Entrevista con Demencia Infantil

Un manifiesto sonoro para la escena independiente en México.

Demencia Infantil es una de las bandas que tomó fuerza con la oleada de proyectos autogestivos de la pandemia. En 2020 el futuro era incierto, el ambiente era hostil y los amigos y la música eran lo único que ayudó a algunas personas a salir adelante. En ese contexto, Demencia Infantil comenzó una carrera que los llevaría a colocarse como un proyecto referente de la música alternativa en nuestro país. Ahora, casi seis años después, Demencia Infantil estrena su primer álbum de larga duración, Monigote Cualquiera.  

Indie Rocks!: Cada cabeza es un mundo, cada uno de nosotros somos diferentes y a veces encontrar ideas en común es complicado, en particular, al momento de hacer canciones. Ahora que ustedes cambiaron de alineación, ¿cómo les va juntando sus ideas y concretándolas en su música?

Demencia Infantil: Pues, creo que ahora estamos en un momento de incertidumbre, porque acabamos de grabar nuestro primer disco, que se hizo esperar mucho. Ahora que ya lo tenemos y que nos tardamos casi un año en grabarlo, estamos en el punto de "¿y ahora qué?". Queremos seguir teniendo perspectivas sobre lo que hicimos, pero al mismo tiempo queremos cambiar, seguir adelante con otras cosas.

Es como volver a empezar, una página nueva, y encontrar, quizás, otra manera de trabajar desde cero. Entró Artu, luego Emi, y fue una inyección de mucha creatividad, muy nueva, diferente, súper chida y muy rápida. Y ahorita creo que nos estamos enfrentando a tocar piso y a empezar a construir desde cero; a intentar chambearle otra vez.

Indie Rocks!: Sí, es curioso que comenten que se tardaron mucho en sacar el disco, pero antes los procesos eran así, ¿no? O sea, un año incluso era rápido para una producción. Sin embargo, estamos en tiempos en los que hay bandas como King Gizzard and the Lizard Wizard u Osees que sacan muchos discos al año. Parece que estamos en el rush de la producción musical. En su caso, estamos hablando de un disco debut después de que Demencia Infantil ha existido por casi seis años. Entonces, ¿cómo les va lidiando con esa carrera contra el tiempo?

Demencia Infantil: La verdad, no fue tanto una carrera, sino que el proyecto se fue adaptando a las necesidades que iba teniendo, solo que sí fue algo que se postergó un montón. Nos enfocamos tal vez más en tocar y seguir componiendo a la par de tocar un chingo, seguir creciendo y buscar convivir con más proyectos y demás, lo que nos obligó a terminar haciendo las cosas de esa forma. Ahorita sí ha sido un alivio, de cierta forma, liberar todo, ya no cargar con estas rolas. Como estas canciones llevan ya mucho tiempo también, quizá es un poco raro para ojos externos ya querer soltarlas y pasar a lo que sigue.

Indie Rocks!: Sabemos que vienen de todo lo que ni siquiera sabemos definir muy bien, pero que llamamos escena local. Y una pregunta obligada es, ¿en qué momento estamos en la música independiente en México?

Demencia Infantil: Pues, desde mi punto de vista personal y de la experiencia que hemos tenido, siento que estamos un poco en el límite de ver si esto es algo real. No, no tanto real. O sea, es real, pero como si fuera este momento de ver la verdad, a través de que no todo es solo toquines independientes, ¿no? Se están empezando a ver muchas cosas que también fallan en esto que llamamos la música independiente. Entonces, siento que o se va a concretar algo muy chido —y se está concretando—, o solo van a salir algunas supervivientes.

Empezó todo un movimiento aquí después de la pandemia; cada quien empezó a intentar hacer su parte en todo esto. Y como que le dio igual a las grandes distribuidoras, o no sé, y entonces empezó a haber un motor atrás de eso.

Pero creo que ya pasamos de ese estado de empezar, y ahora estamos en qué resultados da, ¿no? Y eso puede llegar a dar un poco de miedo. Al final, siguen siendo tocadas muy baratas, que está bien, pero al mismo tiempo los artistas no ganamos. Estamos en un punto en donde sí se necesita que haya algo que empuje más, más allá de sólo hacerlo por el rock.

Además de que, al menos las bandas que conocemos, son proyectos en su mayoría autogestivos, y el dinero que se gana dentro del proyecto se va reinvirtiendo. Entonces, sí es de pronto un poco incierto qué tanto tiempo podrán durar las cosas en general. Y a quiénes también, porque, pues, sí hay una escena muy grande y cada vez hay más y más proyectos muy chidos, también de gente muy, muy joven.

Pero justo es como, si se va a seguir el movimiento a que siempre sean gente de 19 años tocando y reestableciéndose, o si sí se genera un buen movimiento independiente en México, en donde sí se puedan mantener las bandas. Eso es a lo que me refiero un poco. Y chance eso es gran parte de lo que hemos hecho, no sólo nosotros, pero en general, como generar eso y que ya exista esa base. Pero, para nosotros, ya no hay como... o sea, ya hay un limbo ahí arriba, ¿no? O sea, como de aquí a un Vive Latino, hay... o sea, no sabemos si vamos a llegar, ¿sabes?

Entonces, es interesante, y siento que muchas de las bandas que se supone que son de la escena o lo que quieras, están un poco en eso: en donde, bueno, pues puede ser como tu hobby de cada seis meses juntarte con tus compas y tocar, o puede ser algo más... o solo desaparecer.

Indie Rocks!: Sí, cuántos proyectos no hemos visto aparecer y desaparecer en estos tiempos, ¿no? Y cuántos grupos se han juntado en alguna alineación y luego se separan y se juntan en otra alineación y funcionan mejor o en diferentes cosas. Definitivamente sí es importante dignificar, porque al final de cuentas la música no deja de ser un trabajo, ustedes no dejan de ponerle tiempo, dinero, esfuerzo, todo, y al final también se necesita que sea retribuible.

Demencia Infantil: También no solo para la gente que tocamos, sino para todo lo que no se ve: la producción, la gente que hace fotos, la gente que hace periodismo, el público que asiste también, ¿no? Que luego son situaciones muy complicadas y precarias muchas veces. Entonces, pues justo supongo que es un poco parte de lo que estaría chido ir construyendo.

Indie Rocks!: Y hablando de más proyectos independientes, Perritos Genéricos y Aguacero son sus invitados para el show que tendrán en Foro Indie Rocks!, ¿Qué admiran de ellos?

Demencia Infantil: Pues de Perritos Genéricos a mí me parece un proyecto muy único. Creo que sería la palabra que usaría, como una creatividad muy única, muy divertida y muy genuina. Como que generan una comunidad en el propio concierto, en donde todo es súper festivaloso, en el sentido de festejo. Y es mi banda favorita en vivo de este país, sin duda. Y por eso los invitamos.

Aguacero creo que justo traen una propuesta chida, como medio shoegazera, dreampopera, muy interesante, que se me hace bastante fresca. Y creo que está muy chido también dar oportunidad a gente que chance no ha tenido tantas tocadas o espacios, que van empezando. Tocan bien chido. Hace poco tocamos con ellos y son bien chidos, muy buena onda.

La presentación oficial del álbum Monigote Cualquiera será en el Foro Indie Rocks! este 20 de septiembre y tú no te puedes quedar fuera de este momento épico en la historia de la escena alternativa. ¡Consigue tus boletos aquí

Demencia infantil foro ir

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

“Novela”, lo nuevo de Paz Lenchantin

Un melodrama lleno de teatralidad y un performance sublime.

El nuevo álbum de Paz Lenchantin, Triste, saldrá el 17 de octubre. Su sencillo, "Novela", ya está disponible a través de Hideous Human Records, su propio sello discográfico.

"Novela" es un paisaje sonoro relajado y cálido con ritmos maximalistas que envuelven una aventura interesante y magnética. La composición de Paz explora la balada española clásica con una narrativa introspectiva de autoaceptación y una profunda estructura emocional, buscando transmitir un melodrama reflexivo.

La canción se complementa con un video oficial, dirigido por la cineasta y amiga de la artista, Maximilla Lukács. El video destaca por su estética vintage, divertida e irónica, y su arte abstracto y efímero, lo que contribuye a la evolución exponencial del tema con una teatralidad sublime.

El proyecto Triste consta de 12 canciones que fusionan las texturas del folk latino con el rock estadounidense. Paz se destaca como productora, escritora y compositora, aportando una personalidad única a los arreglos musicales de esta propuesta.

Después de casi tres décadas como bajista, vocalista y coautora de bandas icónicas como Pixies, A Perfect Circle, Zwan y The Entrance Band, Paz emprende un nuevo camino. Ahora, busca su propia voz de forma independiente, con una propuesta que se caracteriza por ser experimental y alternativa.

Dale play a "Novela":

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Massive Attack abandona Spotify

Una rebelión digital que se hace cada vez más grande.

Continuando con la tendencia de artistas que retiran su música de Spotify, la plataforma de música líder a nivel mundial, Massive Attack se une al boicot. La banda ha decidido romper lazos con la empresa en respuesta a la millonaria inversión del director ejecutivo, Daniel Ek, en inteligencia militar.

Los pioneros del trip hop de Bristol se han unido a la revolución digital, alineándose con más de 400 bandas, artistas y sellos discográficos independientes. Estos grupos se han declarado en resistencia contra un sistema autoritario, retirándose permanentemente de la plataforma de streaming más popular. Han manifestado su clara oposición a la militarización y se han pronunciado abiertamente en contra de la campaña de genocidio de Israel, manteniendo firmes sus ideales.

No Music For Genocide”, se lee en el Instagram de la banda.

Massive Attack ha solicitado a Universal Music Group, su sello discográfico, la retirada de toda su música de los servicios de streaming (DSP) en Israel. El grupo también ha condenado otros crímenes de odio históricos, como la represión, la segregación racial y la discriminación institucionalizada que sufre Sudáfrica.

El dinero ganado con tanto esfuerzo por los fans y el esfuerzo creativo de los músicos acaba financiando tecnologías letales y distópicas".

El problema ha escalado exponencialmente en los últimos meses. Massive Attack es el caso más reciente, sumándose a otros artistas que lideran este boicot internacional, como Xiu Xiu, Deerhoof, King Gizzard & The Lizard Wizard, Hotline TNT, Young Widows, entre muchos otros.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Thundercat

Música, gatos, moda y la vida después de cinco años en México.

Han pasado cinco años desde la primera presentación de Thundercat en la Ciudad de México. En este tiempo, el bajista, cantante y productor californiano ha vivido transformaciones personales y artísticas que lo han llevado a colaborar con figuras como Kendrick Lamar, Flying Lotus y Mac Miller, consolidándose como uno de los artistas más singulares de la escena global. Entre confesiones sobre moda, redes sociales, anime y hasta bandas imaginarias con personajes de caricatura, Thundercat nos abrió un panorama íntimo y honesto de su mundo previo a su presentación en México y la víspera del lanzamiento de su nuevo sencillo titulado "I Wish I Didn't Waste Your Time".

Indie Rocks!: Han pasado cinco años desde tu primer show en la Ciudad de México. ¿Qué ha cambiado para ti en tu música y tu vida en este periodo de tiempo?

Thundercat: ¿Qué ha cambiado para mí? Muchas cosas. No sé… beber era algo muy importante en mi vida, y eso cambió drásticamente. Y de ahí vino tomar mejores decisiones, creo.

IR!: Has trabajado con artistas como Erykah Badu, Mac Miller, Kendrick Lamar. ¿Cuáles han sido tus colaboraciones favoritas y por qué?

T: No sé, muchas veces puedes identificar los momentos fácilmente, pero hay otros que no tanto. Creo que una de mis personas favoritas para trabajar en la vida ha sido Flying Lotus, pero también Mac, por supuesto. ¿Por qué? Porque con algunas personas simplemente fluye, ¿sabes? He disfrutado cada parte del proceso de trabajar con Flying Lotus y también con Mac Miller.

IR!: Creciste en un ambiente musical. Tu hermano es baterista de jazz, tu otro hermano tocó en The Internet, y tu papá fue baterista de The Temptations, Gladys Knight y muchos más. ¿Cómo influyó esto en tu música o en tu sonido?

T: Creo que al estar tan presente en mi casa mientras crecía, fue muy fácil hacerlo. Todos en mi familia son músicos, así que no fue algo en lo que tuviera que pensar mucho. Era simplemente inevitable.

IR!: Si pudieras armar una banda usando solo personajes de caricatura, ¿a quién elegirías y qué tocarían?

T: ¿Una banda de caricaturas? Vaya, esa es muy específica. Pues, para la batería tendría que ser Animal de Sesame Street. En piano no pondría a Shinji, porque Shinji apesta y todavía tiene mucho que aprender. Tal vez Frank Sinatra Jr. de Family Guy estaría en los teclados. Y eso es todo lo que se me ocurre por ahora.

IR!: Siempre hablas de la relación entre ser un hombre y ser un gato. Los gatos son parte de tu identidad. ¿Por qué elegiste ese animal?

T: Siento que hay un dicho: “el gato te elige a ti”. Creo que, esencialmente, eso fue lo que pasó conmigo. La naturaleza del gato me eligió y tomó otra vida en mí.

