Artistas en boicot contra tecnología de escaneo facial

En mayo la policía fue criticada por utilizar reconocimiento facial en vivo en Cardiff durante un concierto de Beyoncé.

Los músicos Tom Morello y Zack De La Rocha, están en la lista de más de 100 artistas que se han comprometido a boicotear los lugares que utilizan tecnología de escaneo facial. El boicot fue organizado por el grupo de defensa de los derechos digitales llamado Fight for the Future y busca prohibir el uso de esta tecnología en todos los eventos en vivo.

La campaña se originó después de que se descubriera que el Madison Square Garden utilizaba esta tecnología para expulsar a abogados que los estaban demandando. Los organizadores del boicot consideran que esta vigilancia biométrica no es segura, especialmente para personas de piel negra o morena, quienes han sido objeto de arrestos falsos o expulsiones injustas debido a la discriminación que conlleva el uso de esta tecnología.

Las empresas de tecnología de vigilancia presentan herramientas de datos biométricos como 'innovadoras' y útiles para aumentar la eficiencia y la seguridad. No solo es falso, sino moralmente corrupto", compartió Leila Nashashibi, activista de la campaña de Fight for the Future, en un comunicado de prensa.

El objetivo del boicot es combatir la inexactitud y los problemas que esta tecnología causa, como la mala identificación y otras fallas técnicas. Los artistas argumentan que vivir en un mundo donde la tecnología de reconocimiento facial funciona perfectamente significa la falta de privacidad y una constante vigilancia.

Entre los artistas que han firmado el compromiso se encuentran Boots Riley, Wheatus, Anti-Flag y Downtown Boys. Incluso, algunos venues en Estados Unidos, como House of Yes en Brooklyn, Lyric Hyperion en Los Ángeles y Black Cat en Washington D.C., también se han comprometido a no utilizar esta tecnología en sus espectáculos.

Además, se destaca que ya se logró que más de 40 de los festivales de música más grandes del mundo se comprometieran a no utilizar el reconocimiento facial en sus eventos. Sin embargo, preocupa que esta tecnología esté empezando a expandirse como una herramienta de vigilancia.

La herramienta de reconocimiento facial ya ha sido utilizada en eventos, en mayo fue utilizada por la policía durante un concierto de Beyoncé. Desde 2018, Live Nation de Ticketmaster anunció que tenían una tecnología de reconocimiento facial de vanguardia que permite asociar un boleto digital con una imagen de una persona para luego dejarle entrar al espectáculo.

Immasoul nos trae un nuevo single llamado “Sintonía”

El nuevo tema nos transporta a un mundo tropical y de amor verdadero.

La cantante y compositora caribeña de R&B, Immasoul, comparte su nuevo sencillo, “Sintonía”, de su próximo EP Amores Pasajeros. El track, es un testimonio de la devoción y del sentimiento cuando conoces a alguien especial. La letra transmite intensidad, alegría y el poder del amor en las primeras etapas de una relación. La pista es una fusión de ritmos afrocaribeños que puede transportar a cualquiera que la escuche a un lugar cálido y tropical. 

El tema llega acompañado por un visualizer y fue mezclado y masterizado en Dolby Atmos. Fue escrita por Immasoul, Mickey Cosio, Leo X y Mauricio Archundia. Producida por Mauricio Archundia, Rox Mills y Leo X. Mezclada y masterizada por Leo X.

Immasoul, representa el empoderamiento femenino a través de su suave música R&B y sus sonidos conmovedores, y es reconocida como una poderosa intérprete en vivo. Desde  2020, ha acumulado más de 2 millones de escuchas en todas las plataformas digitales. En 2021, fue nombrada una de las “Artistas latinas a seguir en 2021” de Audiomack.

La historia detrás de la polémica portada de cigarrillo de Arctic Monkeys

El hombre de la portada recuerda cómo cambió su vida debido a la controversia generada que la NHS del Reino Unido criticó fuertemente.

