Japandroids: Celebration Rock

Posted on noviembre 30, 2012 by -

Japandroids

Celebration Rock

Terrícolas Imbéciles

2012

Japandroids suena a esas fiestas a las que uno llega por accidente, con una caja de cervezas y sin conocer a nadie. Donde de repente una banda empieza a tocar sin un PA profesional, con micrófonos amarrados a sus stands con cinta y amplificadores con las bocinas tronadas sonando sobre el pasto del jardín, donde el slam se baila entre alcohol, lodo y amigos coreando hasta el amanecer.

Japandroids suena a una adolescente cantando, bailando y brincando en la cama de su cuarto tapizado de pósters y fotos sobre esa mezcla de música punk con letras pop para después escribir 598 veces el nombre de su novio en las hojas de un cuaderno que ella misma decoró con estampas y plumones.

Japandroids suena a la energía y la inocencia de tu primera banda de rock. Cuando ensayabas a escondidas de tus papás y los ruidos que salían de tu amplificador molestaban a los vecinos. Pero a ti no te importaba por que cerrabas los ojos y te imaginabas tocando en un estadio frente a miles de personas.

Japandroids suena a un cassette reventando en las bocinas de tu auto decorado con stickers de Dinosaur Jr, The Posies, That Dog, Nada Surf y Teenage Fanclub un viernes en la tarde  saliendo de la escuela. Sin planes, sin preocupación, sin un mañana en tu cabeza.

Japandroids suena a jeans rotos, botas viejas, pelo largo y una playera con el logo de Nirvana que lleva días sin lavarse.

Japandroids suena a nostalgia que quiere reinventarse, suena a un CD en la época del mp3. A un virus análogo queriendo destruir a la amenaza digital.  Suena a un niño haciendo berrinche en medio de la reunión socialité de su madre. Suena a rebelión.

Japandroids suena a rock sin pretensiones, a rock divertido, rock sin etiquetas y sin futuro que lo único que busca es sonar fuerte, melódico y degenerado ¡AHORA!

Japandroids suena a esas fiestas a las que uno llega sin conocer a nadie y pero cuando acaban uno se siente amigo de todos los que estaban ahí.

Pa’l Norte Rock Festival

Posted on noviembre 30, 2012 by -

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Con más de 37 mil asistentes y con un cartel de más de 15 bandas de México y Latinoamérica, Pa’l Norte Rock Festival 2012 se llevó a cabo en Monterrey, específicamente en el Parque Diego Rivera para vivir más de 15 horas de música continúa.

Planeado para que así sucediera, y con un lineup que apostó por el talento nacional y los nuevos artistas emergentes,la primera edición de este festival- con un clima menos frío, dos escenarios temáticos y un inesperado final - dejó satisfechos a todos los que esperaban ansiosos su presentación.

Impermeables, botas de hule, paraguas y sombreros bastaron; así empezó todo en punto de la 1:30 de la tarde con Finde, banda originaria del DF que se presentó en uno de los dos escenarios principales (denominado Pa’ Allá), y que con singular energía y desenfreno por parte del vocalista, esta banda arrancó la tarde ante los pocos asistentes que muy puntuales habían llegado al parque, por aquello de ver a sus bandas favoritas.

Bengala presentó parte de sus dos discos anteriores, y algunos temas de tu tercer álbum de estudio Sigue, el cual supone un ajuste en su sonido y una faceta más fresca de la banda. Después llegó turno de Play & Móvil Project,  Los Concorde (Dj Set), Los Liquits, Technicolor Fabrics, Enjambre, los Bunkers y Carla Morrison.

Sussie 4 tuvo que parar y empezar de nuevo con su presentación, debido a algunas fallas técnicas de audio y sonido, lo que causó molestia y desesperación entre el público. Aunque fue "Fly", el tema con el que reaparecieron en el escenario y que hizo se olvidará de todo retraso alguno.

“Buenas noches Monterrey, nos da nostalgia estar aquí otra vez después de 10 años” fueron las palabras de Gil Cerezo, vocalista de Kinky; banda que después de casi una hora de presentación y que con rolas como "Inmóvil", "Intoxícame","Más","Después del After", "Ejercicio #16" pusieron a bailar a todos los regios - y no tan regios - que decepcionados por la falta de ver actos más grandes fue "¿A Dónde Van los Muertos?" con la que los asistentes detonaron y no dejaron de cantar. Seguido de A Band of Bitches, Nortec Collective y Zoé. 