IR!: Música y moda. ¿Cómo ves la conexión entre ambos mundos?

T: Ambos son formas enormes de expresión. Siento que la manera en que te vistes refleja cómo te sientes contigo mismo. Trato de mantener el mismo principio: ser honesto en la música como lo soy con la moda. Aunque sí, la moda es dolor, seguro. Si no duele, no lo estás haciendo bien.
Y sí, me encanta Rick Owens, aunque no es lo único que uso. Tengo un clóset muy diverso, pero soy gran fan de su trabajo. La moda y la música van juntas, como la mostaza y la catsup.

IR!: ¿Tienes algún ídolo en la moda?

T: Mi mamá. Todo lo aprendí de ella. Siempre ha sido una persona muy expresiva, no se trata de marcas ni precios, sino de ser ella misma. Y creo que esa fue mi primera lección de estilo.

IR!: ¿Cómo lidias con las redes sociales?

T: Es raro, vivimos en una época en la que parece que siempre estás en televisión, incluso cuando duermes. Hay que aprender a poner límites y protegerse emocionalmente. No creo que las redes lo sean todo: Jimi Hendrix, Miles Davis, David Bowie u Ozzy Osbourne no las necesitaron. Yo soy más artista que influencer. Y aunque a veces se ve quién soy ahí, sigo protegiéndome del internet, porque puede ser muy traicionero.

IR!: ¿Qué estás escuchando ahora?

T: Siempre escucho cosas distintas. Por ejemplo, Lewis Cole, Pedro Martins, la japonesa Misaki Ume, y el nuevo disco de JID. También Sleep Token, Anatole Mustard, Hadrian Farrad con mi amigo Taylor Graves. Espero con emoción el nuevo álbum de Erykah y The Alchemist. Siempre vuelvo a los soundtracks de anime y de Sonic the Hedgehog. Hay tanta música buena saliendo que solo trato de mantener mi mente abierta. Todo lo demás, como redes o tendencias, es extra. Lo importante es crear y respetar lo que otros comparten, incluso si no viene acompañado de un “contenido cool” para internet.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

DRAIN llega con “Scared Of Everything And Nothing”

Un tema introspectivo e intenso.

DRAIN presenta "Scared Of Everything And Nothing", el cuarto y último sencillo de su próximo álbum de estudio, ...IS YOUR FRIEND. Este trabajo, que promete ser una pieza fundamental en la escena hardcore, estará disponible a partir del 7 de noviembre a través de Epitaph.

Con un paisaje sonoro intenso y brutalmente visceral, el vocalista Sammy Ciaramitaro buscó plasmar en este tema la emoción de los grandes sueños de juventud, cuando aún se es inexperto en la vida. La canción refleja el sentimiento de explorar el mundo a través de nuevas experiencias y la satisfacción de triunfar al atreverse a hacer algo nuevo.

Esta canción nos recuerda que debemos disfrutar el presente y concentrarnos en el ahora. Nos recuerda que, independientemente de lo que la gente vea por fuera, siempre hay una lucha interior. Aunque pueda sonar mal, creo que cualquier vida que valga la pena vivir estará llena de obstáculos, depende de nosotros luchar, superar la adversidad y convertir nuestra realidad en lo que queremos",  añadió Ciaramitaro.

El video musical de "Scared Of Everything And Nothing" presenta una estética cinematográfica clásica del nu metal, con el distintivo efecto de ojo de pez y una atmósfera noventera. La actuación evoca la época dorada de la escena, mientras que el metraje, dirigido por Eric Richter, captura la esencia visceral y directa de un resurgente movimiento hardcore. De manera cautivadora, el video explora la dualidad de un tema honesto y directo, pero con una narrativa profunda.

DRAIN está por lanzar su nuevo álbum de larga duración, ...IS YOUR FRIEND. Este disco muestra una nueva faceta, más introspectiva y reflexiva, con una atmósfera sonora intensa y pesada. Llena de vibrantes destellos de ferocidad en sus guitarras y guturales, la banda se posiciona en una atemporalidad musical dentro de un género que aún tiene mucho que ofrecer.

Disfruta de “Scared Of Everything And Nothing”:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Kiesza

Entre el baile, la vulnerabilidad y un regreso esperado a México.