Las portadas de los álbumes tienden a quedarse en la mente de las personas de manera indeleble... Y si piensas en el legendario Revolver de The Beatles, el bebé que nada con Nevermind de Nirvana, o en el trasero de Bruce Springsteen en Born in the USA, puedes imaginar a lo que nos referimos.

Chris McClure se convirtió en una de las imágenes más icónicas para un álbum de los últimos tiempos, pero ¿conoces la historia detrás de la estrella de la portada de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (Lo que sea que la gente diga que soy, eso es lo que no soy)?

Este protagonista, que en realidad es el hermano del líder de la banda Reverend and the Makers, Jon McClure, conoció al grupo en el autobús una vez, luego fue contactado por el entonces bajista, Andy Nicholson, quien dijo que quería fotos de un hombre para su portada.

Pocos álbumes han tenido un impacto cultural tan duradero en el Reino Unido y en el extranjero en los últimos tiempos, como el álbum debut de Arctic Monkeys en 2006. El caso de la portada de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not, muestra a McClure fumando un cigarillo, y la foto no tardó en ser criticada por la NHS (Servicio Nacional de Salud del Reino Unido), alegando que "incitaba a la idea de que fumar estaba bien". El mánager de la banda negó esta acusación, y sugirió lo contrario: "puedes ver en la imagen que verlo fumar no le está haciendo nada bien".

Los extraños me pedían que hiciera la pose del cigarrillo. Los clubes llamaban y ofrecían tragos gratis toda la noche si bajaba. Me ofrecían miles de libras esterlinas para que fotógrafos me siguieran en una noche de fiesta", declaró Chris a un medio británico.

Arctic Monkeys está de vuelta en su carrera en Reino Unido y en mucho tiempo, por lo que para verdaderos fanáticos, vale la pena recordar cómo una portada hace historia. Pero peculiarmente porque ha sido fuerte y de alto impacto, en una era donde no fue aceptada para ciertas personas u organizaciones. Eso sí, muy exitosa, porque sí marcó la carrera de la banda.

 

 

 

 

Son Rompe Pera anuncia gira por Europa

La banda originaria del Estado de México se embarcará a un viaje por el otro lado del charco.

Con más de 20 fechas a lo largo del viejo continente, el grupo nacido en Naucalpan, Estado de México, prepara su gira Chimborazo vs Europe 2023, un proyecto con el que recorrerán por dos meses, distintos festivales y escenarios que llenarán con sus sonidos de danzón, punk y ska.

Gira producida por Clandestino, en la que Son Rompe Pera tocará sus más grandes éxitos y cargará la marimba durante 29 presentaciones que iniciarán el próximo 28 de junio, y que llevarán a la agrupación a recorrer ciudades como Londres, Barcelona y Madrid.

La banda también anunció esta mañana vía Instagram stories, que aún faltan muchas fechas por revelar, y sus fanáticos tendrán que estar al pendiente de los nuevos lanzamientos, así mismo, algunos de los shows ya cuentan con un link en el que podrás adquirir tus entradas, sin embargo, son pocos los que se encuentran en ticketmaster, así que mantente atento a todas las actualizaciones que tendremos para ti.

 

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Lana Del Rey llegó tarde al set de Glastonbury y le apagan micrófonos

La razón por la que la cantante tardó se debió a el peinado de su cabello.

