NSQK en el Pepsi Center WTC

Euforia naranja.

La noche del 21 de septiembre fue mágica. Desde tempranas horas, cientos de fanáticos se agolpaban en las afueras del Pepsi Center WTC, ansiosos por vivir la experiencia de ver a Rodrigo Torres de la Garza, mejor conocido como NSQK, en su esperado Alter Ego Tour. El color naranja, símbolo del artista, llenó el recinto de sudaderas, gorras y accesorios de ese vibrante tono, convirtiéndolo en una declaración de identidad, como si el simple acto de vestir ese color los acercara más al cantante.

El regiomontano había logrado lo que hace un año parecía un sueño lejano: llenar un espacio con capacidad para 8,000 personas. En lugar de presentarse ante mil seguidores, NSQK ahora enfrentaba a una ola de admiradores listos para disfrutar de su música en vivo.

Eran las 21:00 H y la atmósfera en el Pepsi Center WTC era electrizante. De repente, las luces se apagaron y un manto de humo cubrió el escenario. Los gritos ensordecedores de los asistentes reverberaban en las paredes del recinto cuando NSQK hizo su aparición, con su característico estilo relajado —lentes oscuros y chaleco con falda—, dejando que las primeras notas de "Aún Te Pienso" comenzaran a contar su historia.

La euforia era total. Con "Cienciaficción" y "309", los primeros temas de la noche, NSQK llevó a su audiencia por un viaje sonoro donde el trap, el pop, y el R&B se entremezclaban sin esfuerzo. Las luces, perfectamente sincronizadas con el ritmo, cambiaban de tonalidad con cada canción, creando un espectáculo visual impresionante. Pero no era solo la música lo que cautivaba a los presentes; las pantallas gigantes mostraban frases motivadoras que recordaban al público que estaban viviendo un momento irrepetible, tanto en el escenario como en sus propias vidas.

Nsqk Pepsicenterwtc Gustavotorres V3

"¡Ciudad de México! ¿Cómo están allá atrás? ¿Cómo están aquí en frente?", preguntó el cantante mientras saludaba a las diferentes zonas del lugar, desatando aún más gritos y vítores. El ambiente se sentía como un encuentro entre amigos, una charla íntima disfrazada de espectáculo masivo.

Los momentos emotivos continuaron con "Tarde O Temprano", donde más de uno se dejó llevar por la letra nostálgica, y algunos incluso no pudieron contener las lágrimas. La atmósfera se cargó de complicidad colectiva mientras las parejas se abrazaban y el resto coreaba al unísono, antes de dar paso a "Dientes".

Uno de los momentos más destacados de la noche ocurrió cuando NSQK interrumpió el concierto para pedir seguridad en la zona delantera. El calor y los empujones habían hecho que algunos asistentes se sintieran mal, pero con un grito de “¡Sí se puede!”, el público mostró su apoyo, y la música continuó con la misma intensidad.

Entre brincos y cánticos, "De Vez En Cuando (Aparece)" y "COMETIERRA" mantuvieron al público en un estado constante de movimiento, mientras que "EME" elevó la energía al máximo. Cada vez que la multitud saltaba, el suelo vibraba, como si el Pepsi Center WTC estuviera a punto de despegar.

Los invitados no tardaron en hacer su aparición. Easykid fue el primero en unirse a NSQK para interpretar "BOBOMENSOTONTO", provocando una explosión de aplausos y gritos. La química entre los dos artistas era evidente, y el público se dejó llevar por el ritmo contagioso de la canción. Poco después, Mené subió al escenario para presentar "Bolsa En La Cara" y "Tecate Freestyle". En un gesto espontáneo, los fans comenzaron a gritar "¡Beso!", deseando un momento icónico que nunca llegó, pero que definitivamente se convirtió en parte de la anécdota de la noche.