Tras conquistar al mundo en 2014 con "Hideaway", Kiesza regresa a la Ciudad de México casi una década después para presentar su Dancing and Crying Tour. La artista canadiense, que ha colaborado con figuras como deadmau5, Skrillex, Jack Ü y Rihanna, se reencuentra con su público en un momento clave de su carrera, marcado por un renacer creativo después de años de sanación tras un accidente que la alejó de los escenarios. Con Dancing and Crying Vol. 1 y un inminente Vol. 2, Kiesza explora nuevas facetas de la música hecha para la pista de baile, entre la catarsis, la sensualidad y la búsqueda de una conexión honesta con quienes la escuchan.

Indie Rocks!: Tu relación con México comenzó en 2015 y ahora regresas con tu primer show en solitario en el Foro Indie Rocks!. ¿Qué significa para ti volver casi una década después y reencontrarte con el público aquí?

Kiesza: Es increíble, porque la Ciudad de México es una de mis bases de fans más grandes. Si revisas mis estadísticas y números en línea, está siempre entre los primeros lugares. Para mí es emocionante poder venir finalmente, siento que se lo debo a mis fans en México. Y honestamente, me siento mal de no haber venido más seguido.

IR!: Tu nuevo EP, Dancing and Crying Vol. 1, marca una etapa fresca en tu música. ¿Qué buscabas transmitir con estas canciones y cómo se conecta con lo que vendrá en la segunda parte?

K: Este proyecto nació después de mi accidente automovilístico en 2017, que me alejó de la pista de baile durante muchos años. No podía estar en un venue por mi lesión cerebral y eso afectó lo que hacía musicalmente. Cuando empecé a sanar, me di cuenta de que hacía tiempo que no creaba música de baile, justo lo que más ama mi público. Por eso decidí hacer un proyecto enteramente enfocado en el dance, pero fusionándolo con otros géneros y explorando diferentes sonidos. Vol. 1 fue muy experimental: deep house, club beats, hasta folk y acústico mezclado con house. Con Vol. 2 surgió mi lado más performático y sensual, sobre todo trabajando con Sammy Virji en “Stays in Bed”, que definió la dirección de ese volumen. La música siempre se va escribiendo sola en el estudio, es algo muy orgánico.

IR!: Tus letras transmiten una carga emocional muy fuerte. Has colaborado con artistas enormes de la música electrónica y pop. ¿Qué diferencias encuentras entre componer para ti y trabajar con otros?

K: Justo eso es lo que representa "Dancing and Crying": el equilibrio entre lo bailable y lo emocional. Mis colaboraciones casi siempre suceden de forma natural. Por ejemplo, en "So Erotic" pensamos que Peaches sería perfecta, le escribí por Instagram y respondió casi de inmediato. Se sumó al estudio y empezó a escribir al instante. Todo fue muy orgánico. Así me ha pasado con la mayoría: si la canción me inspira, no importa si el artista es famoso o no, me gusta trabajar con cualquiera que me mueva algo, especialmente con amigos o gente de mi comunidad cercana.

IR!: De manera general, ¿de dónde viene la inspiración para ti? ¿Es la vida misma o comienzas con un tema específico y construyes a partir de ahí?

K: La inspiración para "Dancing and Crying" vino de mi proceso de sanación. Cuando no podía bailar, lloraba mucho, pero me di cuenta de que ambos actos me daban la misma liberación. Tanto bailar como llorar son expresiones honestas y físicas que conectan directamente con nuestras emociones. Por eso este proyecto es como una montaña rusa catártica: un equilibrio entre lo vulnerable y lo sensual, entre dejarse ir en la pista o en las lágrimas.

IR!: Con tantos géneros dentro de tu discografía, ¿cómo decides qué dirección sonora tomar para cada canción?

K: Siempre sé que, al final, todo será música de baile. Trabajo con productores que capturan mi visión y que se atreven a arriesgarse más allá de lo que yo haría sola. Yo me enfoco en la composición, aunque produzco, me gusta trabajar en el estudio junto con ellos. A veces parto de una idea y la desarrollamos juntos, otras veces alguien trae un beat y lo transformamos. Es como un baile en sí mismo: mucho ida y vuelta, improvisación y, sobre todo, diversión. Creo que lo que sentimos en el estudio se transmite directamente en la música.

IR!: ¿Cuál es el secreto para seguir haciendo música y no caer en la monotonía?

K: Para mí, el secreto está en la disciplina. Si no bloqueo fechas específicas en el calendario, el tiempo deja de existir. Cuando trabajo en un álbum, dedico dos semanas enteras sin distracciones, y en esa intensidad surgen cosas muy valiosas. Claro que también hay que saber detenerse, dejar reposar las canciones y volver a escucharlas con frescura. Pero sí, siempre es un proceso vivo, nunca está realmente “terminado”.