Y porque es imposible verlo y no pasarla bien, llegó el turno de Toy Selectah - pionero de la música electrónica y creador de un nuevo híbrido contemporáneo-  quien con su ritmo guapachoso puso a todos bailar.

Pero sin duda Calle 13 era uno de los headliners más esperados, que con "Vamo’ A Portarnos Mal", "No Hay Nadie Como Tú " y "Baile de los Pobres", éxitos de su más reciente material Entren Los Que Quieran, causaron conmoción entre sus seguidores.

Ya era la 1:09 am y Calle 13 seguía tocando, mientras tanto los Amigos Invisibles estaban listos y ansiosos en el otro escenario para iniciar su presentación (lo cual causó decidia). Finalmente, estos venezolanos cerraron el festival dejando satisfechos a la mayoría de los asistentes.

En cuanto a la producción del festival todavía hay muchos detalles que afinar tales como el espacio entre los dos escenarios (ya que entre tanta gente después de un rato era incómodo), así como la venta descontrolada de comida y cervezas.

La elegancia sonora de Altocamet

Posted on noviembre 30, 2012 by -

La banda argentina Altocamet se encuentra en nuestro país por primera vez. Actualmente, la agrupación está formada por Adrián “Canu” Valenzuela en voz y guitarras, Pedro Moscuzza en la batería, Mariana Monjeau en los teclados y coros, además, como músico invitado estará Fernando Nalé quien fue bajista de Gustavo Cerati. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de platicar con ellos sobre sus expectativas en México y una parte de su historia.

“Varios amigos nos han comentado cómo es el público mexicano y creemos que vamos a ser bien recibidos. Nos han dicho que son muy cálidos, y quizá nuestra propuesta pueda llegar a interesarles, así que vamos a brindar lo mejor de lo nuestro”, explicó Canu.

En cuanto a su sonido, es difícil de encasillar pero ellos así tratan de definirlo  “Es una mezcla de rock, pop y electrónica con otros subgéneros. Al principio hacíamos un poco de drum & bass, trip hop; nos gusta el ambient, el dub, también bandas de rock tradicionales, es una mezcla de todo lo que escuchamos.”

Altocamet es una agrupación con más de quince años y los cambios son inevitables en cualquier aspecto de la vida, Pedro nos cuenta un poco cómo han sobrevivido a ellos: “Siempre hemos estado los tres (Pedro, Adrián y Mariana) pero hemos tenido varias formaciones. Con Canu estamos desde el primer ensayo, Mariana llegó en el primer disco; nos hemos peleado, separado. Cuando uno es mucho más joven que ahora, piensa ¿Llegaremos al segundo disco?, y hoy tenemos esa tranquilidad de saber que queremos seguir haciendo esto.” Mariana es la única mujer dentro de la banda y lo disfruta: “La relación es muy buena, es lindo, antes estaba Loló que hacía coros pero ahora soy la única" rememoró  entre carcajadas.

Dulce calor es su más reciente producción y recuerdan el proceso para llegar a él con una sonrisa: “Fue un disco al que le dedicamos mucho tiempo y mucha pasión, es un material que tiene mucha sofisticación musical y sonora pero se buscó una simplificación en cuanto al mensaje. En cuanto a las formas líricas, es un disco que habla de amor” mencionó Canu para que en seguida Pedro profundizará sobre la grabación: “Trabajamos con un productor inglés (Graham Sutton) con el que ya habíamos colaborado en el disco anterior, Mitad del Viento, pero en esta grabación ya éramos amigos, ya había confianza y se logró un mejor sonido.”

Los futuros planes de Altocamet  son varios: “Tenemos planeado hacer un disco de remixes de Dulce Calor, es algo que hacemos con todos los discos. Está en camino un DVD que es una especie de antología de todos nuestro videoclips, junto con un CD compilando temas de todos los discos. También ya están grabadas varias canciones como para un disco nuevo que iremos desarrollando a lo largo del año que viene. “

Por último la banda mandó un mensaje al público mexicano: “Queremos invitar a todos que vengan a escucharnos, ojalá les guste la música que hacemos. Hace diecisiete años que queremos venir a México, estamos muy contentos y ojalá disfruten el show.”

Altocamet se estará presentando este sábado 1 de diciembre en el Tiangui Cultural "El Chopo".

Slash: ¿un ícono desgastado?