Nsqk Pepsicenterwtc Gustavotorres H4

El público nunca dejó de cantar. “Todo Mal” y “Nadie Más!” resonaron en el recinto, y en un momento inesperado, una propuesta de matrimonio sorprendió a todos, generando una ovación que llenó el lugar de emoción. La velada continuó con “Torre 3” y el conmovedor sencillo “Si En Tu Mente Estuve”.

Pero lo mejor estaba por venir. La llegada de Nina con "Los Alpes" hizo vibrar el recinto. Más adelante presentó “Misa”, su romántico tema que experimenta en la música regional. “Moldes”, “Tonos De Azul”, “Sur” y “Si Te Portas Bien”, mantuvieron el ambiente en lo más alto. En el repertorio siguió “MAMI 100PRE SABE” y la aparición de Álvaro Díaz para interpretar "MUBI". Alvarito saltó al escenario con energía desbordante, y NSQK no se quedó atrás, convocando al público a ser cómplices del espectáculo con un “arriba, abajo”.

La quinta invitada, Paopao, llegó para interpretar “Blamegame”. El setlist continuó con “Sigo Al Pendiente”, seguido de “BAD INTENCIONES”, donde el cantante propuso una dinámica para jugar con el volumen de los asistentes. “Yo digo NSQK, decía, y la multitud respondía al unísono.

Nsqk Pepsicenterwtc Gustavotorres H5

El clímax del show llegó con "SÍSIFO", NSQK, rebosante de adrenalina, decidió subirse a una tarima elevada, provocando la ovación más fuerte de la noche. Sin dejar el frenesí, interpretó “MIATA ᕙ(⇀‸↼‶)ᕗ junto con El Malilla. Pero, como todo lo bueno, la despedida se acercaba. Tras interpretar "RIP PETE", el regiomontano se dirigió al público para anunciar el final del concierto con un “Ciudad de México, eso es todo”. Sin embargo, entre gritos de “¡Otra, otra!”, el artista salió nuevamente y dijo: “Les queda tiempo para otra”, extendiendo el performance con dos últimas canciones: "Árbol De Manzanas" y "Ojeras".

Al salir del concierto, los asistentes llevaban una sonrisa, un recuerdo y la promesa de seguir a NSQK en su viaje musical. El Alter Ego Tour fue una celebración, una catarsis colectiva en la que el artista se consolidó como una de las figuras más prometedoras de la música mexicana. Su evolución en tan poco tiempo es un testimonio de su talento y de la conexión genuina que ha logrado establecer con su público. 

“Hay NSQK, hay like”.

Mira la galería completa en Instagram.

 

A 20 años de 'American Idiot' de Green Day

Entre el arte y la protesta: American Idiot como símbolo de rebelión juvenil, crítica política y legado artístico.

En 2004, Green Day lanzó American Idiot, un álbum que no solo redefinió su carrera, sino también el punk rock moderno. Este trabajo conceptual, lleno de crítica política y social, narra la vida de Jesus of Suburbia, un antihéroe que lucha contra la apatía, el conformismo y el caos post 11 de septiembre. A través de una narrativa cargada de rabia y desesperanza, el álbum se convirtió en un himno para una generación desilusionada con el sistema. Musicalmente ambicioso y emocionalmente crudo, American Idiot es una obra maestra del punk rock que trascendió las expectativas y se consolidó como un manifiesto cultural.

Antes de American Idiot, Green Day enfrentaba una etapa de incertidumbre. Tras el lanzamiento de Warning (2000), la banda recibió críticas mixtas y su popularidad parecía disminuir. Durante ese período, la banda empezó a trabajar en un proyecto llamado Cigarettes and Valentines, pero las grabaciones del álbum fueron robadas del estudio, lo que obligó al grupo a reconsiderar su dirección. En lugar de tratar de recrear ese material, decidieron empezar desde cero, lo que resultó ser una bendición que llegaría a ser algo que ni ellos sabían.

Fue en ese momento cuando los miembros de Green Day, Billie Joe Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool decidieron arriesgarse y crear algo más ambicioso: un álbum conceptual, algo raro dentro del punk rock. Inspirados por óperas rock como The Who's Tommy y The Wall de Pink Floyd, Green Day quería hacer una declaración artística que contara una historia coherente y crítica sobre la sociedad estadounidense.

La sociedad estadounidense

A principios de los 2000, la sociedad estadounidense estaba profundamente marcada por el trauma del 11 de septiembre de 2001. Los ataques no solo causaron una pérdida masiva de vidas, sino que también dejaron una sensación de vulnerabilidad en un país que hasta entonces se había considerado intocable. Este clima de miedo fue aprovechado por la administración de George W. Bush para justificar la "Guerra contra el Terrorismo", que incluyó la invasión de Afganistán en 2001 y de Irak en 2003. Aunque la invasión de Irak fue presentada como una medida necesaria para eliminar supuestas armas de destrucción masiva, estas nunca fueron encontradas, lo que generó un gran descontento y división social.

En este contexto, los medios de comunicación jugaron un papel crucial en la narrativa que se quería crear, promoviendo un ambiente de miedo y patriotismo exacerbado. La cobertura mediática, saturada de imágenes de guerra y mensajes de apoyo al gobierno, esta propaganda llevó a muchos a aceptar sin cuestionar las decisiones oficiales, lo que provocó críticas de manipulación y adoctrinamiento. 

El descontento fue especialmente visible entre los jóvenes, que se sentían alienados y desconectados de lo que estaban viviendo. El auge del consumismo y la vida suburbana había creado una sensación de vacío, donde el materialismo parecía ser el único propósito, y muchos jóvenes rechazaban esa vida carente de significado. Esta generación, desilusionada por el rumbo político del país, buscó formas de rebeldía y levantarse ante un sistema que los estaba enviando al matadero de una guerra.

La historia de "Jesus of Suburbia"

Jesus of Suburbia vive con su madre divorciada y el novio de ella en Jingletown, EE.UU. Su vida ha sido un ciclo de soledad, marcado por una dieta poco saludable de gaseosa y Ritalin. Pasaba sus días viendo televisión y experimentando con drogas, buscando un escape a la rutina de su existencia.

A medida que se siente más desilusionado, Jesus se da cuenta de que no encuentra su lugar en Jingletown. En "City of the Damned", comienza a buscar respuestas, preguntándose por qué no puede encajar en un entorno que parece tan vacío y superficial. Al darse cuenta de que no le importa a sus amigos ya que son hipócritas, que lo han traicionado y lo han dejado de lado, siente un profundo vacío que lo consume.

Con la intención de despedirse de su vida en Jingletown, Jesus intenta encontrar una solución y decide asistir a terapia. En "Dearly Beloved", reflexiona sobre su pasado y sus supuestos amigos, intentando liberarse de las ataduras que lo mantienen anclado. Finalmente, decide escapar de su barrio y se dirige a "La Ciudad", donde sueña con un nuevo comienzo.

Al llegar a la ciudad en "Holiday", observa la lluvia que cae sobre las calles y a personas que, como él, no creen en lo que la televisión vende. Se siente conectado con aquellos que también luchan contra la represión, pero su camino hacia la autenticidad aún no ha terminado. En "Boulevard of Broken Dreams", camina toda la noche por las calles vacías, buscando a alguien que comparta su perspectiva. Es en esta soledad que comienza a descubrir una parte de sí mismo que había estado oculta, lo que lo lleva a cuestionar su identidad.

En "Are We the Waiting", Jesus recapacita sobre todo lo que ha vivido y llega a la conclusión de que el Jesus of Suburbia que conocía es una mentira. A partir de este momento, decide cambiar su personalidad y estilo de vida, dejando atrás su antiguo yo y convirtiéndose en St. Jimmy. Este nuevo personaje nace en la ciudad, donde asume una nueva identidad llena de rebeldía y peligro. St. Jimmy se convierte en un criminal, buscando la emoción y el sentido en su vida a través de actos alocados y destructivos.

Sin embargo, la transformación no es fácil. En "Give Me Novacaine", St. Jimmy busca alivio en las drogas, convencido de que la novocaína es la solución a sus pensamientos atormentados. Se convierte en adicto, sumergiéndose en un ciclo de autodestrucción que parece no tener fin.

Durante este tiempo, conoce a una chica llamada Whatsername, quien representa la auténtica rebeldía. En "She's a Rebel", St. Jimmy se siente atraído por ella, pero también inseguro. Ambos se dan cuenta de que, aunque se rebelan contra la norma, están vendiendo una imagen falsa de sí mismos. En "Extraordinary Girl", el amor de St. Jimmy por Whatsername se complica por sus propias inseguridades y confusiones.

La relación da un giro cuando Whatsername le escribe una carta en "Letterbomb", revelando que su secreto no está a salvo. Ella siente que, al haber encontrado el amor, ahora está en deuda con su pasado. Al final, Whatsername lo abandona, dejándolo solo y devastado en la ciudad.

A medida que pasa el tiempo, St. Jimmy cae en una profunda depresión, tal como se expresa en "Wake Me Up When September Ends". La pérdida de Whatsername y el vacío que siente lo llevan a una crisis existencial. Finalmente, decide acabar con la existencia de St. Jimmy, simbolizando su deseo de matar a la personalidad que había creado. En "Homecoming", finge suicidarse en la bahía, tratando de liberarse de las cadenas que lo atan.

Después de este tumultuoso viaje, Jesus of Suburbia se encuentra trabajando en una oficina de la Calle 12 Este. Sin embargo, sigue atrapado en su propio mundo, deseando que alguien lo saque de ese sueño. En "Nobody Likes You!", siente que la soledad lo rodea, y empieza a pensar que nadie lo quiere. Whatsername se ha ido, y él se siente abandonado.

Recibe una postal de un amigo llamado Tunny, quien le cuenta sobre su éxito, lo que lo lleva a reflexionar sobre su propia vida. Finalmente, en "We're Coming Home Again", Jesus of Suburbia decide regresar a Jingletown, donde cree que pertenece.

Al llegar, se siente nostálgico. En "Whatsername", hace una fogata y quema todas las fotografías de Whatsername, preguntándose cuál habría sido su nombre real. Se pregunta si tal vez se haya casado con alguien más. A pesar de sus esfuerzos por olvidarla, se da cuenta de que todavía no es capaz de dejar atrás su recuerdo.

Así, Jesus of Suburbia concluye su viaje, enfrentando las realidades de su vida y el camino que ha recorrido, dejando un eco de rebelión y búsqueda de autenticidad que resuena con muchos que también luchan por encontrar su lugar en un mundo que a menudo parece vacío y sin sentido.

A 20 años del álbum, el impacto que tuvo a lo largo del tiempo, y el clásico moderno en lo que se a convertido.

American Idiot no solo revitalizó el punk rock, sino que dejó una huella profunda en la cultura popular, inspirando a otros artistas, discos, adaptaciones teatrales y ampliando su influencia a diversos medios.

Uno de los impactos más importantes fue su capacidad para revitalizar el concepto de álbum narrativo en el rock. En un momento en el que el punk rock había perdido fuerza en el mainstream, Green Day presentó un álbum conceptual que contaba la historia de Jesus of Suburbia, un joven atrapado en la monotonía suburbana que busca escapar de la alienación. Este enfoque inspiró a muchas bandas posteriores a explorar narrativas más profundas en sus propios discos. Un claro ejemplo es The Black Parade (2006) de My Chemical Romance, un álbum que también utilizó una historia conceptual sobre la vida y la muerte, influenciado por American Idiot.

En el mundo del punk y el rock alternativo, el éxito de American Idiot demostró que las bandas podían abordar temas políticos y sociales.. Bandas como Rise Against y Against Me! siguieron este camino, con álbumes que exploraron la crítica social y política, algo que Green Day había hecho de manera destacada, enfrentándose a la escena política en la era de George W. Bush y la Guerra de Irak.

American Idiot no se limitó solo a la música. En 2010, el álbum fue adaptado en un exitoso musical de Broadway dirigido por Michael Mayer. La obra contaba la historia de Jesus of Suburbia y llevaba las canciones del disco al escenario, utilizando coreografías y una escenografía inspirada en el álbum. El musical ganó dos premios Tony y fue aclamado por su capacidad para llevar la energía y el mensaje de la música de Green Day a un formato teatral. Esta adaptación ayudó a atraer una nueva audiencia que quizás no estaba familiarizada con la banda o el álbum.

El uso de canciones como "Boulevard of Broken Dreams" y "Holiday" en películas, series de televisión y comerciales amplió la presencia de American Idiot. Estas canciones se convirtieron en himnos de una generación que enfrentaba la polarización política y la incertidumbre social en la era posterior al 11 de septiembre, reflejando el descontento de muchos jóvenes.

Además del musical, American Idiot también inspiró adaptaciones en otros medios. Se crearon novelas gráficas y cómics que reinterpretaron la historia de Jesus of Suburbia. Estas expansiones destacaron el potencial artístico de American Idiot, demostrando que la música no tiene fronteras y que el arte se adapta a cualquier medio.

Con el tiempo, el álbum ha sido reevaluado como un clásico moderno. No solo fue clave en la revitalización de Green Day y el punk rock, sino que también abrió el camino para que más artistas utilizaran la música como plataforma para expresar críticas sociales y políticas. En retrospectiva, se reconoce como uno de los álbumes conceptuales más importantes del siglo XXI, demostrando cómo el arte puede responder a momentos de crisis y cómo la música puede ser un poderoso reflejo de la realidad cultural y política de su tiempo. Así que despiértenme cuando pase septiembre o cuando Green Day anuncie gira en México. 

¿Cuál es tu track favorito? Te leemos en redes sociales.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Lorelle Meets The Obsolete anuncia EP en vinilo

Una nueva perspectiva de su sonido psicodélico y experimental.

La banda mexicana, Lorelle Meets The Obsolete, ha anunciado el lanzamiento de su EP Remezcla en formato vinilo verde neón, que estará disponible a partir del 25 de octubre. Esta edición limitada incluye dos remixes inéditos, que la convertirán en una pieza de colección para sus seguidores.

El EP, que originalmente estaba disponible solo en digital, ahora llega en formato físico con remixes realizados por artistas que han sido clave en la trayectoria de la banda. Entre los colaboradores se encuentran SUUNS, Deadverse (Dälek), Immersion (Colin Newman y Malka Spigel), Invisible Dog (Adam Payne) y MEMORIALS. Estas reinterpretaciones ofrecen una nueva perspectiva del sonido psicodélico y experimental característico de Lorelle Meets The Obsolete.

El diseño del vinilo, a cargo de Daniel Castrejón, mantiene la estética única de la banda, complementando a la perfección el concepto de esta edición especial. Además, la preventa ya está disponible a través de Sonic Cathedral, por lo que los fanáticos podrán asegurar su copia antes del lanzamiento oficial.

Con este vinilo, Lorelle Meets The Obsolete sigue ampliando su legado dentro de la música alternativa, ofreciendo a su audiencia un producto exclusivo que combina arte visual y sonoro en una experiencia sensorial completa.

Lorelle Meets The Obsolete Vinilo

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

El 'No Name Tour' de Jack White estará disponible en streaming

Podrás disfrutar de 10 conciertos de su gira desde la comodidad de tu hogar.

El No Name Tour ha dado un giro interesante, esta gira se caracteriza por su enfoque discreto, ya que se lleva a cabo en pequeños clubes, anunciándose solo días antes de cada presentación. A lo largo de su carrera, desde su icónica etapa en The White Stripes hasta su prolífica carrera en solitario, White ha sabido mantener una relación única con sus seguidores, ofreciendo experiencias sorpresivas e íntimas. Ahora, el músico ha puesto a disposición de sus fans 10 de estos espectáculos en la plataforma de música en vivo nugs.net. Entre las presentaciones, se incluyen conciertos recientes en Nashville y Detroit, así como actuaciones en países como Suecia, Noruega y Dinamarca.

Los conciertos en streaming de Jack White están disponibles al momento de adquirir tu suscripción en nugs.net. Una vez adquiridos, los fans podrán disfrutar en cualquier momento de estos shows en vivo, además, los sets en nugs.net no solo incluyen los shows íntimos, sino también presentaciones en grandes festivales, brindando a cualquier fan dondequiera que esté la experiencia del No Name Tour.

Si eres fan de Jack White, no querrás perderte la oportunidad de revivir sus conciertos y tener acceso a la energía en vivo del legendario músico. Y si estás en la Ciudad de México y prefieres vivir la experiencia en persona, no te olvides que el solista se presentará en el Corona Capital el 17 de noviembre. ¡No te lo pierdas!

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Phoenix, Angèle y Kavinsky comparten “Nightcall”

La colaboración que se presentó en la ceremonia de los Juegos Olímpicos de París 2024 ahora tiene su versión de estudio.

La icónica canción "Nightcall", famosa por su inclusión en la banda sonora de la película Drive, ha sido reinterpretada por Phoenix, Kavinsky y la cantante belga Angèle. El single, que debutó durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París 2024, cautivó al público y rápidamente se convirtió en un éxito viral, rompiendo el récord de más búsquedas en Shazam en un solo día.

Nightcall

Producida originalmente por Kavinsky junto a Guy-Manuel de Homem-Christo, miembro de Daft Punk, "Nightcall" adquiere una nueva dimensión con la adición de las voces de Thomas Mars, de Phoenix, y Angèle. Esta nueva colaboración mezcla lo mejor de la electrónica retro de Kavinsky con la producción y estilo característico de Phoenix, brindando un sonido fresco que ha resonado a nivel global.

La actuación en los Juegos Olímpicos no solo contó con esta versión de "Nightcall", sino que también vio a Phoenix colaborar con artistas como Air y Ezra Koenig de Vampire Weekend. Sin embargo, fue "Nightcall" la que capturó la atención mundial, marcando un momento musical único que ahora está disponible en formato de estudio para el deleite de los fans.

Este lanzamiento refuerza la influencia duradera de la pista original y la capacidad de la música para renovarse con un talento inigualable que consolida a nivel global el estatus de los artistas involucrados.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

St. Vincent anuncia disco en español y estrena “Hombre Roto”

Un tributo a sus seguidores en Sudamérica, México y España.

St. Vincent, la talentosa cantautora estadounidense, ha lanzado "Hombre Roto", el primer sencillo en español de su próximo álbum, Todos nacen gritando, una versión traducida de su trabajo original All Born Screaming. Este álbum incluirá 10 canciones nuevas y estará disponible a partir del 15 de noviembre de 2024 a través de Total Pleasure Records en colaboración con Virgin Music Group.

“Hombre Roto” destaca por su emotiva letra, que aborda la vulnerabilidad y el dolor. La canción fue traducida por el cineasta Alan Del Rio Ortiz, quien mantuvo la esencia del tema original, adaptando algunas palabras para conservar la melodía. La producción cuenta con la participación especial del baterista Dave Grohl, quien también colaboró en la versión original.

St. Vincent compartió que esta versión en español es un tributo a sus seguidores en Sudamérica, México y España, quienes, según ella, la han inspirado por su pasión y entrega en sus conciertos. “Si ellos pueden cantar en inglés, yo puedo alcanzarlos a mitad de camino”, comentó la artista, reflexionando sobre su conexión con estos públicos. 

Con Todos nacen gritando, St. Vincent se aventura en un nuevo desafío, demostrando su capacidad de reinventarse y crear música que trasciende fronteras lingüísticas.

Te compartimos la portada del disco a continuación:

St Vincent Todos Nacen Gritando

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

 

Yaeji estrena el video de “booboo”

El retorno al club underground, al ritmo de una mente brillante.

La visionaria DJ, productora y cantautora neoyorquina de raíces coreanas, Yaeji, ha vuelto a marcar la pauta en el mundo musical con su nuevo single, "booboo". Reconocida por su habilidad para fusionar géneros y culturas, Yaeji se ha posicionado desde su debut, y esta nueva entrega es un testimonio de su constante evolución.

Después de un año de silencio tras el lanzamiento de su aclamado álbum debut With A Hammer en 2023, la productora ha vuelto a las pistas de baile con "booboo", una creación que refleja su reciente viaje de introspección y autodescubrimiento.

El video, dirigido por ella misma, nos muestra un desenfrenado viaje en el auto con amigos. Entre escenas borrosas e imágenes en una alocada fiesta, nos sumergimos en el ritmo de "booboo". Dale play a continuación:

En "booboo", la talentosa DJ se sumerge en sus raíces, en la comunidad de baile underground que la inspiró desde el principio, para ofrecer un sonido que conecta el alma, la mente y el cuerpo con la pista de baile. Este single es una celebración de la autoliberación, una invitación a dejarse llevar por las vibraciones y a encontrar una nueva libertad en la música.

En este estreno, Yaeji no solo regresa al club; regresa a sí misma, y nos invita a todos a acompañarla en este viaje de redescubrimiento.

Yaeji Booboo 4

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

mariagrep estrena “Basura”

El lado tóxico de la vida nocturna.

mariagrep estrena “Basura”, un adelanto de lo que será su primer álbum, mariagrep is not a crime. El single cuenta con la producción de Manuel Blanco, reconocido por su trabajo con Sen Senra y otros artistas destacados de la escena indie. Con un sonido que mezcla electrónica y r&b, "Basura" se destaca por su crítica a la vida nocturna y los excesos de juventud.

Jugando con beats rotos, estirando el imaginario del indie electrónico a códigos propios tanto del r&b como de la rave más sensible, esta 'Basura' continúa reflexionando sobre las derivas de la noche y los excesos desde la mirada de una chica joven de veintipocos años", se lee en el sitio oficial de la artista.

El álbum completo, que promete ser una muestra de su estilo autocrítico, se estrenará a finales de este año a través de Raso Estudio. mariagrep is not a crime crea un sonido único y experimental que refleja las luchas de una joven en exploración personal. Con sencillos anteriores como “Una balada más”, “123 YA!” y "Otra Noche", la artista gallega se perfila como una de las más prometedoras dentro del indie electrónico español.

Mientras esperamos con ansias su lanzamiento, podemos disfrutar de los nuevos sencillos que nos brinda mariagrep is not a crime. ¡No te quedes sin escucharlos!

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Orion Sun

Una constelación que nos abraza con su arte.

La vida se divide en pequeños fragmentos: a veces tenemos suerte, otras no tanto, pero todo depende de la perspectiva en que la miremos. Desde una nueva perspectiva Orion Sun escribe su tercer álbum, Orion, que podremos escuchar este 20 de septiembre, y por eso, en Indie Rocks! platicamos con ella.  

Espero que puedas sentir el calor en mi arte, incluso si no me conoces, espero que el sol te abrace de manera positiva”.

Orion Sun regresa con nueva música después de una breve pausa para adentrarnos en un viaje introspectivo con el que nos podemos identificar fácilmente y hacernos parte de este viaje. “Realmente quería que este proyecto tuviera mi nombre porque lo veo como un catalizador para el resto de mi carrera: estas son algunas de mis ideas, sentimientos y emociones que intento sentir y analizar, es muy reflexivo. Creo que es una buena carta de presentación para el mundo”. 

Querer ser recordado es un deseo humano que todos tenemos expresándolo de diferentes maneras, en este caso Orion lo hace con la música, entre melodías y letras que buscan encontrar almas perdidas que rondan el mundo para llevarles un poco de luz.  

Orion viene de la constelación, las constelaciones en general siempre han sido una herramienta increíble para soñar, dirigir… cuando miras hacia el cielo, las estrellas son tan viejas, es como mirar al pasado. Yo quiero que mi arte encarne ese tipo de energía ilimitada y atemporal. Luego comencé a sentir que era una mejor amiga, compañera, cualquier cosa, si mantenía una relación con cierta distancia; si el sol se acerca más a nosotros morimos, pero existe una distancia donde todavía podemos sentirlo”.  

Elegí Orion porque es la perfección, es el cazador y me siento como una cazadora en mi arte, siempre busco lo correcto”.

Escribir Orion fue un proceso simple y al mismo tiempo complejo, pues cada acción de la rutina contó para llegar al resultado final. “A veces estás arriba, otros abajo; algunos días llegas y solo hablas de la vida, eso también es parte del proceso de escribir una canción es como no hacer nada y luego hacer todo un día. Este fue un proceso diferente para mí porque comencé la mayor parte de las canciones, pero terminé colaborando con la mayor cantidad de personas con las que he colaborado y estoy agradecida por esto. Me enseñaron no solo sobre música, sino también sobre el equilibrio para crecer y mejorar. Simplemente superar las dudas y aprender que puedes lograrlo”.  

Si es la primera vez que escuchas a Orion Sun o crees que la conocías, presta atención a la canción "Mary Jane", pues esta fue su experiencia al grabarla y nos permite conocer un poco más de ella.  

“Me tomó más tiempo de terminar porque era muy diferente, era una de esas canciones en las que podría quedar cualquier género. Fue tan abrumador y, al mismo tiempo, una hermosa lección para mí ya que este fue el punto de definir cómo quiero ponerle mi sello aunque podamos hacerlo bien en tantas direcciones. Muchas ideas son buenas y una gran parte del proceso es decir: ‘elijo esta’ y mantenerte firme”.  

En el álbum podemos escuchar muchos temas: con algunos nos identificaremos, en otros notaremos la habilidad de Orion Sun para crear atmósferas etéreas con las que podemos perdernos en un viaje entre las estrellas. Mientras que nosotros disfrutamos, Orion Sun se lleva un gran aprendizaje. “Me volví más segura en el estudio; aprendí el lenguaje de la colaboración, mejoré al mostrar lo que quería escuchar, mostrando mis ideas y, sin duda, crecí como persona”.  

Para experimentar estos sentimientos, no te olvides de escuchar Orion y dejar que el  tiempo haga parte de tu vida este álbum. 

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

La Femme estrena “Love is Over”

Una balada introspectiva que aborda el final de una relación.

La Femme se prepara para lanzar su nuevo álbum, Rock Machine, que llegará el 11 de octubre a través del sello independiente Disque Pointu. Como parte de la promoción del álbum, la banda ha estrenado el sencillo “Love Is Over”, una canción con un sonido new wave que mezcla la nostalgia con una perspectiva fresca y moderna.

La banda francesa, conocida por su enfoque experimental, nos presenta una balada introspectiva que aborda el final de una relación, explorando los sentimientos de pérdida y resignación. Este lanzamiento sigue los pasos de otros sencillos del álbum, como “Clover Paradise” y “Ciao, Paris!”, que muestran el enfoque retro futurista de La Femme.

Rock Machine explora una fusión única entre el rock y los ritmos coldwave que sintetizan la evolución de La Femme, siempre desafiando las expectativas y mezclando estilos para ofrecer algo nuevo y original.

Con "Love Is Over", los parisinos prometen expandir sus horizontes musicales. No te pierdas la oportunidad de escuchar a La Femme en esta nueva etapa creativa y disfrutar de la mezcla única de estilos que traerá su nuevo álbum.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook