Una vez que este disco empieza a sonar se abre en pleno el mundo sinestesia; los sentidos se confunden y parecería que hay música para saborear, para oler. Los sonidos equivalen a un color. El ensueño no parece una dimensión fantástica sino algo para tocar con sólo estirar una mano. Bloom (Sub Pop, 2012) es inmenso, generoso; sutilmente bello. Siempre he sabido que la música debe asimilarse a través de la experiencia sensible y no por la razón o la lógica. Primero está lo que un artista te hace sentir y luego lo que la inteligencia y el raciocinio te pretendan aleccionar. Lo que hace Beach House es música para volar: hermosa y evanescente.

Me cuesta explicar las sensaciones que produce. Hasta que di con una idea vertida por ese gran crítico musical que es Simon Reynolds. El británico se refería a un concepto francés: jouissance. Que se define como una incapacidad del lenguaje para contener una experiencia que te vuela la cabeza. ¿Habría sido concebido mucho tiempo antes para que se ajustara a Bloom? No es posible, pero su aplicación es perfecta.

Son 11 canciones (con todo y el track oculto) perfectamente cohesionadas y completas en sí mismas. Cada una podría ser lanzada como sencillo y funcionarían. ¿Alguien habría imaginado que podrían superar la grandeza del Teen Dream –su opus anterior-? Alex Scally y Victoria Legrand cuentan que se requirió de mucho esfuerzo, aun cuando la mayoría de la gente opina que esta colección de canciones son más simples que sus antecesoras. Y esto es cierto, sólo que la fórmula se ha perfeccionado: quizá sean menos barroca pero más eficientes.

Reynolds dice que la jouissance también se parece al “sublime inefable” descrito por Jean Francois Lyotard o el goce -“bliss”-, abordado por Roland Barthes. En Bloom –cumbre del dream pop- hay gran cantidad de goce –durante su hechura y luego en su escucha- y de tan sublime también es inolvidable; lo llevaremos con nosotros por mucho tiempo (¿disco del año desde ya mismo?).

Hay que entenderlo como una obra integral, por más que “Lazuli” y “Myth” destaquen un tanto por encima del resto. Los de Baltimore han conseguido entrever los elementos fundamentales para el ejercicio de su peculiar forma de arte. Dejan que las líneas de teclado y guitarra se expandan para enmarcar la magia que conduce esa forma etérea de manejar la voz.

En comparación con antaño, ahora tienen un sonido más nítido y cristalino. Nada del low fi de sus inicios, dejan que la canción fluya por sí sola. Así ocurre en “Wishes” y “Troublemaker”, que alternan una cierta frialdad exterior con una calidez en lo íntimo; pareciera ser un contrasentido que se simplifica mientras transcurre la música.

Encuentro que en Galicia les han llamado “alquimistas de la ensoñación” y me parece que el término es exacto y hermoso. Beach House ha ido más allá de sus límites –lo que ha ocurrido disco a disco-,  logran transmitir, un estado de ánimo en cada canción. Ellos tienen el “sonic bliss” que Simon Reynolds explicará como: “El grano de la voz –barthesiano-, el frenesí del ritmo, la voluptuosidad del timbre y la textura”. Eso es un hecho.

Electropop, dance, rock, funk y mucho más, fue un poco de lo que pudimos escuchar el pasado 16 de Junio en el estadio de los Pieles Rojas, ubicado en Avenida Lomas Verdes, al Norte de la Ciudad de México. Con un cartel bastante respetable y un proyecto visionario y ambicioso; 2 Crew y Acusa Producciones demostraron a la gente que el Distrito Federal no es el único lugar dónde se pueden realizar buenos eventos.

El invitado principal del concierto fue la lluvia, las esperanzas de tener un cielo despejado o aunque sea nublado, definitivamente fueron desapareciendo al observar el día con el paso de las horas. Resignados, los aventureros que vieron el agua como un buen presagio, comenzaron a reunirse para ver juntos a Marlish, la primer banda de la jornada. Los jóvenes músicos estuvieron dispuestos a dar lo mejor de sí durante su presentación para poder así  preparar el escenario al Instituto Mexicano del Sonido.

La cumbia y el lounge se apoderaron de los monitores, Camilo de su micrófono y mientras el decía baila, la gente gritaba dance. Mientras él se proclamaba 132, sus seguidores saltaban y coreaban sus canciones con gran placer al ritmo de sus rimas. Los chicos guapos de Dapuntobeat, por supuesto que no se quedaron atrás e inyectaron la atmósfera con su más puro sonido electrónico, intercambiando instrumentos e incitando a la gente a ponerse a bailar.

“El que no brinque es Peña” y canciones como: "Dos punto cero" y "Konnichiwa", fueron tan solo algunos de los mejores momentos, mientras la música de estos jóvenes continuaba recibiendo a las personas que llegaban justo a tiempo para mentarle su madre a Silverio en su gira presidencial. El tremendo cuerpo de "Su majestad" se contorsionaba, yo no sé si de frío o debido a que parece que éste hombre siempre está en celo.

La noche cayó y la mayoría de la gente ya había llegado, las luces llenaron de color la oscuridad y las percusiones de Sussie 4 se hicieron presentes. El diluvio incesante, la incandescencia y el alucinante sonido de la banda, lleno de vigor, suministraron a la gente el ímpetu necesario para saltar a la par de rolitas como: "On Time", "Can You Feel Me", "Bésame Mucho" y después concluir radiactivamente con "Remote Control".

Todo iba perfecto, el Norte Rock Fest estaba sin duda posicionándose para ser recordado como una muy buena experiencia dentro de los discos duros de la concurrencia. Después de un largo tiempo de espera, el evento estaba ya por terminar y los integrantes de Kinky salieron por fin al escenario buscando un recipiente donde colocar su presente. "Los muertos" se unieron a la fiesta, "Soun Tha Mi Primer Amor" hizo que los oyentes fueran queriendo más y más, al mismo tiempo que bailaban y ejercitaban los músculos de su espalda y cintura hasta quemarse.

La música suave se había apoderado de la gente y ya no había marcha atrás. "Intoxicación" fue lo único que quedó después de una buena dosis de brincos, música, lluvia y diversión. El objetivo estaba cumplido, el tiempo había expirado y los espectadores no tuvieron más remedio que abandonar las instalaciones. Bien por aquellos que fueron y no tan mal por aquellos que se lo perdieron pues parece que pronto podremos seguir disfrutando de más episodios como éste. Gracias a los organizadores y a los patrocinadores del evento.

Abrir un disco con la frase “I’m just as fucked up as the say” puede crear expectativas que tal vez la banda cumpla o no, corriendo el riesgo de caminar por la cuerda floja y caer al vacío si no se mantiene a lo largo de todo el disco ese mood agresivo y enérgico que propone en un principio. Es una apuesta efectiva pero riesgosa.

En Synthetica, Metric inaugura su quinto material con esa apuesta, lanzando muy alto el feeling del disco desde la primera canción, y manteniendo una línea musical cargada de fuerza y desfachatez. Con esta grabación, Metric retoma un sonido muy similar a Old World Underground, Where Are You Now?, que fue el primer lanzamiento comercial de la banda, y en donde fascinó a muchos con sus reminiscencias new wave. Pero diez años no pasan en vano, por lo que Synthetica logra traer de vuelta ese sonido en el que nacieron, pero con mucha más actitud y determinación.

Analizando en retrospectiva la discografía de Metric, es posible identificar al menos una rola memorable por disco, puesto que la banda ha sabido elegir bien sus sencillos y es de esperarse que en Synthetica suceda lo mismo.

El primer single es "Youth Withouth Youth", una rola muy a la Depeche Mode, track que hace evidente la madurez no sólo musical sino también a la hora de escribir, pues se percibe una atmósfera un tanto oscura y desafiante, no sólo en esta canción sino en las once que componen el disco. Al parecer, Metric busca adentrarse en aguas más profundas en lo que a las letras se refiere, signo también de su maduración como banda.

La elección de las rolas fue acertada, tanto que al escuchar el disco de principio a fin es posible encontrar una cohesión de moods, ambientes y demás pasadizos musicales que hacen de Synthetica un todo en el que no se vale ir saltando de track en track, lo mejor es ponerle play y dejarlo correr hasta el último minuto.

Mención aparte merece Speed the Collapse, tercer pista del disco que resalta por el empleo magistral de la voz eléctrica de Emily Haines, y que cambia en cuestión de minutos la línea que hasta antes se inclinaba hacia lo denso, rola que seguramente se convertirá en un sencillo al ser una de las mejores del material.

En "The Wanderlust", Metric se acompaña por una de las voces más representativas de la escena alternativa, la de Lou Reed, contrastando con la voz aguda de Haines, dando como resultado uno de los tracks estelares de Synthetica.

Otros títulos que destacan en Synthetica son "Lost Kitten", "The Void" y "Clon", muy diferentes entre cada uno pero que integran el todo de forma tal que las rolas parecieran estar interconectadas unas con otras.

En esta entrega, los fans de la banda canadiense podrán deleitarse con un sonido clásico de la banda pero con un sentimiento un poco más hardcore o duro, logrando uno de los mejores materiales en la discografía de Metric.

Para escuchar el disco

Torreblanca es un proyecto que ha estado en boca de muchos de nosotros desde que empezó a existir. Del gusto al disgusto, hay un sin fin de comentarios, opiniones y dichos al respecto, pero estoy segura que todos ustedes compartirán conmigo una cosa: Bella Época es de las mejores entregas de lo que lleva este año, y como no, si tiene un estilo, una fuerza y una fineza característicos que nos brinda un disfrute increíblemente lindo.

En 2010, Juan Manuel Torreblanca y compañía salieron a la luz con su EP Defensa, sin embargo Bella Época es su primer placa de larga duración. Un compilado de 11 canciones con que  este quinteto defeño regresa a conquistar a los escuchas, que firmado por la disquera mexicana Arts & Crafts, llega decidido a hacer de éste el mejor momento de una banda que, sin duda, está haciendo de su música un momento de magia.

Bella Época es un álbum que sale bajo la producción de Quique Rangel, sumándole la mezcla a cargo de Luis Román y David Parra y la grandiosa masterización de Tom Coyne, más el amor a la música de los cinco muchachos que conforman Torreblanca (Juan Manuel – piano y voz, Andrea Balency – acordeón y voz, Jerson – batería, El Abuelo Zavala – bajo, Alex “El Tío” Balderas – saxofón, flauta y clarinete) que dan como resultado una serie de tracks limpios y armónicamente finos. Composiciones que van de lo tierno a lo bailable y viceversa, sin dejar de lado ese estilo característico y cuidando cada uno de los arreglos que van de la mano con cada melodía y cada letra, siendo el acordeón y los instrumentos de viento una de las partes fundamentales para hacer de este disco algo completamente digerible en una tarde de café.

Con “Las Horas” es como este disco empieza a recorrer nuestros oídos, un piano que hace querer seguir escuchando y una voz enternecida en el trasfondo de un principio que poco a poco va tomando fuerza. Seguida por “Deje de ser yo” y la ya conocida “Si”, que nos habla de unos modales y acciones que todos quisiéramos en un alguien, es como ese ritmo pegajoso tan especial nos contagia unas ganas de aplaudir infinitas...La coreadisima “Roma”, en la que a mi parecer es donde se marca una transición en todo el repertorio, esa división que nos hace ver que el baile ha terminado, sin embargo la música y el sentimiento siguen presentes.“Lobo” y “Lodo” que son como la pauta, el punto medio de un material que nos ofrece calidad para poder dar paso a “Lola en el Sillón” que de nuevo, con un piano de entrada y la voz de Juan Manuel, nos invita con ternura a escuchar cuanto tiempo le queda a Lola, escuchando de repente y desde atrás la voz de Andrea Balency. Siguiendo con “Barba Azul” una canción que toca los sentimientos traicionados, malas bromas y advertencias para encaminarnos a un exquisito final con la imperdible “Huecos” que en lo personal, es mi favorita y en la que creo, Andrea se luce mejor vocalmente. De ahí se abre camino a “Otra decepción” para poder cerrar está bonita placa con “JB” una melodía  tranquila y linda que no sé por que pero me recuerda a la última canción que ponen en toda graduación.

Patti Smith

Banga

Columbia

2012

El mundo según Patti Smith es plasmado una vez más en el formato de un álbum, que durante doce temas, mistifíca y pone en alto a aquella delgada y desaliñada mujer que por más de treinta años de carrera ha sacudido cabezas y corazones por igual. Premeditado y coincidente, siendo su onceavo álbum de estudio, Banga, cuenta con varios de los músicos que colaboraron en Horses, su por demás renombrado álbum debut, entre ellos Lenny Kaye, Jay Dee Daugherty, y Tom Verlaine, este último líder ni más ni menos que de la proverbial banda Television.

Sobre cualquier otro elemento a vanagloriar en un disco de Patti Smith, las letras siempre serán los estelares; ella misma reconociendo no ser músico sino poetiza, se postran relatos y reflexiones basadas en sueños e ideas,  desde un regalo de cumpleaños para Johnny Depp (quién también colabora en el disco), tributos a Américo Vespucio, Andrei Tarkovski, elegías para Amy Winehouse y las víctimas de los tsunamis en Japón, y hasta un cover de Neil Young, Banga, es aquella perfección musical que Patti Smith retrasó ocho años en lanzar pero que en más de una década se tardó en volver a encontrar.

Con el puño en el aire y el cabello suelto a contra-viento, Patti Smith una vez más entrega su alma desnuda a un escucha que, de distintas generaciones, clases sociales, y nacionalidades por más de una hora converge en lo que es sin duda uno de los mejores discos que dará este 2012.