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Si bien desde hace apenas unos días está disponible el álbum War Eternal de Arch Enemy, hoy fueron publicados un par de temas nuevos, reversiones hechas por Michael Amott y compañía a "Nitad", de la agrupación sueca Moderat Likvidation, y "When The Innocent Die", original de la banda de punk Anti Cimex.
Ambas canciones se incluyeron en un flexi disc que acompaña el más reciente número de la revista Decibel, pero puedes escucharlas sin costo aquí abajo.
Tungas
Vamos Perdiendo el Corazón
Grabaxiones Alicia
2014
A diez años de su formación, Tungas sigue adelante buscando hacerse de un buen lugar dentro de la a veces complicada escena nacional. Por ello editó su primer álbum de larga duración, que conserva el sonido que ha caracterizado a la banda, pero que también refleja su madurez.
Vamos Perdiendo el Corazón es un disco que llama la atención gracias a su sonido punk rock potente y directo. Lo hecho por estos muchachos mexicanos nos recuerda mucho a lo creado hace algunos años por bandas argentinas como 2 Minutos y Attaque 77, por ejemplo, pero con el toque característico de Tungas.
El material comienza de forma tranquila con un preludio, antesala perfecta para el tema "Respira y Vuelve a Navegar", que nos da una idea inicial de lo que escucharemos durante las siguientes nueve canciones.
Aunque el sonido no cambia radicalmente en "Dicen Que Estoy Muerto", nos encontramos con una batería más veloz y la incursión de una atinada guitarra acústica, mientras Aldo Camalle canta una y otra vez "dicen que estoy muerto y que no hay nada más que hacer".
Justo cuando parece que "Nuestro Propio Camino" seguirá la línea marcada por los temas anteriores, explota con una melodía digna para armar el slam. La letra es un testimonio de las vivencias que Tungas ha experimentado durante su trayectoria y refleja muy bien lo que significa ser una banda de rock: la hermandad, confianza y trabajo en equipo.
La intensidad baja un poco en "Todo Es Tu Culpa" y "El Ferrocarril", dando paso a otro de los grandes momentos del álbum con "Punx" que, en poco más de dos minutos, nos regala grandes riffs y fuertes golpes de batería.
Las guitarras y baterías rápidas se hacen presentes de nuevo en "Los Que Creen Saber", otro gran tema,que nos recuerda cómo debería sonar el punk rock. Luego llega "Juventud Deprimida", que bien podría ser adoptado por las nuevas generaciones como un himno de rebeldía y libertad, y de inmediato te invita a saltar y cantar acompañado por todos tus amigos.
Vamos Perdiendo el Corazón finaliza con "Ilumina Mi Mundo" y "No Hay Futuro, No Hay Sol", temas que cierran el viaje con la misma fuerza del inicio, así que podemos decir que se trata de un álbum redondo, que mantiene su esencia a lo largo de sus once tracks.
El tema "Red Eyes", incluido en el más reciente y laureado álbum de The War on Drugs, Lost in the Dream, fue tomado por la cantante y compositora escandinava Alice Boman para un cover que si bien no está incluido en su nuevo EP, sirve de promoción para el mismo.
La canción fue interpretada por Boman para la radio nacional sueca, y en lugar de las características guitarras originales del tema, agregó unas dulces notas de piano.
A poco menos de un mes de la salida de su nueva producción discográfica, la primera en casi seis años, Judas Priest compartió un nuevo adelanto titulado "Dragonaut", el cual puedes escuchar aquí abajo.
Desde hace un par de semanas está disponible en tiendas, Artificial Sweetners, cuarto álbum de estudio de la agrupación británica Fujiya & Miyagi, del cual ya fueron presentados "Tetrahydrofolic Acid", "Flaws" y hoy podemos disfrutar del tema que le da nombre, acompañado por su videoclip oficial.
Meses atrás fue confirmado el lanzamiento de un nuevo EP en solitario de Dave Sitek, guitarrista de TV on the Radio, del cual no se dieron más detalles y el cual aún no ha sido editado. Por fortuna, hace unas horas fue compartido el tema inédito "God Damn Beauty", que se podrá adquirir en iTunes a partir del 17 de junio.
Mientras nos preparamos para recibir a Au Revoir Simone nuevamente en México, el trío compartió su versión de "Fade Into You", tema original de Mazzy Star, para el que contaron con la colaboración de Nikolai Fraiture, bajista de The Strokes.