Posted on noviembre 30, 2012 by -

Hace alrededor de 20 años, el fervor que causaba Guns N' Roses era inaudito. Se trataba de una banda que apelaba a todo lo que un adolescente podría convertir en un imaginario contra el aburrimiento: además de sus letras explícitas, un look glam descomunal y canciones de agresividad posmoderna, sus riffs de guitarra parecían preñados tanto por Jimmy Page como por Syd Viscious o Joe Perry.

No sé cuántos caímos bajo el hechizo, pero en mi caso, fueron 20 años los que pasaron para escuchar a Saul Hudson, mejor conocido como Slash, en directo. Apenas bajando del metro, era evidente que hasta los comerciantes de piratería intuían que, ese martes, se presentaba no una estrella consagrada, sino un ícono del que podría vender incluso réplicas tepiteñas de su sombreo de copa. Apenas crucé la pista del Palacio de los Rebotes, recordé que 20 años atrás, mi edad me prohibió asistir al único concierto que los Guns ofrecieron en Mexico, cuando OCESA apenas esbozaba que los conciertos serían un negocio interminable.

Con una chela caliente y espumosa en mano, vi aparecer a Slash al frente de sus Marshalls Signature, con su Les Paul bien ajustada debajo de la cintura, su sombrero de copa y una banda que apenas competía con él en carisma. Sinceramente, desconozco los temas del disco que interpreta junto a Myles And The Conspirators. A pesar de que Slash es el hombre responsable de que yo sea guitarrista, hace mucho le perdí la pista, quizá cuando lanzó el aún disfrutable Slash's And The Snake Pit. Sin embargo, todos a mi alrededor estaban actualizados y parecía disfrutar del nuevo repertorio.

En lo personal, comencé a retorcerme hasta la llegada de "Nightrain", canción de vena zepelinezca que viene en Appetitte For Destruction, su obra maestra. Y así ocurrió la noche: dos o tres canciones del nuevo proyecto, intercaladas con himnos generacionales que retorcían los cuellos de todo tipo de personajes: Godínez, metaleros atemporales, pubertos, cougars, nostálgicos de vanguardia, familias y hasta el desprestigiado Kalimba, que bailaba con las escalas pentatónicas de Saul.

Entre las poco afortunadas composiciones de los Myles, lo que valió la pena fue escuchar las canciones del Appetite, como "Roquet Queen" (con un solo de guitarra que se extendió por varios minutos),  o "Mr. Brownstone", esa apología de la heroína que tanto gustaba a Dave Mustaine antes de limpiar sus venas. Entre los puntos álgidos, resaltaría lo predecible: Slash adaptando su Gibson en una extensión de Nino Rota, con la clásica versión de El Padrino, esa que nos estremecía en los noventa, cuando nos asombraba cualquier intromisión del rock en terreno ajeno.

Sinceramente, las canciones de los conspiradores sonaban muy poco inspiradas, o mejor aún, como meros émulos del heavy ochentero, con riffs predecibles, letras eternas sobre lo mismo y poses impuestas por el alcalde de LA. Como fan irredento de Slash, su presentación me pareció un tanto aburrida, pues los íconos se desgastan, no así los clásicos, como fue el caso de "Welcome to the Jungle", cantada muy bien por el bajista, "Sweet Child O' Mine", canción que Slash odiaba a muerte desde su nacimiento, y la canción por la que empecé a tocar la guitarra: "Paradise City", himno post country que, para bien, envenenó mis dedos hace dos décadas, cuando ser músico, parecía una empresa realmente independiente.

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nuevo video de Apolo

Posted on noviembre 30, 2012 by -

Apolo presenta el video oficial de "Guajura", el cual fue dirigido por Paco Ibarra y grabado en el parque ecológico Los Dinamos.

El video desarrolla el mito de una tribu indígena de Chihuahua, Guarijí, en el que está inspirada la canción: "Se trata de la historia de 'Wuajura' quien en algún tiempo vivió en el cuerpo de una mujer bella y seductora. Como castigo, un hechizo cayó sobre ella convirtiéndola en serpiente y condenándola a vivir en el fondo del río que abastece de agua a los Guarijíos (en el Río Mayo). La leyenda cuenta que cuando los nativos de esta tribu se acercan al río o pozo para beber agua, la mujer Wuajura de nuevo cobra forma y usa sus dotes para encantar y seducir; de este modo, formando un gran remolino los envuelve como serpiente llevándoselos al fondo del agua eternamente con ella."

