colaboración de Keyon Harrold, trompetista reconocido por fusionar el jazz, el hip hop y el neo soul.

Cabe destacar que el proyecto no es del todo nuevo. De hecho, debutó en vivo el año pasado durante una gira junto a Hermanos Gutiérrez, donde este equipo de tres músicos comenzó a tomar forma. Tras consolidarse en el estudio, el resultado es una obra con un enfoque distinto, donde Quesada optó por construir ambientes íntimos y cinematográficos. 

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“Song for Girl from Macedonia”, lo nuevo de A Place To Bury Strangers

La banda lanza un nuevo sencillo como homenaje previo al estreno de su nuevo álbum.

A Place To Bury Strangers acaba de lanzar un nuevo y último adelanto de su próximo álbum Rare and Deadly, que se estrena este 3 de abril. En esta ocasión, el grupo de shoegaze y noise rock presenta “Song For Girl From Macedonia”, sencillo que forma parte de todas las ediciones físicas y digitales de la banda bajo el sello Dedstrange.

Este sencillo es un homenaje dedicado a una seguidora que la banda conoció durante un show en Macedonia y que falleció en un accidente. Con este estreno, el proyecto busca honrar su memoria a través de una composición que combina una dualidad melódica con el ritmo sonoro que los caracteriza. Además, el tema llega acompañado de un videoclip dirigido por Spencer Bewley, colaborador cercano desde las primeras etapas visuales de la agrupación.

Con “Song for Girl from Macedonia” se tiene un último vistazo de Rare and Deadly, el cual no es un álbum tradicional, ya que se trata de una compilación que reúne material grabado entre 2015 y 2025. Incluye demos, lados B y experimentos que quedaron fuera de sus producciones anteriores, por lo que funciona como un archivo sonoro que revela el proceso creativo detrás del proyecto.

Entre lo más destacado de su próximo material está que cada edición del álbum contará con un tracklist diferente. Temas como “Song for Girl from Macedonia”, “Everyone's The Same”, “Losing Time” y “Heartless” son las únicas canciones presentes en todas las versiones (CD, cassette, vinilo y digital). Por lo tanto, no existe una edición completa del disco, ya que cada formato representa un universo distinto extraído del archivo personal de su líder y vocalista, Oliver Ackermann.

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Cannons estrena ‘Everything Glows’

Un material emocional y luminoso.

Cannons, la banda estadounidense de indie pop, ha vuelto a la escena musical con el lanzamiento de su quinto y esperado álbum de estudio, Everything Glows, publicado bajo el sello de Columbia Records. Da clic aquí para escucharlo.

El proceso de creación para este álbum se convirtió en un ejercicio de redefinición para el grupo, compuesto por la carismática vocalista Michelle Joy y sus dos amigos y colaboradores: Ryan Clapham y Paul Davis. Juntos, se embarcaron en una introspección musical que resultó en una renovación en su enfoque de composición, en la dinámica de colaboración interna y, crucialmente, en la evolución de su sonido característico.

Everything Glows se presenta como un álbum que se adentra con mayor profundidad en el terreno del electro-pop. La música exhibe una cualidad emocional más pronunciada y una luminosidad sonora que lo distingue de sus trabajos anteriores. Lo que define este proyecto es una atmósfera musical sumamente envolvente y cautivadora, una cualidad que invita al oyente a sumergirse por completo en las texturas y los ritmos que la banda ha diseñado meticulosamente. A través de este nuevo trabajo, Cannons consolida su habilidad para crear paisajes sonoros que son simultáneamente íntimos y expansivos como el focus track, "Carousel".

Esta es la portada y el tracklist:

Cannons everything glows

"All I Need"
"Starlight"
"Corousel"
"I Get Weak"
"These Nights"
"Shine"
"Light As A Feather"
"Fool For You"
"Good Luck Charm"
"Photographs"
"Take Me To Tokyo"

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Beth Orton vuelve con “The Ground Above”

Un sencillo que explora la memoria y la emoción.

La cantautora inglesa Beth Orton está de vuelta con música nueva. Luego de un periodo relativamente silencioso tras su último material, la artista presentó “The Ground Above”, un sencillo que marca su regreso y reafirma la sensibilidad que la ha consolidado como una figura clave dentro del folk alternativo. Con esta entrega, la británica muestra una evolución hacia terrenos mucho más introspectivos, maduros y emocionalmente densos.

Disponible ya a través del sello Partisan Records, “The Ground Above” destaca como una composición extensa, con una duración de poco más de ocho minutos, que reflexiona sobre la pérdida, la resiliencia y el paso del tiempo. La canción inicia de forma pausada, acompañada por una instrumentación minimalista y cuidada que se transforma en una experiencia emocional más amplia, donde la voz de Orton se vuelve el eje principal de una narrativa íntima.

Este tema llega tras el éxito de Weather Alive (2022), su octavo álbum de estudio, y representa su primera entrega desde entonces. Con este estreno, la intérprete retoma el rumbo de su trayectoria con una pieza que, fiel a su estilo, mezcla elementos acústicos con atmósferas más experimentales, logrando una producción que se siente viva y en constante movimiento.

El lanzamiento de “The Ground Above” no solo funciona como un regreso, sino también como una declaración de intenciones, en la que la artista continúa explorando nuevas formas de expresión sin dejar de lado la introspección que la caracteriza. Así, demuestra que su capacidad para evocar emociones a través de melodías envolventes permanece intacta.

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Festival City 2026: un escenario, todas las intensidades

Querétaro está a punto de vivir su edición más ambiciosa… y el momento de asegurar tu lugar es ahora.

Hay festivales que crecen en tamaño. Otros, en identidad. El Festival City parece estar logrando ambas cosas al mismo tiempo. A solo días de su quinta edición —este 11 de abril—, el encuentro regresa al Lienzo Charro Hermanos Ramírez con un cartel que no solo eleva la apuesta, sino que redefine su propio alcance.

Por primera vez, el festival incorpora un headliner internacional: The Hives, una banda que no necesita presentación cuando se trata de energía en vivo. Su presencia no es solo un logro logístico, es una declaración de intenciones. Con su característico blanco y negro, y el impulso renovado tras el lanzamiento de The Hives Forever Forever The Hives, el grupo sueco encabeza una edición que apuesta por la intensidad desde el primer acorde.

Pero Festival City no se construye desde un solo nombre. Se sostiene en una curaduría que entiende los contrastes como parte esencial de la experiencia. Desde la potencia irreverente de Molotov, cuya trayectoria sigue resonando con la misma urgencia de siempre, hasta la psicodelia cargada de riffs de Wolfmother, que traerá de vuelta el pulso de su icónico debut.

En otra frecuencia, el groove tropical y expansivo de Bomba Estéreo abre la puerta a un viaje más sensorial, mientras que nombres como División Minúscula, Kinky, Cuarteto de Nos, Little Jesus, Motel y Rubytates completan un lineup que se mueve con naturalidad entre generaciones, géneros y estados de ánimo.

Lo que distingue a este festival no es solo quién toca, sino cómo se vive. Su formato de un solo escenario elimina la ansiedad de elegir y propone algo cada vez más escaso: estar presente. Aquí no hay prisa por correr entre escenarios, sino tiempo para habitar cada show, dejar que la música se despliegue completa y construir una narrativa continua a lo largo del día.

Ahora bien: el reloj ya está corriendo. Con la fecha a la vuelta de la esquina, esta es la ventana final para sumarse a una edición que apunta a agotarse. Los boletos siguen disponibles, pero cada vez menos, y todo indica que quienes esperen demasiado podrían quedarse fuera de uno de los encuentros más sólidos del calendario.

El 11 de abril no es una fecha lejana: es el plan inmediato. Es momento de decidir, asegurar tu entrada y prepararte para un día donde la música no se fragmenta: se vive de principio a fin.

Porque hay festivales que puedes dejar pasar.
Y hay otros —como este— que simplemente no vuelven a repetirse igual.

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