Tres años tuvieron que pasar que que Warpaint pisara tierras mexicanas de nueva cuenta. En esta ocasión, ante un público mucho más entregado y expectante, las californianas hicieron gala de esa elegancia y pulcritud en cada acorde como sólo ellas lo saben hacer.
Las puertas del antes Salón 21 todavía ni siquiera se abrían cuando la fila para accesar al recinto llegaba hasta la avenida Río San Joaquín. Una vez adentro, un cúmulo de gente se arremolinaba en la parte media de la plancha, mismo que crecía conforme pasaba el tiempo.
A las nueve con un minuto, Las Robertas salieron a escena para interpretar temas de su más reciente producción, Days Unmade. Luego de una hora de espera, los empujones y gritos aclamando al cuarteto se vieron difuminados cuando Emily, Theresa, Jenny y Stella subieron al escenario para interpretar “Intro”, mismo que dio pie a “Keep It Healthy”. No había más, los asistentes habían sido conquistados, estaban extasiados con los celulares arriba, tratando de llegar hasta delante; necesitaban más dosis de Warpaint.
Impresionadas ante el caluroso y eufórico recibimiento de los mexicanos, en su mayoría mujeres, agradecieron con “Hi”, “Bees” y “Composure”, preámbulo perfecto para “Undertow”, canción que tanto en 2011 como ahora, fue la más coreada por el público. Continuaron con “Biggy” y “Love Is To Die”; ésta última considerada como uno de los mejores tracks de su material homónimo.
Si bien ya no es novedad el uso del celular en cualquier situación de la vida cotidiana, la desesperación por capturar ese momento se tornó inconmensurable. Hubo momentos en los que no se veía otra cosa que no fueran teléfonos móviles arriba, bajo una dicotomía entre los que bailaban, disfrutaban y los que grababan sin parar.
“Disco//Very” fue el tema designado para cerrar la primera parte del concierto, entre movimientos cadenciosos, levantamiento de manos e incluso saltos y gritos desesperados, anhelantes por escuchar más.
Las luces semi-apagadas y los ojos fijos al templete mientras Emily, Jenny y Stella ofrecían reverencias a los asistentes. Al mismo tiempo, Theresa, robando uno que otro suspiro, dedicó unas palabras a manera de introducción para lo que estaba por venir, el primer encore con “No Way Out”.
Ya casi entrada la medianoche, “Ashes to Ashes”, tema clásico de David Bowie, llegó para culminar aquella gala a través de guitarras distorsionadas y prolongadas que se unieron a la tan esperada “Elephants”, cuya interpretación duró más de 10 minutos, retumbando en los oídos y corazones de todos. Su efecto, además de ser catártico, fue de tristeza, pues fue así como Warpaint dio por terminada su presentación, que en definitiva las marcó, pues jamás esperaron tal entrega y concurrencia.
Después de seis años, el afamado productor británico de música dub, reconocido por su pasión hacia los ritmos jamaiquinos, Adrian Sherwood, regresa a México para presentarse en El Plaza Condesa como parte del International Dub Club.
Con más de 30 años de producir para grandes personalidades de la talla de Depeche Mode, Primal Scream, and Sinéad O'Connor, y haberse lanzado en una carrera en solitario con el álbum Never Trust a Hippy, el músico ha sabido sobresalir en la escena musical gracias a su entrega, perfeccionismo y sonido único. En entrevista con Indie Rocks! el artista compartió algunas de sus anécdotas y de su entusiasmo de pisar nuevamente tierras aztecas.
“Empecé a producir cuando tenía 17 años y dirigía un pequeño sello discográfico en Inglaterra. Conocí músicos importantes y empecé a grabar música. Las cosas se dieron solas, no pensé que sería un negocio. Fui muy afortunado de trabajar con gente importante”, dijo Sherwood sobre el inicio de su carrera.
El vivir en un país multicultural como Inglaterra, permitió que Sherwood, quien a temprana edad se interesó por todas las variantes de jungle, lograra que no existieran divisiones entre lo géneros jamaiquinos y el new wave o el punk, ritmos de gran auge en dicho país.
De acuerdo al productor, la música reggae es la mejor, debido a que es música creada para Dios. Sherwood considera que el dub es un ritmo muy especial, dice que tiene más sabor que cualquier otra música: “El dub permite desarrollar la imaginación de los oídos. Es un ritmo más picante y con mayor cuerpo sonoro que cualquier otra estructura o ritmo. El sonido especial de los bajos y luego de la batería lo convierten en una cálida y sexy terapia (risas)”.
Para Sherwood, lo más importante para triunfar como productor es generar un sonido propio: “Pasé cientos de horas en el estudio. Me daba cuenta qué efectos o qué técnicas me gustaban más, y fue así que la gente comenzó a reconocer mi propio sonido. Pronto comenzaron a pedirme que mezclara sus discos porque querían tener mi sonido. ¡Eso me sorprendió mucho!”.
El británico comentó que mientras está en el escenario solo piensa en pasarla bien, y de esta manera transmite lo mismo al público. “Cada vez que voy a dar un show, estoy un poco nervioso y soy aprensivo, quiero que todo este bien”, agregó. Sherwood dijo que es común que ocurran imprevistos durante las presentaciones, pero estos deben ser solucionados inmediatamente.
Desafortunadamente, lo que recordó como uno de los peores momentos de racismo, fue durante una presentación en la que apoyaba a Blur en el Centro de Convenciones Wolverhampton.
Sherwood tuvo que tocar durante dos horas escuchando el abucheo de la gente que odiaba el reggae y solo quería escuchar guitarras: “Eso fue como hace 10 años. Un amigo y yo terminamos peleando con el público, pateando personas… todos eran muy racistas y agresivos. Mi hija estaba cantando conmigo en el escenario, recuerdo que fue horrible”, lamentó Sherwood.
En espera de que no se repita un momento tan penoso como el que Sherwood pasó con los fanáticos de Blur, estaremos con los oídos más que abiertos y con el cuerpo listo para moverse al ritmo del candente dub de Adrian Sherwood en el International Dub Club junto a Mad Professor y Dub Dinasty este próximo 14 de junio.
Cuando se trata de fronteras, la creación sonora no requiere pasaportes ni estar del mismo lado. El arte se construye con raíces entremezcladas y para Ghost Magnetic Roach Model, Tijuana y San Diego son elementos que los colocan en un epicentro perfecto. En entrevista para Indie Rocks!, la agrupación destiló sus comienzos.
"El proyecto nació en San Diego, tocábamos con músicos americanos y también un austriaco. Cuando vine a vivir a Tijuana, hace 8 años, nos empezamos a juntar con artistas visuales como Julio Orozco y Daniel Ruanova", relató Shinpei Takeda, guitarrista del proyecto.
Más allá de una definición musical o artística, Ghost Magnetic Roach Model replantea un nuevo concepto con intervenciones sónicas, las cuales moldean y explotan los talentos artísticos de los integrantes para crear una experiencia multi-sensorial llamada ‘PUNKFORMANCE’ para que “salgan las cucarachas" , comentaron.
Los roles de cada integrante de la agrupación influyen en las cualidades del producto, algo que Shimpei Takeda explicó. "Básicamente, Tony toca la guitarra, Brian toca la pila y Daniel se encarga del bajo. Crean sonidos construyendo esculturas o juegan con frecuencias Lo-Fi, Tape Players y VHS Players mezclando melodías y ruidos mientras yo toco la guitarra, teclados y hago visuales".
Entre dos músicos estadounidenses, dos artistas mexicanos y uno japonés, crean algo que puede suceder sólo en la frontera post-global de Tijuana; cinco historias, tres nacionalidades y un conjunto de aspectos geo-políticos que los retaron a desafiar la situación con intelecto y con base en las nuevas facilidades de comunicación como skype. "Creemos que nuestra colaboración artística llega mas allá, por ello calificamos al proyecto como neo geo-político, ya que compartimos la patología de cada quien; entre la decadencia americana, la corrupción de México y el caos japonés", comentó Ruanova.
En busca de una justa clasificación entre grindcore y arte sonoro, GMRM se convierte en un ritual para el mundo contemporáneo, lleno de sonidos e imágenes que hacen que la gente los odie o los ame, según Takeda. "'Punkformances' fue el término que esculpió Daniel Ruanovab y en él se revela la repetición del ciclo de la vida: destrucción y creación, caos y orden, armonía y disonancia.
Dar cabida en la escena musical a GMRM no ha sido sencillo, aunque su peculiar concepto los ha llevado a lugares como el Zajia Lab (templo de 500 años en Beijing) para poder darle el merecido eco a su lenguaje. Entre sus próximos planes se incluye la realización de un documental e estrenarse el próximo año, el cual incluirá material que han recopilado durante sus presentaciones de los últimos 8 años.