Lana Del Rey llegó 30 minutos tarde, para subir al escenario donde dio su presentación este sábado en Glastonbury. El inquietante momento fue cuando los fans del lugar se preguntaban si la razón sería por fallas técnicas.
Llegué jodidamente tarde que estoy a punto de apresurar el set de hoy. Lo siento mucho, mi cabello tardó tanto en hacerse", fue lo primero que comentó la cantante al aparecer en el escenario.
La artista de 38 años comenzó su apresurado show, con alrededor de 15 rolas entre las cuales cantó versiones cortas como "The Grants", "Born To Die", entre otras más.
Para cerrar el show, pasó lo que Del Rey  temía que podía suceder; los organizadores de Glastonbury cortaron la energía del lugar, por lo que los micrófonos dejaron de escucharse. Ella protestó brevemente por lo sucedido y descendiendo entre la multitud cantó a capella "Video Games", donde seguido el acto, fue rodeada por gente de seguridad.
Glastonbury es una de las primeras presentaciones que vive Lana Del Rey en cuatro años de regreso y con apoyo a su último álbum, Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd, haciendo que la artista poco a poco retome apariciones en festivales.
En México estará el 15 de agosto en el Foro Sol, pero los fanáticos esperan que no aplique algo parecido, pues ha sido ansiosa su espera y Lana tiene mucho para dar, agregando las rolas más recientes de su carrera.

El Búho comparte “Calchaqui”

El DJ británico continúa en su búsqueda por recuperar algunas de sus joyas perdidas.

Meses después de haber lanzado su nueva versión de "Xica Xica", El Búho lo hace una vez más, y recuperada directamente de los archivos del ya extinto sello discográfico QTZLCTL, estrena hoy "Calchaqui".

Una joya perdida y experimental que desde sus inicios se posicionó como una de las canciones de culto en la escena electrónica, y que al día de hoy era prácticamente imposible encontrar, pero que gracias a la labor que puso en marcha El Búho de recuperar canciones descatalogadas e inéditas, ahora es posible.

Una fusión orgánica de downtempo, dub y sonidos psicodélicos que se funden con el estilo jazz que el músico ha explorado desde sus primeros temas, y que nos sumergen en los universos más místicos dentro de la mente del cantautor.

El nuevo sencillo también formará parte de su esperado álbum Quebrada, material que estará disponible únicamente en su plataforma vía Bandcampdonde de igual forma, podrás encontrar una canción más, con un nombre que aún es un misterio para aquellos que no están suscritos a la membresía.

 

Entrevista con The Budos Band

La hermandad que regresa al ruedo para continuar escribiendo una historia mística.

¿Qué pasa cuando encuentras una nueva puerta? La abres y te enfrentas un nuevo mundo del que puedes esperar mucho, o nada. The Budos Band es la prueba de que aquello que nos espera es mejor de lo que imaginamos y por ello, Jared Tankel, integrante de la banda, platicó con Indie Rocks! sobre esta nueva etapa para la banda.

Frontier’s Edge es el nombre del nuevo EP de la banda y también su primer sencillo que nos transporta al desértico viejo oeste porque ese fue el destino que nos deparó el portal, con un rasgueo de cuerdas que acompañan nuestra marcha y las trompetas que nos refresca bajo el sol. Un tema meramente instrumental y que así será en el resto del EP, porque siempre ha sido así. 

“Una cosa sobre los Budos es que no tenemos vocalistas, es solo instrumental y eso deja las posibilidades abiertas para nuestros fans y escuchas. Pienso que evolucionamos el sonido pesado de la guitarra que nos atrapó por un tiempo porque este álbum es un poco más uptempo en general; hay más acción, un poco del oeste, referencias al Señor de los Anillos…”

Para nosotros escribir y grabar es una misión exploratoria en la que nunca sabremos en qué mundo acabaremos”.

Y sí, el arte de este nuevo álbum es diferente aunque el estilo ya se había visto en los pasados Burnt Offering y el homónimo The Budos Band que parece continuar la travesía del enigmático personaje que concurre los artes, “la portada la diseñó nuestro baterista Brian, es nuestro artista principal para casi todo los materiales de la banda y pienso que está basado en explorar nuevas dimensiones y nuevos mundos”.  

Pero no basta con que una ilustración nos cuente la historia, hay que ponerle dinamismo y para eso está la música; misma que se ha encargado formarlos durante este tiempo. “En nuestros primeros días, era más probable que alguien llegara con algo totalmente trabajado y luego siguiéramos esa línea”.