El Reverendo ya no da miedo

Posted on noviembre 29, 2012 by -

A mediados de los noventa, Marilyn Manson nadó contra corriente para encender las alarmas y alertar al mundo entero sobre el estado de coma en el que parecía estar la sociedad en general. Adoptó el papel de un reverendo que, tras reflexionar en las palabras dictadas por la cristiandad, decidió enfrentarlas, juzgarlas y evidenciar la falsedad que se escondía en ellas.

Su discurso era muy claro: que la gente destruyera sus ataduras mentales y comenzara a pensar por sí mismo. Por supuesto las alarmas fueron encendidas, y la sociedad le tuvo miedo, mucho miedo.

Durante la segunda mitad de la década, Marilyn Manson contó con la inteligencia y creatividad suficiente para darle un vuelco a la industria musical y de paso sacudir más de un conciencia. La lucidez y subversión propias de sus tres primeros álbumes no dejaban duda de que Bryan Warner (nombre que indica su registro de nacimiento), sabía lo que hacía con la firme convicción de traspasar los límites de lo políticamente correcto para develar la hipocresía social que se vive en nuestra sociedad actual.

Sin embargo, para el nuevo siglo las cosas cambiaron. Los discursos transgresores habían perdido filo y su trascendencia se acortó considerablemente. The Golden Age of Grotesque marcó el inicio de la espiral descendente de la creatividad. Eat Me, Drink Me , y The High End of Low  continuaron la espiral de un Marilyn Manson alejado del ingenio y la iluminación que se le conocían. Todo parecía indicar que ya no tenía nada que ofrecer y que todo había quedado dicho y hecho.

Sin embargo, para este año Manson decidió voltear a sus orígenes y lanzar un nuevo álbum que rescatara el sello característico de la casa; y con ello recuperar algo de lo que se había perdido en los últimos años. Born Villain, lanzado bajo el sello Hell, etc, fundado por él mismo, es la placa con la que el Reverendo intentó recobrar su forma y regresar a los tiempos de la agresividad  y provocación inteligente.

Aunque en definitiva Born Villain no alcanza los niveles logrados con discos como Antichrist Superstar o Mechanical Animals (aunque a estas alturas eso ya parece imposible), es de aplaudir el regreso que tiene al sonido industrial bajo el que nació el concepto de Marilyn Manson: "Hey, Cruel World" y "Overneath The Path Of Misery" son grandes muestras de esto. Aunado a ello, a lo largo del disco se pueden distinguir ciertos riffs resonantes que, en conjunto con algunos coros melódicos y la voz más en forma del propio Manson, recuerdan aquellas viejas glorias del grupo: para prueba "The Flowers Of Evil" y "Slo-Mo-Tion".

Born Villain no es un mal disco. De hecho es agradable y disfrutable, sin embargo el mayor problema es que no hay nada nuevo detrás de él y al escucharlo se tienen bastantes déjà-vu y la sensación de que lo que estamos oyendo ya lo hizo alguien más. Es un buen disco, pero hay mucha fórmula y sabores que ya se han probado. Sin embargo se reconoce en él un intento (tal vez un tanto mediocre, pero intento al final) de volver a los inicios y retomar las riendas perdidas. Cuando eso suceda tal vez afirmemos que Marilyn Manson ha recuperado su lucidez y peligrosidad, pero hoy está más que claro que, a diferencia de antaño, “El Reverendo” ya no da miedo.

Hurt: nueva producción de Meketrefe y Priscila

Posted on noviembre 28, 2012 by -

Sicario Music nos presenta el nuevo material producido por Meketrefe (Sicario) y Priscila (Quiero Club); Priscila Gzz vs Fratelli Riviera vs Johnny Cash - Hurt (Meketrefe Mashup), track inspirado en la version de "Hurt" de Jhonny Cash y el dance italiano de Fratelli Rivera, esta combinacion de generos junto con la voz de Priscila Gzz, le dan vida a una de las canciones del nuevo live act que esta presentando juntos.

9° Corredor Cultural Roma Condesa en el Foro Indie Rocks!

Posted on noviembre 28, 2012 by -

Como parte del 9° Corredor Cultural Roma Condesa celebrado el 23, 24 y 25 de noviembre, en las instalaciones del Foro Indie Rocks! se presentó la exposición Bestiario, la cual fue curada por Ku Colectivo donde  25 artistas y diseñadores expusieron sus obras, teniendo una gran afluencia de visitantes.

Y como la fiesta no podía faltar, la clausura estuvo ambientada por la celebración del Day Off donde Disque DJ, DGD y DJ Sabo pusieron a bailar a todos los presentes, acompañando la música con una deliciosa hamburguesa, amigos, pero sobre todo con un buen ambiente.

Agradecemos la oportunidad y el espacio otorgado por parte del Corredor Cultural Roma Condesa y a todas las personas que se dieron cita.

Legowelt: la celebración de la historia de la música electrónica reciente

Posted on noviembre 28, 2012 by -

Legowelt

The Paranormal Soul

Clone

2012

A veces no es fácil tener en claro que el sentido original de las cosas se desvirtúa; ¿en qué momento los regguetoneros decidieron convertirse en hooligans? ¿Cuándo la música electrónica se volvió el fondo más inocuo para la pista sonora de los bares? ¿Qué pasó por la mente de los Dj´s para ambicionar ser los nuevos rockstars? ¿Alguien se acuerda todavía de cuando se promovía aquello del P.L.U.R? ¿A dónde quedaron la paz, el amor, la unidad y el respeto?

Gente como Paul Oakenfold se pertrecha detrás de un show de Madonna para aburrir al público; Steve Aoki se comportan como si fuera un chamán y convoca multitudes que corren el riesgo de morir aplastadas. La electrónica más barata y chafa como banda de sonido de cierto tipo de yuppies que se comportan como springbreakers eternos. ¿A  qué debemos este tipo de cosas?

Toda corriente artística –y la música no es la excepción- está conformada por ética y estética. Lamentablemente, la electrónica comercial y de masas olvidó que requiere de ciertos principios que la sustenten y ordenen su comportamiento, es decir, carece de ética. Se limita a ser un espectáculo multimedia que obnubila los sentidos pero que carece de discurso. Es sencillo, tiene forma pero no tiene fondo. Es un fenómeno hueco.

Ya casi nadie se acuerda que hace 25 años en ciudades como Detroit el movimiento techno era una arista más de una escena subterránea; reflejaba los deseos de una minoría de obtener cierto tipo de esparcimiento alejado de los modos típicos de la sociedad del espectáculo, que siempre privilegia lo escéptico y descafeinado. Figuras como Derrick May y Carl Craig picaron piedra para reconquistar la noche y ejercer así incluso un derecho ciudadano. Bien sabemos cómo terminó un proyecto tan loable en un principio como el Love Parade berlinés; fue devorado por el marketing y convertido en una marca comercial más hasta su decrepitud.

Es por ello que brillan con luz propia aquellos involucrados en conservar el verdadero sentido del movimiento clubbing y se aferran a sus ideales fundamentales. Cierto, hay hedonismo pero también un principio de búsqueda y exploración. No se trata pues de la corriente dominante, pero existen reductos donde se sigue librando la batalla. Allí están Nueva York, Londres, Berlín, Colonia. No olvidemos Escandinavia que es una potencia en la materia y por supuesto Bélgica y Holanda.

Precisamente de aquel país es que procede Danny Wolfers, que como se estila entre quienes no se aferran al ego y la personalidad tiene muchos alias, pero el principal de ellos es Legowelt. Pertenece a la escena de La Haya y desde allí ha labrado una carrera llena de congruencia pues tras el éxito de Disco Rout se echó un tanto para atrás para que el asunto mediático no lo consumiera.

Con entera libertad y sin que lo dominé la nostalgia ha editado un disco en que se celebra el pasado para recordar lo mejor de aquel momento en que los raves estallaron con toda intensidad y modificaron los usos sociales. The Paranormal Soul  es un disco en que se celebra el legado de Underground Resistance, Aphex Twin, Global Communication y The orb, desde una perspectiva personal de su creador.

El hombre se basa en la contundencia de algo llamado “Rave Till Dawn (Edit) para mirar al pasado desde un presente todavía intenso. Es por eso que hay acid house puro y duro, pero también pasajes techno sin que por ello parezca música vieja, todo lo contrario.

Un tipo incansable y que ha participado en proyectos como Orgue Electronique, Macho Cat Garage, Mr. Clavio y Catnip muestra que además de componer piezas tan eficaces para extensas sesiones de baile también tiene sentido del humor. Por eso están allí: “Elements of Houz Music” y “Renegade of A New Age”. Disfruta retomar cosas que han ocurrido para darles un sentido actual.

En sus 12 cortes pasa por algo como la Intelligent Dance Music (IDM) para luego concentrarse en el sonido rave. Es en suma un gozoso resumen de lo que la electrónica de calidad fue y debería de seguir siendo. Gracias a creadores como Legowelt la fiesta todavía no termina. ¿Alguien sabe dónde será el after?