IR!: Tu música equilibra lo emocional con lo bailable. ¿Cómo logras esa diferencia entre lo que pasa en el estudio y lo que sucede en un show en vivo?

K: En vivo todo es más crudo y real. En el estudio puedes editar hasta el último detalle, pero en el escenario lo que pase, pasa. Me gusta que los shows fluyan como un DJ set, con transiciones y momentos inesperados. Si me equivoco, no importa: al público le gusta esa vulnerabilidad porque lo hace más humano y auténtico. Esa conexión en vivo es irreemplazable.

IR!: Para alguien que aún no conoce tu proyecto, ¿qué canción recomendarías escuchar primero?

K: Generalmente la entrada es "Hideaway", pero ahora mucha gente me descubre con lo nuevo. Prefiero recomendar escuchar los discos completos, porque no creo que una sola canción me defina. Aun así, si tuviera que elegir: “Hideaway” de Sound of a Woman, “Run Renegade” de Crave, “I Go Dance” de Dancing and Crying Vol. 1 y “Stays in Bed” de Vol. 2. Juntas, creo que pintan un retrato más honesto de quién soy.

IR!: Para cerrar, describe a Kiesza en tres palabras.

K: Excéntrica, conectada y amor.

Kiesza Foro Indie Rocks

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

White Lies comparte “Keep Up”

La espera se hace cada vez más corta para el lanzamiento de Night Light.

White Lies ha lanzado "Keep Up", su nuevo sencillo. Este tema forma parte de su nuevo álbum de estudio, Night Light, que se estrenará el 7 de noviembre bajo el sello Play It Again.

"Keep Up" te envuelve en un paisaje sonoro fascinante, creado por sus sintetizadores. La canción, compuesta y escrita por Harry McVeigh y Charles Cave, busca infundir la fuerza necesaria para seguir adelante, mirar hacia el futuro y enfrentar las adversidades, incluso cuando el miedo está presente.

Esta canción tiene un ritmo controlado e hipnótico, pero también direccional. Se centra en optimizar la energía y eliminar cualquier negatividad o distracción. Es una canción pop contundente, sencilla y con un anhelo de pureza, sin sobresaltos”, comentó la banda en un comunicado de prensa.

La espera casi ha terminado. Tras el lanzamiento de "In The Middle" y "Nothing On Me", "Keep Up" consolida el nuevo álbum como una propuesta alternativa con una calidad excepcional y una composición sublime. White Lies se distingue por la delicadeza en la elaboración de sus piezas, con una producción impecable y una estética minimalista en sus arreglos, lo que abre un abanico de posibilidades en sus obras musicales.

Dale play a "Keep Up":

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Cold in Berlin anuncia 'Wounds', su nuevo álbum

Una atmósfera oscura y siniestra.

Cold in Berlin ha revelado detalles de su quinto álbum de estudio, Wounds. En este nuevo trabajo, la banda londinense promete una exploración de matices del doom, post punk y el krautrock experimental. Como adelanto, ya ha compartido el primer sencillo: “Hangman’s Daughter”.

Su nuevo disco, Wounds, grabado por Mike Bew en Foel Studio, presenta un techno intenso y guitarras que crean una atmósfera turbia e hipnotizante. El ambiente bizarro del estudio, alimentado por amplificadores de My Bloody Valentine y sintetizadores a cargo de Bow Church, desata un abismo sonoro profundo.

Wounds es una serie de canciones sobre las diferentes formas en que las personas viven y procesan las ‘heridas’ de sus vidas. Una extraña celebración de ese dolor formativo que todos hemos experimentado de alguna manera. La pérdida y la alegría de sobrevivir; la celebración de encontrar a otros como nosotros, el regalo de saber que la vida llega después del fuego”, expresó Maya.

El tema "Hangman's Daughter" narra una historia intensa de amor y obsesión no correspondidos. La letra describe la imposibilidad de forzar un sentimiento universal, lo que conduce a un dolor perpetuo y a una profunda melancolía.

A través de un video que captura una presencia siniestra, elegante y minimalista, esta primera entrega de Cold in Berlin se consolida como una propuesta ambiciosa y de culto, revelando las atmósferas que la banda busca evocar.

Dale play:

Este proyecto marca el regreso de la banda después de seis años, tras su último álbum, Rituals Of Surrender (2019). Con Wounds, la banda explora un jazz experimental con una atmósfera sombría, complementada por narrativas complejas que abordan sentimientos intensos. La propuesta se distingue por estructuras irregulares y ritmos de un punk tenebroso.

Mira la portada y el tracklist:

Wounds” álbum de Cold In Berlin en Apple Music

  • "Hangman’s Daughter"
  • "Crosses"
  • "Messiah Crawling"
  • "They Reign"
  • "The Stranger"
  • "We Fall"
  • "The Body"
  • "I Will Wait"
  • "Wicked Wounds"

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Entrevista con Dave Rowntree

La memoria visual de Blur.

A lo largo de más de tres décadas, Dave Rowntree ha sido mucho más que el baterista de Blur: también es piloto, político, compositor y, ahora, autor de un fotolibro que captura el lado más íntimo de la banda. En la memoria visual de Blur, Rowntree abre sus archivos personales para revelar no los grandes escenarios ni las portadas icónicas, sino los momentos invisibles: giras inciertas, camerinos improvisados, primeras veces y escenas cotidianas que definieron la historia del grupo. Conversamos con él sobre este proyecto, el valor de documentar la vida detrás del ruido y la forma en que las imágenes pueden contar una narrativa tan poderosa como la música misma.

Indie Rocks!: ¿Cómo elegiste las fotos y cómo fue el proceso de crear este libro?

Dave Rowntree: Fue un proceso de experimentación. Al principio pensé que elegir las fotos y darles un orden sería fácil, pero resultó ser lo más complicado. Para mí no son solo imágenes: son recuerdos. Cada foto está cargada de todo lo que sucedía alrededor en ese momento, y eso hacía difícil agruparlas de manera coherente.

Lo que hice fue dejar de mirarlas como fotos aisladas. Empecé a clasificarlas en carpetas con pequeños grupos, les ponía un nombre y luego iba moviendo esas carpetas hasta que poco a poco apareció una idea, un tema. Curiosamente, lo que emergió fueron las conexiones geográficas entre las imágenes, algo que yo no había planeado, pero que terminó siendo la estructura natural del libro.

Yo no quería que fuera solo una colección de fotos. Quería que dijera algo, que tuviera un sentido más allá de lo literal. Al final, descubrí que el hilo conductor era la primera vez: nuestro primer trabajo con Stephen Street, la primera gira en Estados Unidos, la primera vez en Japón. Esa narrativa también me obligó a dejar fuera muchas fotos que me encantaban, porque no encajaban con el relato. Como dicen, “hacer arte es matar a tus hijos”: tuve que soltar ideas y hasta imágenes que yo pensaba indispensables.

Indie Rocks!: ¿Cómo empezaste a tomar fotografías?

Dave Rowntree: Desde niño. Tendría unos 10 años cuando recibí mi primera cámara, y nunca dejé de usarla. Con la banda empecé a hacerlo porque en los inicios todo era muy incierto. Tocábamos en lugares diminutos, haciendo música que no estaba de moda en absoluto. Nadie sabía si tendríamos futuro, así que yo quería documentar lo cotidiano: los camerinos, los días libres, los trayectos en autobús, los detalles que podrían perderse.

Claro, los conciertos, los discos y las sesiones de fotos ya forman parte de la historia pop, pero lo que yo quería era recordar cómo se sentía vivir todo eso. No sabíamos si serían solo 15 minutos de fama antes de volver a nuestros trabajos de siempre.

Indie Rocks!: ¿Por qué publicar este libro justo en 2025?

Dave Rowntree: La idea surgió en pandemia. Tim Burgess me invitó a participar en sus Twitter Listening Parties, así que empecé a revisar cajas de memorabilia y fotos para compartir. Cuando publiqué algunas, los fans reaccionaron diciendo que nunca las habían visto y me animaron a hacer un libro.

El problema fue encontrar el tiempo. Después de la última gira de Blur, decidí hacer una pausa en otros proyectos y dedicar seis meses completos a esto: organizar las fotos, trabajar en la edición y la publicación. Fue una cuestión de tiempo más que de otra cosa.

Indie Rocks!: ¿Cómo reaccionó la banda cuando les compartiste las fotos?

Dave Rowntree: Muy bien. Al inicio mandé unas 300 o 400 imágenes a todos para que dieran su opinión, y solo seis fueron descartadas. Me sorprendió lo mucho que disfrutaron verlas. Quizá algún día publique esas seis en un pequeño libro loco.

Indie Rocks!: ¿Piensas publicar más libros con otras etapas de Blur?

Dave Rowntree: No lo creo, aunque nunca se sabe. He acumulado muchísimas cosas, pero no tengo un plan. Hacer este libro fue como grabar un álbum: ya lo hicimos, y repetirlo no tendría sentido. Tal vez esas fotos encuentren otro formato o contexto, pero no necesariamente otro fotolibro.

Indie Rocks!: ¿Sigues tomando fotos actualmente?

Dave Rowntree: La verdad, perdí interés cuando llegaron las cámaras digitales. Para mí, la fotografía era “hacer algo”: cada disparo costaba dinero, había que pensar antes de presionar el obturador. Con lo digital, puedes tomar miles de fotos sin límite y eso, en mi opinión, devalúa la imagen.

Hoy me interesa más la evolución de las químicas de la película análoga y también retomar la fotografía instantánea, como el Polaroid. Me atrae porque impone limitaciones: te obliga a pensar, a decidir si de verdad vale la pena capturar esa imagen. Y creo que en el arte las restricciones son lo que hace que las cosas sean interesantes.

Indie Rocks!: Si tuvieras que elegir una sola foto de este libro para mostrarle a un fan, ¿cuál sería?

Dave Rowntree: La de Damon y Graham en la montaña rusa de madera. Están volteando hacia mí con esa mezcla de emoción y nervios mientras subíamos lentamente antes de la gran caída. Esa foto captura lo que sentíamos como banda en ese momento: que estábamos ascendiendo, con la adrenalina de no saber qué habría del otro lado, pero con la certeza de que sería un viaje extraordinario.

Indie Rocks!: ¿Cómo te describirías en tres palabras?

Dave Rowntree: Cansado, ambicioso e insatisfecho. Siempre quiero hacer más, hacerlo mejor. Todavía sueño con que Blur sea la banda más grande del mundo. Pero sí, cansado todo el tiempo.

Dave

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Helado Negro anuncia EP y estrena “More”

La importancia de vivir en el presente. 

Helado Negro ha anunciado el lanzamiento de su próximo EP, The Last Sound on Earth, que estará disponible el 7 de noviembre a través de Big Dada. Este trabajo incluirá cinco temas cargados de reflexiones introspectivas, y ya se ha estrenado el sencillo principal, "More".

The Last Sound on Earth es un viaje sonoro con un profundo mantra: la importancia de vivir en el presente y escuchar atentamente los sonidos que nos rodean. La propuesta nos invita a cuestionar qué sería lo último que escucharíamos antes del fin del mundo, todo ello envuelto en una estética del indie más alternativo. El proyecto fusiona lo mejor de la música independiente con elementos del dance y la electrónica, creando universos creativos magnéticos y hechizantes.

Cuando me despierto por la mañana, puedo escuchar cómo mis oídos se sintonizan con el mundo que me rodea. Es como si me quitaran una manta de los tímpanos, mientras trabajaba en estas canciones, veía Wavelength de Michael Snow (en incrementos) y el margen de interpretación de lo que veía y oía me parecía enorme. Cada vez que lo veía, despertaba en mí una nueva emoción: desesperación, esperanza e inspiración. Quería pedirles a los oyentes que se tomaran un tiempo, no solo una pausa, sino que se preguntaran si podían desenredar todo el lío e intentarlo de nuevo”, Compartió Roberto Carlos en un comunicado de prensa.

"More" es una pieza cautivadora que invita a la inmersión en su atmósfera alternativa y psicodélica. Sus ritmos cálidos y armoniosos crean un viaje abstracto que explora la complejidad del procesamiento emocional humano. El video musical, dirigido y animado por Annapurna Kumar, complementa la narrativa con una rica paleta de tonalidades y matices, fusionándose con los sonidos para atrapar y conmover al espectador.

La metáfora central de este video, el corazón de origami, representa a una persona que procesa sus emociones", expresó Annapurna.

Dale play a continuación:

Roberto Carlos Lange continúa consolidándose en la escena internacional con su amplia trayectoria, destacando por la diversidad de ritmos en sus producciones. Su nuevo trabajo, The Last Sound on Earth, marcará un hito en la carrera artística del cantautor estadounidense.

Te dejamos la portada y el tracklist:

Slide 1

  • "More"
  • "Protector"
  • "Sender Receiver"
  • "Zenith"
  • "Don’t Give It Up Now"

Este 11 de noviembre, Helado Negro llegará a la Sala (A) del Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México. No te pierdas esta noche que estará llena de inspiración, profundidad y experimentación sonora. Compra tus boletos aquí.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook