Entrevista con Love of Lesbian

Celebrar antes del silencio.

Antes de tomar un descanso de los escenarios, Love of Lesbian vuelve a México para una gira especial que incluye festivales como Pa’l Norte, además de varias fechas en el país. La banda celebra su historia, revisita su discografía y prepara un paréntesis necesario tras casi tres décadas de actividad ininterrumpida.

Con casi 30 años de trayectoria, Love of Lesbian se ha convertido en una de las bandas más queridas del indie en español. En medio de una nueva visita a México —que incluirá presentaciones en festivales como Tecate Pa’l Norte, además de varios shows en el país—, el grupo también anuncia un retiro temporal de los escenarios para tomarse un respiro tras años de giras constantes. En conversación, la banda habla sobre su proceso creativo, la evolución de sus giras, la relación especial que han construido con el público mexicano y este momento de pausa que, más que una despedida, es una celebración de su historia.

Indie Rocks!: Ustedes tienen ahora una gira por México con varias fechas, incluyendo festivales como Pa’l Norte y Vive Latino. Además, el año pasado lanzaron el sencillo “La de tu nombre” en colaboración con Eliela. ¿Cómo fue el proceso detrás de esa canción?

Love of Lesbian: Me tienes que disculpar, porque muchas de esas colaboraciones las gestiona más Santi. En ese sentido yo estoy un poco fuera de ese proceso. Pero lo que sí puedo contarte es cómo trabajamos normalmente como banda. Nuestro proceso ha ido evolucionando mucho con los años. Al principio funcionábamos como cualquier grupo: encerrados en un local de ensayo donde todos volcábamos nuestras ideas y de ahí construíamos las canciones. Con el tiempo eso cambió bastante.

Hoy en día ni siquiera tenemos un local de ensayo. Cuando llega el momento de empezar un disco o preparar una gira, nos encerramos en un estudio o en una masía durante varias semanas y trabajamos ahí intensamente. La parte creativa suele empezar con Santi, que compone muchas ideas desde casa gracias a la tecnología. Después las comparte con nosotros y entra Julián, el guitarrista, que le ayuda mucho a desarrollar esas ideas. Luego nos sumamos el resto de la banda, cada uno aportando lo que cree que puede enriquecer la canción. Finalmente, en la grabación entran también los productores con los que trabajamos habitualmente —Ricky Falkner, Santos & Fluren— que terminan de perfilar el sonido. Es un proceso bastante individualizado, pero funciona muy bien para nosotros.

IR!: Ahora que mencionas la gira, están por pasar varias semanas fuera de casa. Más allá de lo musical, ¿cómo se preparan mentalmente para salir tanto tiempo de gira?

LOL: Todo ha sido un proceso muy natural. Cada uno lo vive de forma distinta, pero al final es algo que simplemente sucede: si tienes que irte tres semanas a México, pues te vas. Siempre cuesta irse de casa y también cuesta volver. Cuando estás fuera extrañas tu hogar y cuando estás en casa extrañas salir de gira. Es una especie de contradicción constante.

A veces el desgaste mental puede ser incluso más fuerte que el físico. Por ejemplo, para nosotros dos semanas de gira suelen ser el límite ideal. Esta vez estaremos tres semanas fuera, lo cual es un poco más de lo habitual. Pero cada uno busca sus propios momentos de tranquilidad: ir al gimnasio, quedarse un rato solo en la habitación o salir a comer a algún restaurante. Son pequeñas herramientas para hacer más llevadero el viaje. De todas formas, venir a México siempre es algo bonito; nos encanta estar aquí.

IR!: En todos estos años girando por el mundo, ¿qué ha cambiado entre las primeras veces que salían de tour y lo que viven ahora?

LOL: Hemos aprendido a llevarlo mejor. Cuando empezamos a venir a México era como soltar a un perro que ha estado atado durante un mes. Todo era emoción, queríamos hacerlo todo, verlo todo, salir a todas partes. Era algo muy visceral.

Hoy en día es diferente. México se ha convertido casi en una segunda casa para nosotros. Repetimos hoteles, conocemos los restaurantes a los que queremos ir, incluso tenemos nuestros lugares favoritos para sentarnos un rato y estar tranquilos. Antes todo era novedad; ahora sigue siendo emocionante, pero de una manera mucho más natural.

A veces decimos que México es como subir el contraste de color a un televisor: todo se vuelve más intenso, más vivo. Eso ya no nos sorprende como al principio, pero sigue fascinándonos cada vez que llegamos a Ciudad de México. Es una ciudad que te atrapa.

IR!: El próximo año la banda cumplirá 30 años. ¿Están preparando algo especial para celebrarlo?

LOL: Sí: descansar. Después de casi tres décadas hemos tenido pausas muy pequeñas, pero siempre eran pausas para grabar un disco o preparar una gira. Esta vez queremos parar de verdad y dedicar tiempo a otras inquietudes personales.

La dinámica de esta banda es como un tren en movimiento: cuesta mucho detenerlo. Si lo quieres parar, tienes que hacerlo durante un tiempo real. Por eso hemos decidido hacer un paréntesis. Y un paréntesis significa justamente eso: que se abre y que se cierra.

La banda no se separa en absoluto. Es demasiado tarde para dejarlo, además somos demasiado felices sobre el escenario. Pero cada uno quiere explorar proyectos personales: algunos harán discos en solitario, otros se dedicarán a otras pasiones. En mi caso, por ejemplo, me interesa mucho la gastronomía.

IR!: Entonces esta gira por México se vuelve todavía más especial para el público.

LOL: Sí, completamente. Es un momento muy bonito para celebrar todo lo que hemos vivido. Vamos a tocar canciones de nuestro último disco, Ejército Salvación, pero también muchas canciones de discos anteriores que hace tiempo no tocábamos en México.

No me gusta llamarlo despedida, porque no lo es. Pero sí sabemos que estaremos un tiempo sin venir, así que queremos ofrecer un espectáculo que sea una celebración: abrazarnos con el público y decir “hasta pronto”.

IR!: Para cerrar la entrevista: si tuvieras que describir a Love of Lesbian en tres palabras —sin decir Love of Lesbian—, ¿cuáles serían?

LOL: Honestidad, familia y amistad.

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Violet Grohl presenta “595” y anuncia 'Be Sweet to Me'

La cantante presenta un adelanto del material que marcará su debut musical.

Violet Grohl está a punto de hacer su debut como solista con Be Sweet To Me, su primer material discográfico que llegará el próximo 29 de mayo. Como un pequeño adelanto de lo que nos espera, la compositora de 19 años presentó "595", tercer sencillo que promociona este material y ofrece un vistazo de la atmósfera que trae consigo su propuesta. 

"595" es una canción que captura a la perfección la dualidad de su proyecto; aquí, su voz fluye de forma melódica y potente, chocando con riffs de guitarra que le inyectan una estética cruda y vintage. Además, el estreno llega acompañado por un videoclip dirigido por Nikki Milan Houston, el cual, al igual que la canción apuesta por mantener una narrativa retro que sigue a Violet en un viaje a bordo de un taxi.

Para la creación de Be Sweet to Me, la artista trabajó junto al productor Justin Raisen en su estudio casero de Los Ángeles. El proceso de grabación se llevó a cabo entre finales de 2024 y principios de 2025, reuniendo a un grupo de músicos que colaboraron en el proyecto con la intención de capturar la esencia de las sesiones de grabación de los años sesenta y setenta.

El álbum incluirá un total de 11 canciones, entre los que ya conocemos "THUM" y "Applefish", además de la emotiva “What’s Heaven Without You”. Con estos primeros adelantos, Violet Grohl deja ver que tiene la madurez necesaria para liderar su propio proyecto sin imitar el estilo de su padre, Dave Grohl, líder de Foo Fighters.

Esta es la portada y el tracklist:

Vilet grohl be sweet to me

 

1. "THUM"
2. "595"
3. "Bug In The Cake"
4. "Last Day I Loved You"
5. "Big Memory"
6. "Mobile Stars"
7. "Often Others"
8. "Applefish"
9. "Cool Buzz"
10. "Pool Of My Dream"
11. "Plastic Couch"

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Earl Sweatshirt y MIKE anuncian 'POMPEII // UTILITY'

El álbum doble producido por SURF GANG llegará en abril.

Los raperos Earl Sweatshirt y MIKE, de la mano del colectivo de productores SURF GANG, anunciaron un proyecto colaborativo que verá la luz muy pronto. Se trata de POMPEII // UTILITY, un LP doble programado para estrenarse este 3 de abril de 2026 bajo los sellos 10k, Tan Cressida Records y SURF GANG Records.

Como primer adelanto de esta entrega, se liberó el videoclip del sencillo doble “Minty // Earth”. Bajo la dirección de Ian Lopez y Richard Phillip Smith, el video se divide en dos fragmentos: el primero, protagonizado por MIKE, quien toma las riendas con “Minty”, para después cederle su lugar a Earl en “Earth”; una estructura que plasma a la perfección el concepto dual de la producción discográfica.

POMPEII // UTILITY es el fruto de más de una década de hermandad, la cual se remonta a 2016, cuando Earl Sweatshirt apoyó a MIKE y su colectivo [sLUms]. Desde aquel entonces, la dupla ha trabajado en temas como “allstar”, del álbum Weight of the World (2020), o “Sentry”, perteneciente a VOIR DIRE (2023), proyecto que Earl lanzó junto al The Alchemist.

La producción de los 33 temas que integran este material fue diseñada por SURF GANG, mientras que la identidad visual fue obra del escultor Sharif Farrag, amigo cercano de Earl. Este disco promete distanciarse de la melancolía introspectiva que marcó sus inicios para explorar un sonido mucho más relajado y comunitario.

Aunado al estreno, los artistas anunciaron el Home on the Range Tour, gira que visitará diversas ciudades de Estados Unidos y Europa a partir de junio. No obstante antes de arrancar formalmente dicha travesía, el proyecto hará una escala en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el próximo 24 de abril en el Foro Indie Rocks!.

Mira la portada del disco y el tracklist:

Earl sweatshirt, mike disco

POMPEII

1. "The Fall"

2. "MY WORST (rebuke)"

3. "Da Bid (feat. Jadasea)"

4. "NOT 4TW (feat. Anysia Kym)"

5. "THE POPE"

6. "AFRO"

7. "Minty"

8. "F.E.A.R. (feat. Niontay)"

9. "Tampering"

10. "Shutter Island"

11. "Back LA (feat. Na-Kel Smith)"

12. "Back Home"

13. "Kirkland (feat. Earl Sweatshirt)"

14. "#FREE #MIKE"

15. "Man of the Month"

UTILITY

1. "this2shallpass" 

2. ":( again :)" 

3. "Home on the Range" 

4, "React" 

5. "Hot Water (Cahuilla)" 

6. "rectangle lens" 

7. "Leadbelly (feat. MIKE)" 

8. "quikk" 

9. "Ew!" 

10. "Earth" 

11. "Chali 2na" 

12. "Sisyphus" 

13. "Locusts (feat. Lerado Khalil)"

14. "Tour de France" 

15. "Chicago"

16. "Book of Eli"

17. "AOK"

18. "Don't Worry!"

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“I Can Feel Your Love”, lo nuevo de Alexis Taylor

El tema forma parte de Paris In The Spring, su séptimo álbum como solista.

A tan solo unas horas de que el nuevo material discográfico de Alexis Taylor sea lanzado, el vocalista y cofundador de Hot Chip estrenó “I Can Feel Your Love”, sencillo que cuenta con la participación del dúo australiano The Avalanches y que además forma parte de Paris In The Spring, su próximo álbum como solista que llega este 13 de marzo.

El tema llega como uno de los últimos adelantos del disco y muestra una faceta más luminosa dentro del sonido característico del músico británico. Dicha evolución fue posible gracias a la producción de los australianos, quienes, a través de la construcción de samples con influencia de gospel, crearon la base del tema y generaron una atmósfera espiritual que contrasta con un ritmo cercano al disco pop.

“I Can Feel Your Love” explora una conexión emocional que trasciende las palabras, haciendo referencia a la sensación de percibir el afecto de alguien incluso cuando no se expresa de forma directa. El track también cuenta con la colaboración del productor francés Étienne de Crécy, con quien Taylor trabajó en París para grabar el coro, aportando ese toque francés que terminó influyendo en gran parte del espíritu del álbum.

El lanzamiento llega acompañado de un video musical dirigido por Tom Furse (ex integrante de The Horrors). A través de su narrativa, conocemos la historia de Taylor encontrándose con un tigre de Tasmania, especie ya extinta, con quien emprende una aventura que funciona como metáfora de un vínculo que va más allá del lenguaje, reforzando el mensaje central de la canción.

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The Lemon Twigs regresa con 'Look For Your Mind!'

El dúo presenta “I Just Can’t Get Over Losing You”, primer adelanto del álbum.

The Lemon Twigs está de regreso con nueva música y un sonido que rinde homenaje a la era dorada del power pop. Brian y Michael D’Addario anunciaron el lanzamiento de Look For Your Mind!, su próximo material de estudio que llegará el 8 de mayo de 2026 vía Captured Tracks. Como primer adelanto, el dúo presentó “I Just Can’t Get Over Losing You”, sencillo que inaugura esta etapa.

Con este material, los hermanos D’Addario continúan una etapa creativa que comenzó con Everything Harmony (2023) y A Dream Is All We Know (2024), trabajos que consolidaron su estilo inspirado en la estética de los 60 y 70. En Look For Your Mind! vuelven a explorar las guitarras brillantes y armonías vocales, aunque ahora también dejan ver un trasfondo mucho más reflexivo en sus letras.

“I Just Can’t Get Over Losing You” mezcla guitarras y armonías que remiten al pop clásico, además de destacar por su sonido luminoso; sin embargo, al igual que las otras 13 piezas que integran el material, el álbum aborda temas relacionados con la confusión y la incertidumbre del presente. Este matiz le otorga un aire conceptual al proyecto, logrando un equilibrio fresco y fiel a la identidad que la dupla ha desarrollado a lo largo de su trayectoria.

Otra de las novedades del proyecto es la participación de algunos músicos que forman parte de la alineación en vivo del grupo. Entre ellos destacan Reza Matin en la batería, Danny Ayala en el bajo y Eva Chambers, quien también aporta voces y algunos instrumentos. Su colaboración ayudó a capturar una energía más cercana a la que la banda suele mostrar sobre el escenario.

Mira la portada y el tracklist:

The lemon twigs look for your mind!

1. "Look For Your Mind!"

2. "2 or 3"

3. "Nothin’ But You"

4. "Gather Round"

5. "I Just Can’t Get Over Losing You"

6. "Fire and Gold"

7. "Mean to Me"

8. "Bring You Down"

9. "Yeah I Do"

10. "I Hurt You"

11. "You’re Still My Girl"

12. "Joy"

13. "My Heart Is In Your Hands Tonight"

14. "Your True Enemy"

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Jorge Drexler adelanta “¿Qué será que es?”, parte de 'Taracá'

El músico uruguayo presenta una reinterpretación en español del clásico brasileño de Gonzaguinha, acompañado por la Rueda de Candombe.

A pocas horas del lanzamiento de su nuevo álbum de estudio Taracá, el cantautor Jorge Drexler comparte un nuevo adelanto titulado “¿Qué será que es?”, una adaptación al castellano del emblemático tema “O Que É, O Que É?”, compuesto por el músico brasileño Gonzaguinha.

La canción llega como una reinterpretación vívida y contemporánea que mantiene la esencia del clásico original mientras lo acerca al público hispanohablante. En esta nueva versión, Drexler colabora con la Rueda de Candombe, un colectivo nacido en 2024 en Montevideo que se inspira en las tradicionales rodas de samba brasileñas, donde esta canción suele formar parte del repertorio.

El resultado es una lectura renovada en clave de candombe que celebra la alegría de vivir y la capacidad de mirar el mundo con la curiosidad de un niño, como si la vida fuese un aprendizaje constante. Ese espíritu queda condensado en uno de los versos más recordados del tema: “Vivir y no tener vergüenza de ser feliz / cantar y cantar y cantar la belleza de ser un eterno aprendiz”, convertido aquí en el corazón emocional de esta interpretación.

La producción combina la sensibilidad característica de Drexler con la energía rítmica de los tambores del candombe, generando un puente sonoro entre Uruguay y Brasil. De ese cruce surge una versión que dialoga con ambas tradiciones musicales y reafirma el interés del artista por explorar los vínculos culturales dentro del ámbito iberoamericano.

El lanzamiento llega acompañado de un emotivo videoclip dirigido por Joana Colomar y Rodrigo Méndez, con montaje de Maia De Zan Hatch. El video entrelaza imágenes actuales con material de archivo familiar en formato Super-8 filmado por Gunther Drexler en el Uruguay de los años 70, generando una pieza cargada de memoria y emoción.

Con este adelanto, Drexler vuelve a tender puentes entre las músicas que lo han formado y el presente, proyectando su legado hacia nuevas generaciones a partir de una pregunta universal que atraviesa la canción: ¿qué es la vida?.

“¿Qué será que es?” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y funciona como antesala del lanzamiento completo de Taracá.

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“Star”, lo nuevo de Iceage

Cinco años de silencio discográfico han llegado a su fin.

La aclamada banda danesa Iceage ha marcado su potente regreso a la escena musical con el lanzamiento de un nuevo sencillo, "Star", su primera muestra de material inédito desde la publicación de su aclamado álbum de 2021, Seek Shelter. Este lanzamiento llega tras un periodo de actividad notablemente independiente de su carismático líder, Elias Rønnenfelt, quien se mantuvo ocupado con proyectos en solitario como Heavy Glory (2024) y Speak Daggers (2025), explorando facetas creativas que, sin duda, han enriquecido la perspectiva de la banda. Además, en 2022, Iceage compartió Shake the Feeling, un álbum que recopilaba rarezas y material de archivo.

Fieles a la filosofía de Iceage de concebir cada nuevo disco como una "evolución y una nueva forma de tocar" —según declaraciones oficiales—, "Star" introduce un elemento sonoro novedoso dentro de su ya diversa discografía de cinco álbumes de estudio.

El sencillo irradia una energía vibrante, marcada por la inclusión notoria de una cadencia rítmica contagiosa que sugiere una paleta emocional más brillante. La propia canción, en su construcción y atmósfera, "brilla" como un indicio poderoso de lo que depara la próxima era del grupo, sugiriendo un giro hacia lo afirmativo sin perder la intensidad que los caracteriza.

Dale play aquí:

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Modest Mouse regresa con “Look How Far…”

Un esperado regreso.

Modest Mouse ha puesto fin a un silencio discográfico con el lanzamiento de su nueva canción, titulada "Look How Far...". Este sencillo marca su primera contribución musical desde el lanzamiento de su último álbum de estudio en 2021.

La nueva pista destaca no solo por ser un regreso, sino por la notable colaboración que presenta. Para la sección de percusión, Modest Mouse reclutó a la aclamada Janet Weiss, una figura seminal en la escena del rock independiente, reconocida por su trabajo como ex integrante de la icónica banda de riot grrrl Sleater-Kinney y su papel actual como miembro del dúo de rock indie Quasi. La participación de Weiss en la batería añade una capa de complejidad rítmica y potencia al sonido característico de Modest Mouse.

Dale play aquí:

A pesar de que han transcurrido cinco años desde el lanzamiento de su álbum más reciente, The Golden Casket, la banda liderada por Isaac Brock ha mantenido un perfil activo y dinámico dentro de la industria musical.

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Mira el tráiler de 'The Rise of the Red Hot Chili Peppers: Our Brother, Hillel'

Our Brother, Hillel explora los primeros años de Red Hot Chili Peppers junto a su guitarrista fundador.

La historia de una de las bandas más influyentes del rock alternativo llega a la pantalla con The Rise of the Red Hot Chili Peppers: Our Brother, Hillel, documental que se estrena en Netflix el próximo 20 de marzo de 2026. Esta producción revelará detalles inéditos de los primeros años de la agrupación, centrándose en la figura de Hillel Slovak, guitarrista fundador y pieza clave en la construcción del sonido del grupo.

Bajo la dirección de Ben Feldman, el proyecto narra cómo un grupo de adolescentes originarios de Los Ángeles terminaron formando uno de los conjuntos más importantes del género. La cinta es un recorrido nostálgico construido a través de material de archivo, entrevistas y fragmentos de los diarios personales de Slovak; este conjunto de elementos permite reconstruir los pasos iniciales de la banda y el impacto creativo que tuvo el músico antes de su muerte en 1988.

En el metraje también aparecen testimonios de personajes cercanos al entorno de los Chili Peppers, entre ellos el baterista Jack Irons y el productor de funk, George Clinton. A pesar de que los miembros actuales de la alineación aparecen frente a la cámara, han aclarado que no se trata de un documental oficial de la banda como tal, sino de un tributo nacido del amor y respeto a la memoria de Hillel y su paso por la música.

The Rise of the Red Hot Chili Peppers: Our Brother, Hillel busca rescatar la esencia de un artista cuyo trabajo quedó plasmado en materiales como Freaky Styley (1985) y The Uplift Mofo Party Plan (1987). Estos discos ayudaron a consolidar esa mezcla de funk, punk y rock que caracteriza al combo californiano, demostrando que todo comenzó con la amistad, la experimentación y la visión de un guitarrista que ayudó a definir el rumbo del conjunto.

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Entrevista con Culture Wars

Crudeza, energía y ruido sin concesiones.

La banda originaria de Austin se presentará el 30 de mayo en el Foro Puebla con un show que marca una nueva etapa en su carrera. Platicamos con Culture Wars sobre el crecimiento acelerado que han vivido en el último año, el proceso detrás de su álbum debut, su conexión con el público mexicano y lo que podemos esperar de esta gira que promete ser la más intensa hasta ahora.

Indie Rocks!: Han estado preparando esta nueva gira que presentarán este año. Para empezar, quiero hablar un poco sobre su música en estudio. Hace un par de años lanzaron su primer LP y tuvo una gran recepción. También he escuchado sus nuevos sencillos. ¿Cómo es el proceso de hacer una canción para ustedes?

Culture Wars: Para nosotros hay un mantra casi religioso: la canción es primero. Lo adoptamos de manera muy intencional para este álbum, algo que no hicimos con el EP inicial. Queremos que una canción funcione por sí sola, con solo dos elementos, como voz y guitarra o voz y piano. Si no funciona así, no avanzamos.

Esa rigidez también nos dio libertad, porque una vez que la canción está sólida, dejamos que la banda haga lo que mejor sabe hacer. Así pudimos desarrollar nuestro propio sonido sin presión, simplemente al servicio de la canción. Ese proceso nos ayudó a descubrir el sonido del álbum debut.

IR!: Después de lanzar música, comenzaron a girar con bandas como Keane o Wallows, tocando para audiencias enormes. ¿Cómo vivieron ese salto?

CW: Ha sido un proceso largo, pero el último año fue un crecimiento muy rápido. En tres meses pasamos de abrir shows para 300 personas a tocar para 1,000 o 3,000, y luego para audiencias de 20,000 hasta 65,000 personas. Fue una locura.

Tuvimos que aprender sobre la marcha y subir nuestro nivel. Somos muy trabajadores, ensayamos hasta el cansancio. Sabemos que hemos ensayado lo suficiente cuando podemos tocar todo el set en automático y aún así hacerlo perfecto.

Ya teníamos millones de streams, pero no dimensionas lo que eso significa hasta que escuchas a miles de personas cantar tus canciones de vuelta.

IR!: Han lanzado varios sencillos en lugar de un álbum completo. ¿Por qué decidieron hacerlo así? ¿Hay planes para un LP o EP?

CW: Siempre dijimos que no lanzaríamos un álbum hasta que hubiera una base de fans que lo quisiera. Ahora sentimos que ese momento llegó. Nuestro álbum debut saldrá muy pronto, antes de viajar a México.

También sentimos que nuestro songwriting mejora constantemente. De hecho, reescribimos casi la mitad del disco porque queríamos que representara lo mejor de nosotros. Creemos que nuestras canciones más recientes son las más fuertes que hemos hecho.

IR!: Esta gira incluye varios países y la Ciudad de México. ¿Qué podemos esperar del setlist y del show?

CW: Es básicamente la gira mundial de lanzamiento del álbum debut. El show estará enfocado en ese disco, pero también en retribuir el cariño que hemos recibido del público mexicano, tanto en plataformas digitales como en persona.

Ensayamos muchísimo porque queremos ofrecer el mejor show de rock posible. La energía en el escenario será muy alta, justo para dejar que todo fluya en vivo.

IR!: ¿Qué esperan personalmente de esta fecha en la Ciudad de México?

CW: Estamos emocionados. Después de un año entero abriendo conciertos, ahora estamos disfrutando tocar nuestros propios shows y verlos agotarse.

Nuestro reto es seguir creciendo sin dar nada por sentado. Queremos mantener el nivel y devolverle a la gente el apoyo que nos ha dado.

IR!: Para alguien que aún no los conoce, ¿qué canción recomendarían para entrar a su discografía?

CW: “Typical Ways” es probablemente la mejor puerta de entrada. Es la canción que más conecta de inmediato.

Después podrían escuchar “Slowly” o “Bittersweet”. Pero creemos que “Typical Ways” engancha desde el primer momento si es tu tipo de música.

IR!: Para quienes aún no los han visto en vivo, ¿con qué mentalidad recomiendan ir a su show?

CW: Puede ser con unas copas encima, no es la peor idea (risas). Pero más allá de eso, creemos que la gente llega con mucha energía acumulada: ansiedad, estrés, incluso enojo. Nuestros shows se han convertido en un espacio para liberar todo eso.

Vengan listos para cantar. Últimamente el público canta prácticamente todas las canciones, y eso transforma por completo el ambiente.

IR!: Si tuvieran que describir a Culture Wars en tres palabras, ¿cuáles serían?

CW: Crudos. Enérgicos. Ruidosos.

El próximo 30 de mayo, Culture Wars demostrará en el Foro Puebla por qué su crecimiento ha sido tan acelerado. Con un álbum debut en puerta y un show pensado para dejarlo todo en el escenario, la banda promete una noche catártica y electrizante en la Ciudad de México. Culture Wars acaba de firmar con AWAL, una de las plataformas globales más influyentes para artistas independientes, marcando así una nueva etapa en la carrera de la banda

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