Hoy, la banda tiene más de 20 años de formación, en los que han trabajado en diferentes materiales y recorrido diversas partes del mundo para llegar hasta este punto: "todas las canciones las escribimos en colaboración; llegamos y ponemos las cartas sobre la mesa, combinamos las ideas de una forma extraña e inesperada hasta terminar en algo que nadie predijo”, comenta Jared. 

Sin embargo, por más fantástica que sea la historia hay que saber terminar cada capítulo y cada libro para que los escuchas completen el ciclo y al final queden con la expectativa de querer saber más. 

Es un acuerdo no hablado que tenemos entre nosotros: averiguamos si algo no es bueno o no funciona para nosotros y luego suponiendo que trabajemos en ello, llegamos a un lugar donde se siente bien. Nos miramos, dimos golpes y dijimos 'sí, esto está hecho' o 'tenemos que volver para arreglar esto', lo que se. Simplemente tenemos una sensación”.

Originalmente la banda se formó en Nueva York. No obstante, cada miembro tomó un nuevo rumbo, pero lo que no esperaban es que Nueva York quedara para siempre en su esencia: “En los 2000’s, había una nueva escena naciendo en la ciudad, así que era muy fácil ver bandas de afro beat, soul, funk, metal, hardrock, todo en 1 semana. Fue muy importante para la formación de la banda. [...] Y desde que estamos juntos, en los ensayos o cuando salimos de gira, escuchamos música juntos todo el tiempo, en especial música de antaño, así que escuchar de todo nos ha ayudado, pero todo comenzó con Nueva York. 

Este verano, Seattle, Los Ángeles y parte del este de Estados Unidos ve partir a una banda, y no solo eso a una hermandad que ve su próximo tour como una reunión en la que se pondrán al día y disfrutará de estar en el escenario una vez más. 

Todos amamos tocar nuestros instrumentos, nuestra música, pero también estar juntos. Pudimos haber tocado más shows como The Budos si consiguiéramos sustitutos, pero nunca lo hemos hecho porque para nosotros es más importante la integridad de la banda. Si lo hubieramos hecho, no sería tan especial como lo es ahora”. 

Así que prepárate, porque The Budos Band vuelven al ruedo con Frontier’s Edge, pero eso no termina aquí, pues después regresarán al estudio en California y grabar su séptimo álbum. 

Inclusión LGBTTTIQA+ en Festivales Mexicanos

El arte LGBT+ dentro de la industria musical en México: logros y metas desde la visión de sus artistas.

Basta un nutrido lineup y un amplio spot para hacer vibrar a miles de almas en un festival y transportarnos a un estado de total libertad percibida a través de cada sentido, a través los poros, a través del alma y es precisamente así como la música nos impacta a todas las personas bajo la misma intensidad que no podemos hablar encuentros o eventos sonoros desde una postura que excluya, haga diferencias o ponga etiquetas.

En México, desde la década de los 80, la comunidad LGBT+ encontró en el campo del arte y la cultura, un espacio de expresión total en el cual podían sentirse cómodos, no juzgados, con libertad para expresar sus ideas, temores y emociones.

Por ejemplo, en aquellos años los grandes festivales musicales no tenían una libre apertura para artistas de la comunidad, sin embargo, siempre hubo espacios como el Museo Universitario del Chopo, en donde había múltiples colectivos artísticos de todos los colores, ideologías y preferencias, mostrando el valor su arte al mundo.

Así como la música debe ser libre y original, no podemos permitirnos limitar la expresión de la identidad y el amor de las personas, por este motivo, Indie Rocks! entrevistó a cuatro artistas que pertenecen a la comunidad LGBT+, quienes compartieron su visión de la industria musical en México relacionada con temas de inclusión, no sólo para difundirla este mes, sino todo el año.

Por su parte, la cantautora tijuanense Vanessa Zamora asegura que “cada vez hay más visibilidad en todos los aspectos dentro de la industria en México, pero creo que estar en un festival no debería de depender de cómo te definas, sino de lo que eres y quieres dar al mundo”.

Una postura que fue apoyada por Maricuir, una artista queer que asegura es bastante molesto e incómodo que se crea que, por ejemplo, en un festival si hay un exponente de la comunidad va a ser un show de nicho.

En México y el mundo nos falta mucho en la industria de la música, porque por ejemplo, creo que en los festivales se sigue pensando que si hay un artista de la comunidad LGBT+ es un evento o propuesta de nicho y que sólo lo va a ir a ver gente de la comunidad (...) Creo que ya debemos pasar ese pensamiento en el que sólo lo que hacen los hombres cisgénero es lo universal, creo que necesitamos aprender a que la propuesta artística de la persona que sea es universal y puede ser disfrutada por todas las personas”, reveló Maricuir, quien usa pronombres neutros y en femenino.

Por otro lado, Zemmoa (la primera artista transgénero en México en firmar con Universal Music) aseguró que a pesar de que en la industria faltan grandes avances para dar difusión no sólo este mes sino todo el año, ella se siente orgullosa, pues recordó que el estimado para una mujer trans en países como el nuestro es de 35 años.

Me siento orgullosa de mi arte, de ser yo y hacer música desde el corazón (...) Creo que los artistas LGBT+ ya somos artistas neurodivergentes y que al final de cuentas luchamos mucho con la salud mental por A, B o C de nuestras experiencias de vida y entonces tendemos a ser dispersos con nuestro proyecto y tendemos a estar un poco solxs, pero creo que poco a poco México va cambiando y la gente se va dando cuenta de la disciplina y corazón que un artista le pone a sus proyectos”, aseveró la artista de 36 años.

Por su parte, la artista Andrea Martínez, conocida por su proyecto Andru sorprendió en la Ciudad de México debido a que el pasado 17 de junio tocó los éxitos de su EP Lo haría todo de nuevo en la marcha lencha.

Me gusta pensar  y que se están haciendo cosas para que esta comunidad tenga más voz y sea más resonante en festivales (...) sobre todo en la música con el apoyo de por ejemplo en las plataformas al hacer playlist o por ejemplo visibilizar que hay más gente queer. Aunque creo que la utopía sería un festival de acceso universal con pures musiques de la comunidad”, puntualizó la joven que recientemente estuvo en el festival Coachella en compañía de Bratty.

Es de esta forma que una vez más reafirmamos que el arte es el conducto predilecto en el que las vidas convergen, sin importar sus pensamientos, gustos, disgustos, colores o sabores, los festivales musicales en México son una enorme industria en la que gran porcentaje de consumo es de la comunidad LGBT+, por lo que la tarea queda en hacer mayor reflexión sobre la inclusión los 365 días del año y no sólo 30 durante este mes.

Queen Of The Stone Age — In Times New Roman…

Pegándole a la pared.

La banda californiana Queens Of The Stone Age, presenta su octavo álbum de estudio, In Times New Roman… a través del sello Matador. El proyecto encabezado por Josh Homme regresa luego de seis años del Villians (2017), un disco experimental que presentó sonidos más limpios y rítmicos, alejándose de los parajes inhóspitos de otros materiales.

En esta ocasión, QOTSA regresa a los terrenos agrestes del stoner rock, en una búsqueda para encontrarse así mismos. Para nadie es sorpresa que estos últimos años han sido difíciles para todos, entre la pandemia, la crisis económica y las tragedias personales, esas que muchos no hemos contado, y tampoco es un secreto que Homme ha tenido bastantes dificultades recientemente, entre la separación, el luto y la enfermedad, se han acumulado un montón de ideas y emociones en la cabeza del músico y no ha encontrado una mejor manera que su arte para liberarse, hallando la catarsis entre el miedo y la furia. Esto nos lo deja claro con “Obscenery” es un inicio desprolijo para el álbum, con guitarras sucias, baterías potentes y los juegos de voces típicos de Homme, lo que se esperaría de una canción de QOTSA. No siendo una gran sorpresa, pero reconforta los sonidos familiares, lo reconfortante que puede llegar a ser un golpe en la cara. Seguida de “Paper Machete”, sobre la misma línea, pero con una dosis mayor de velocidad, redoblando la apuesta de ir duros y directos se encuentran con un tema más melódico y estructurado, es un ataque militar a gran escala y no una mera pelea de bar.

Es con “Carnavoyeur” donde se encuentra el punto de inflexión del álbum, casualmente, también es el tema central. Con mayor cadencia, dejan de intentar recordarnos quienes son y comienzan a demostrarnos qué pueden hacer. Dándose el tiempo y espacio necesarios para desarrollar sus ideas. También mencionar “Sicily”, la mejor canción del disco, que, con la misma base de los otros temas, logra una propuesta ambiciosa, introduciendo elementos adicionales, algo de oscuridad, pausas dramáticas y mucha espectacularidad. Por último, destaca “Emotion Sickness”, que nos prepara un final acorde a esta segunda parte del álbum, pero retomando la intensidad de la primera, regresan los guitarrazos y los falsetes, pero mejor armados y en posiciones estratégicas, dando una sensación de balance hacia el cierre del material.

En conclusión, es un buen disco, con luces y sombras como la vida misma. Las letras punzantes de Homme, evitan el patetismo de la situación, se percibe el dolor y el enojo del artista y de la persona, alguien que ha perdido todo, incluso a sí mismo, no encontrando una mejor manera de recuperarlo que tumbando las paredes que se le pongan enfrente. Pero también la ira es un sentimiento confuso, que nos hace erráticos y eso se aprecia en el disco, si no la sabemos manejar hará que nos perdamos en ese camino de fuego y obscuridad.

Ramona en el Foro Indie Rocks!

¡Qué noche la de anoche! Nos sumergimos en un mar de emociones en el Foro Indie Rocks!

La noche comenzó bien, el clima estaba tranqui y los asistente lo agradecimos. Adentro la euforia hizo que la temperatura subiera pero aún así, los ánimos no cayeron porque era mucha la emoción por disfrutar no solo a una, sino a cuatro bandas de la escena independiente.

En punto de las 19:00 H ya se notaba el flujo de asistencia, muchos deambulaban afuera de las instalaciones del Indie Rocks! fumando, comiendo algo rapidín para aguantar la fiesta, platicando con sus compas y, por supuesto, no podían faltar los que preferían ingresar de una a las instalaciones para echarse una cervecita para calentar motores, afinar garganta y entrar en mood de viernes de concierto.

Dentro del Foro, se podía respirar un buen ambiente entre amigos, parejas y hasta quienes iban solos. Todos estaban más que entusiasmados por el show que se venía.

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Fue en punto de las 20:00 H cuando el escenario principal recibió a la primera banda de la noche, The Citie que llenó de euforia al público chilango que los recibió de maravilla, pues la conexión que logró con todos los presentes fue magia pura. Toda la energía y el éxtasis que derramaron sobre el escenario, los hizo acreedores a una merecida lluvia de aplausos por parte de la audiencia.

La vibra que dejaron en el escenario hizo explotar a todos lo que disfrutamos cada una de su sueño notas, pues entre canciones de amor, desamor, relaciones a distancia y hasta un cover de una clásica canción mexicana, “Golpes en el corazón”, hicieron que todos cantáramos de principio al fin.

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Sin duda el show nos calentó para agarrar de frente lo que venía, pues el show de El Pillín nos hizo sentir de todo con su happy punk. Movimos de pies a cabeza con esos bites tan pronunciados y la euforia de toda su banda. Por supuesto también nos regaló un momento de nostalgia con la interpretación de “Espero que vuelvas”, una canción creada después del fallecimiento de su papá.

Aunque los corazoncitos se apachurraron un poco, no dejó caer los ánimo, pues con la participación de varios de los asistentes, levantó un grito de libertad al sacar de nuestro ser, todo lo que literalmente nos caga. Con la euforia al tope y lleno de éxtasis, Pillin, se lanzó sin más ante la audiencia quienes no dudaron en recibirlo y echar todo el cotorreo para cerrar así su presentación, donde recibió una cálida aclamación al son de “Pillin, Pillin, Pillin”.

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Durante el cambio de instrumentos para recibir a Entre Desiertos, los asistentes se encontraban ya en un punto cumbre, pues entre chelas y música es imposible no disfrutar cada momento. Fue así como en punto de las 21:22 H la banda pisó el escenario en un ambiente por demás prendido y enérgico. Entre Desiertos fue recibido por un frenético publico que se dejo llevar desde las primeras notas de “Llamarada fría” la cual fue coreada por varias almas y que por supuesto no pasó  desapercibida.

Entre aplausos, la banda anunciaba la presencia de Chuy (Ramona) para interpretar una última canción llamada "Amar a mares". Por supuesto agradecieron la invitación a ser parte del show que, para ese punto de la noche, ya era una locura total con un foro casi lleno.

Al terminar la presentación, los asistentes esperaban ansiosos ver a la banda completa en el escenario, pues ya se acercaba el momento de sentir la magia de Ramona.

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Así fue como el reloj marcó las 22:10 H, y la banda completa ya se encontraba en el escenario. “Tenemos una noche larga”, mencionó Chuy entre gritos y aplausos para dar comienzo a un setlist que pocos imaginábamos, pues nos regaló canciones de sus primeros discos y los sencillos más recientes. Ramona logró llenar de magia pura cada corazón que allí se encontraba cantando, coreando y bailando cada una de sus interpretaciones.

Chuy se mostró más que entusiasmado de volver a la ciudad donde la banda radicó cerca de cinco años y la cual fue pieza fundamental dentro de su vida musical, pues la banda ha experimentado un largo camino lleno de saberes en los que se ha tenido que acoplar a las circunstancias sin dejar de lado su esencia de romanticismo, alegría, energía, nostalgia, tristeza y todo ese mar de emociones que solo sus canciones hacen sentir.

Con un "Ir por un café”, Ramona hizo cantar a todos los ahí presentes, por supuesto también nos reglaron la interpretación de “Acércate”, para dar paso así a “Pídeme”, donde el foro se llenó de romanticismo y las parejas aprovecharon para hacer una que otra declaración y, por supuesto, confirmación de amor. Sin salirse de la línea llegó “Te llevo volando", donde la fuerza y los gritos de el publico no se hicieron esperar. Entre canciones, los ánimos subían cada vez más y no era para menos, pues la selección de canciones de la noche fue por demás acertada. Fue así cómo Chuy decidió bajarse del escenario y compartir con los asistentes para poder cantar con ellos.

Por supuesto que llegó el momento de corear uno de los covers más esperados, “La Gata Bajo La Lluvia” hizo resonar cada rincón del foro, recordando los inicios de Ramona, a la par de la gran amistad entre Omar y Chuy que han forjado la banda. La noche siguió entre canciones como: Bonita”, “Los Esclavos”, “Anillo de matrimonio”, la cual nos hizo sacar los pasos prohibidos y unos cuantos afortunados pudieran subir al escenario para persignar el piso en compañía de la banda.

Ramona nos regaló las interpretaciones de dos canciones que no habían sido tocadas antes en vivo, además se aventaron las que no podían faltar: “Ojitos soñados” y “Vete con él”.  “Digan siempre lo que sienten y no se lo guarden”, aconsejaba Chuy a su público mientras sonaban las primeras notas de “Si te digo lo que siento”. Finalmente llegaron "Mateo" y "Cecilia", que nos hicieron bailar y cantar, pero nadie quería que la noche terminara. Fue así, como entre gritos se pedía una última  interpretación y cerraron con broche de oro, pues “Tristes Ojos” sorprendió a los asistentes. Chuy bajó una vez más del escenario para sentir el calor de la audiencia.

Fue así como la noche se convirtió en un sueño sobre nubes, música, sentimientos y mares de emociones.