Entrevista con Gloory Hole

Putilatex, moretones y amor.

El nuevo álbum de Gloory Hole está por lanzarse. Hasta ahora hay sencillos como “ERES INCREIBLE”, “MAS GRACIOSA QUE BONITA” y también “HYPER POSPONK MEXA”. El próximo 06 de marzo será la presentación oficial en vivo de QUE SE JODAN SI NO PUEDEN ASUMIR UNA BROMA. En entrevista platicamos con Efraín y Gloria sobre sus colaboraciones, el crear música como pareja, la integración de nuevos públicos a su música y su regreso a Foro Indie Rocks!.

Indie Rocks! Magazine: Han pasado por muchas etapas a lo largo de su proyecto pero, en este momento, ¿cómo definen a Gloory Hole?

Gloory Hole: Es un hobby muy caro. Sí, es un hobby muy caro, bastante caro económicamente; también la salud mental lo ha resentido un poco, pero pues no sé, creo que al menos yo creo que en este punto ya disfruto más esto. Creo que en el inicio tenía mucho miedo; era todo muy nuevo, me sentía como muy pequeña.

Y pues sí, creo que en este momento sí me siento como que lo disfruto más. Yo disfruto más pararme en un escenario y echar gritos, y ponerle chistosa y estar rara. Y disfruto como, o sea, por ejemplo, el proceso de este disco; creo que estuvo difícil, o sea, fue un proceso como difícil emocionalmente, difícil también como, pues no sé; en medio del caos de repente está difícil poder hacer las cosas y tenerlas.

No sé, siento que en este momento sí podemos como definir como en algo; siento que ahorita sí estamos tratando de hacerlo bien. O sea, bueno, me refiero a, pues sí, creo que le estamos poniendo como el empeño y como el interés y un chingo de ganas como por querer sorprendernos, creo que a nosotros mismos, para hacer algo como, pues sí, retarnos para hacer algo como mucho más chido de lo que ya habíamos hecho anteriormente. 

Desde septiembre o un poquito antes, no me acuerdo, como que todo empezó a ser un caos como muy denso de nuestras existencias. Y creo que fue como así, un poco, un “date quieto, espérate un momentito”, y ver las cosas como desde fuera; y ahorita creo que, no sé, ya lo vemos más, de manera más responsable, por así decirlo; nos sentimos como más, pues sí, eso, como una responsabilidad ante el proyecto.

IR!: Hemos visto que su proyecto pasó por ser un trío a un dúo y viene un nuevo show, ¿cómo han coincidido en las alineaciones y los cambios?

GH: Pues ha sido muy difícil, o sea, el proyecto realmente empezó como un dúo, o sea, éramos Glory y yo, y después fue que se unió este Óscar; y fue cuando toda esta primera etapa del primer disco pues sí era como presentarnos como un trío. Por septiembre Óscar deja la banda, y de hecho pues teníamos como fechas ya bookeadas y demás, y fue como ¡Ah! ¿Qué mierda hacemos? Lo chido es que, por ejemplo, para el Bandemia, que no sucedió, ya teníamos una full band como muy bien armada con varios amigos; y estas fechas después las hicimos solo Glory y yo, y el baterista y secuencias. 

O sea, como que lo cagado es que creo que Gloory Hole ha tenido muchas alineaciones distintas, pero como que la única cosa que no ha cambiado creo que es Gloria. Ha sido prueba y error en torno a alineaciones, y al menos para este show en el Indie Rocks!, como por el espacio y por el querer presentar el álbum, sí traemos una full band como muy, muy full band; o sea, traemos bajo, dos guitarras, batería, percusionista, saxofón, sínte; o sea, yo toco un sinte, traemos otro sinte, y Gloria se ha quedado con un sinte y está aprendiendo a tocar el sinte para tocar en esta fecha y para el futuro.

IR!: Toda la bandota y los invitados… Algo que también es interesante de este proyecto es que, al mismo tiempo que son un dúo, son una pareja, ¿cómo es llevar esas dos relaciones simultáneamente?

GH: Pues, la verdad es que creo que, o sea, por ejemplo, con Efra no solamente somos como pareja; también tenemos una banda, también trabajamos juntos, ¿no? O sea, tenemos proyectos como aparte de Gloory Hole, como ya sea ayudándole, por ejemplo, al proyecto de otros amigos y proyectos que andamos chambeando en nuestro trabajo.Pero pues ahí andamos. 

Creo que, pues no sé, yo personalmente como que nunca me ha costado tanto trabajo como, o no he visto tan necesario separar las cosas. No sé, creo que Efra y yo, antes de ser como esposos, ¿no?, como que somos buenos amigos.

Y creo que… sí, somos buenos amigos, me cae muy chido. Pero siento que, por ejemplo, justo toda esta ola de caca que nadamos el año pasado sí fue algo en el que, pues sí, la terapia nos ayudó demasiado a decir: ok, ahí está la tormenta, pero no tienes que dejar que la tormenta como que le pegue al núcleo más importante, que es nuestra relación. O sea, creo que nuestra relación sí es como el núcleo de todo lo demás. Entonces es como de, pues sí, al final sí surge como, aunque sea muy cursi, pero surge de nuestro amor.

IR!: Es increíble que el amor sea la base de un dúo que al mismo tiempo se ve tan catártico en vivo. Esto desliga la idea de que el amor siempre es uno meloso, cursi y lento en la música. ¿Qué relación tiene el amor con la espiritualidad? Ya que Gloory Hole incluso creó su propia iglesia.

GH: Creo que, por ejemplo, a la hora de componer este disco en particular estábamos en otro momento y nació y se construyó desde otro tipo de amor, ¿no? Creo que cuando estábamos construyendo este disco fue de un amor que no solamente era con Efraín, ¿no? Pues éramos tres personas. Y lo construimos como desde ese tipo de amor. 

Y como estar ahí como, pues los dos, los dos empujándonos, porque de repente, por ejemplo, a mí personalmente, pues me gana el síndrome del impostor así durísimo, y digo como “no, está horrible, no hay ningún poema que funcione, soy pésima y nada servirá como para otra rola”. Y es desde el amor yo veo también desde el acercamiento, por ejemplo, de Efraín, de “no, vamos a buscarlo, seguro sirve algo, ay, ya, Gloria, cálmate un chingo”, y ponernos a leer y “ah, ok, esto funciona”, y pelotearlo, y “no, esto no me gusta”, “bueno, ¿qué tal?”, “ah, esta palabra creo que la podemos cambiar”, como desde construirlo desde ahí, desde la paciencia, ¿no?, desde también el empujarnos a que, pues, podamos hacerlo bien.

Y creo que eso se relaciona con la espiritualidad porque algo que está como loco es que yo vengo de una familia cristiana ortodoxa muy loca; o sea, de parte de mi abuelita, o sea, mi mamá y mi papá; pero mi abuelita sí es así como muy ortodoxa en el cristianismo; pues a mí me hicieron un exorcismo.

IR!: ¿te hicieron un exorcismo?

GH: Pues sí, me hicieron un exorcismo, o sea, que mis papás se enteraran así, como que hice una pregunta y al pastor no le gustó y le dijo a mi abuelita que yo tenía el demonio y se organizaron para que después de un culto me hicieran como un exorcismo, estuvo rarísimo, pero bueno, el chiste de que yo tenía como todo este bagaje como de la espiritualidad desde ahí, la Gloria como que no tenía ni idea de nada, o sea, como que nunca le enseñaron ni quién era Dios, ni qué onda con Jesús.

IR!: Hay mucha expectativa para el show que viene, ¿qué es lo que más les emociona de presentar esto en vivo?

GH: Lo primero que se me viene a la cabeza y que creo que si lo pensamos los dos es todo el trabajo y toda la chinga que ha habido con este disco. O sea, no solamente la chamba de componer las canciones, de escribirlas, de grabarlas, de la producción, la coproducción, o sea, todo eso, que ha sido una chambota, también la parte emocional.

Pero creo que también le apostamos muy cabrón en querer sacar un disco con rolas muy chidas y con un trabajo diferente al que vimos en las anteriores rolas que tenemos. Creo que eso es lo que a mí me emocionó. Y que escuchen esta evolución musical que tenemos en sonido y que sigue siendo un poco lo mismo y sigue siendo como también muy ecléctico porque pues no es como que tengamos un sonido como muy definido en todo el disco ni nada. Creo que también eso es lo interesante y pues nada, le hemos puesto mucho empeño a tratar de crear nuestro propio lore, para nuestra iglesia y para todo eso y creo que eso es lo que nos emociona, ¿no? Como que ya todo el mundo vea como todo el trabajo de este último año y medio.

IR!: Algo que no podemos dejar pasar es la colaboración con Tito, que además llega en un contexto donde él públicamente ha hablado de rehabilitación y ustedes vienen de un material que utiliza la misma palabra y temas…

GH: Sí, nosotros trabajamos con Diego Suárez de Bengala, trabajamos en su estudio y, por ejemplo, en su sello está nuestro proyecto. Y, pues, el primer disco de Bengala fue producido por los Molotov en su estudio. No sé quién lo produjo, pero fue parte del estudio de esos weyes. El primer disco de Bengala cumple 20 años. 

Y, pues, nada, como que es su amigo, es su compa el Tito. Pero nunca lo habíamos visto, ni cotorreado, ni nada. Y de repente de que, ah, wey, estaría chido que le mostraran nuestras rolas, estaría chido hacer algo. Pero, pues, no se veía tampoco como que fuera a suceder realmente.

Hasta que justo el año pasado Efraín estaba maqueteando esta rola de “ERES INCREIBLE” y le escuchó Diego y le mamó. Y fue como, wey, estaría cabrón que en esta rola estuviera la guitarra de Tito y los bajos de Tito. Y fue como, wey, la voy a mandar y esperamos si le late. Y si le late y eso, pues, hay que hacerlo. Y le gustó. Y, pues, nada, al final lo vimos, platicamos no solamente de qué trataba esta rola. Sino también todo nuestro trip con el proyecto y con este disco. 

Me parece muy cabrón. O sea, yo viví como un momento muy fuerte grabando este tema. Y como que ha pasado un chingo de tiempo y para ellos era volverse a reunir, después de 20 años, en un estudio. Para ahora trabajar la música de sus chavos, o sea, de nosotros.

Gloria y yo, cuando nos juntamos, así de que ya vivir juntos, hay una cosa muy romántica que es juntar tus discos y ambos teníamos ¿Dónde jugarán las niñas? de Molotov. Entonces es una referencia que ya desde ahorita la puedes ver a distancia y decir como: “esto está muy mal, lo que está diciendo esta canción está muy mal”. Pero no quita en el momento todo lo que representó y lo que representó también como para nosotros. O sea, como que, no sé, siento que luego la banda es muy crítica y niegan la cruz de su parroquia. Nosotros crecimos con este pedo. Y era como también para nosotros muy bonito poder colaborar con Tito

Este trabajo con Tito sí fue una conexión muy humana. De eso trata la canción, como el pedo del moretón, como que también ahorita estamos intentando hacer una transición entre lo blanco, que todo estaba muy blanco en nuestras portadas, como este pedo que yo ya tenía, a empezar a manchar el blanco con moretón, con golpes. 

O sea, fue como somos personas que han pasado cosas, traemos nuestros pedos y nos juntamos a hacer música porque es lo único que hemos aprendido a hacer bien.

IR!: Es como la canción clásica de rock mexicano que dice “junta tu monstruo dolido con el mío”...y desde ahí crear. 

GH: Sí, para mí, o sea, para mí ha sido muy fuerte.

IR!: Recientemente también hemos visto la integración de públicos más jóvenes a la música de la escena independiente, por ejemplo con Malcriada. Incluso, en redes sociales también hay un nicho importante de adolescentes a los que se les habla a través de la música. Parece que estas juventudes demandan bandas diferentes y alternativas a la opción mainstream, ¿cómo les ha ido con esta integración de públicos?

GH: Bueno, creo que es raro que lo hable esto, porque una vez tuve una experiencia muy chistosa en la cual una amiga de nosotros nos mandó un video de una amiga de ella que tenía una hija que estaba haciendo su tarea. O sea, la niña como de 10 años, yo creo que estaba en la primaria.

Estaba en su tarea y escuchando así de que alguna canción de nosotros. Y nos preguntaba ahí así como de, “no, es que ella nos descubrió solita” y que le gusta mucho, pero que ella le preguntó a su mamá que qué es el suicidio.

Y entonces mi amiga nos preguntó a nosotros como, no sé, buscándonos como de ayuda para su amiga “¿Qué le digo?, ¿Qué le digo?” Y pues nuestra música no es para niños. Eso es lo primero. O sea, como que nosotros no estamos pensando que nuestra música al público sean niños. Pero pues es como todo, ¿no? O sea, a mí el disco de Molotov yo lo escuchaba a escondidas a los 10 años. O sea, en casa de un amiguito que lo tenía y era como pornografía. O sea, eso es como de toda la vida.

Pero creo que es importante ponernos de este lado: nuestra música no es para niños. Por ejemplo, este show en Indie Rocks!, mucha gente nos escribe de que “ay, pero ¿por qué nada más 18?”. Porque no creemos que los temas que hablamos y lo que estamos platicando sea para niños. O sea, si yo tuviera un hijo, no le pondría… “PUM PUM!”. O sea, no le pondría nuestra música.

Que ahí es como que, sin hacer una crítica ni querer hacer o señalar nada, pero ahí es donde me parece como un terreno medio peligroso lo que está pasando con Malcriada. Porque ellos, teniendo una temática que sí no es para niños, sí están haciendo todo lo que gira a su alrededor un poco como hacia los niños, ¿no? Como que Roblox, que conciertos… O sea, pero al final, si el público está haciendo eso, no sé si uno como artista tiene que replantearse qué es lo que hace. Porque no fue su intención que la música llegara a esos públicos. 

O sea, justo es algo que hemos platicado muchas veces respecto a la responsabilidad de hacia dónde llega nuestra música y qué hace al respecto. Pero yo creo que… Una vez Tokisha dijo eso: “Yo no hago música para niños, y no queda en mi responsabilidad hablar de algo o explicar algo”. Los padres tienen que decir: “Oye, esta música no la escuches” o “te explico por qué esta música está diciendo esto”.

Y a lo que voy con esto, un poco, es que creo que nuestra música es para distintos públicos, ¿no? Porque es muy... Nos da mucha risa que en nuestros shows hay como morritos de repente justo y hombres mayores homosexuales. Ajá, rockeros homosexuales que les van a hacer de que puti latex y así.

IR!: Su música tiene la magia de juntar generaciones… 

GH: Sí, señores rockeros homosexuales.

No te pierdas a Gloory Hole en vivo este 07 de marzo en Foro Indie Rocks! en una noche con invitados especiales como Tito Fuentes, María Daniela, Los Banqueteros y Perra Brava. Consigue tus boletos aquí.

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La Changa y Sonido Gallo Negro estrenan “La Cumbia Del Gallo Negro”

Una colaboración que mantiene viva la tradición sonidera.

La cumbia es, sin duda, uno de los géneros que la Ciudad de México sabe gozar de verdad. Bien lo saben Sonido Gallo Negro y Sonido La Changa, dos de los exponentes más reconocidos de la escena, quienes en esta ocasión unen fuerzas en “La Cumbia Del Gallo Negro”. Con dicha colaboración, ambos referentes del ritmo tropical demuestran lo mejor del movimiento sonidero en México.

Ramón Rojo Villa, la voz legendaria detrás de La Changa, aporta ese toque tradicional que cualquier chilango reconoce de inmediato; mientras tanto, Sonido Gallo Negro aporta matices psicodélicos que vuelven a este sencillo una experiencia diferente. El estreno posee esa esencia que, a pesar de alejarse de la cumbia clásica, logra mezclar la herencia del barrio con la vanguardia, dando como resultado una pieza sonora cruda y oscura.

Aunque este representa su primer lanzamiento oficial en conjunto, su conexión se remonta al 2015, año en el que ambos se cruzaron durante el Vive Latino. Posteriormente, se reencontraron a finales de 2024 en la fiesta Infierno Tropical y, de forma más reciente, en el ritual del Día de Muertos 2025. Durante cada presentación, estos representantes de la música popular fueron sentando las bases de lo que hoy presentan.

Con este sencillo, Sonido Gallo Negro adelanta lo que será su próximo material discográfico, una entrega que promete ser más directa y menos complaciente, con el fin de proyectar una faceta musical distinta a lo que han mostrado de forma previa.

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Ringo Starr anuncia 'Long Long Road', su nuevo álbum

El británico lanza “It’s Been Too Long” como primer adelanto del disco.

Ringo Starr regresa con una fase creativa renovada, impregnada por la esencia sonora de Nashville y Los Ángeles. Tras el rotundo éxito de Look Up (2025), su primer material country en cinco décadas, el legendario músico presenta Long Long Road. Esta entrega continúa explorando las raíces del género y saldrá a la luz el 24 de abril de 2026; el disco ya se encuentra disponible para preguardar en plataformas digitales.

Como primer adelanto, el británico lanzó el tema "It's Been Too Long", una pieza que cuenta con la participación de Sarah Jarosz y Molly Tuttle, figuras destacadas del bluegrass contemporáneo. La canción entrelaza la voz del baterista con una lírica que evoca el anhelo por aquello que se ha dejado de compartir, convirtiéndose en una invitación al recuerdo desde una perspectiva luminosa bajo la producción de T Bone Burnett.

Long Long Road funciona como una expansión del universo que el artista y Burnett crearon previamente en 2025, año en el que lograron su primer Top 10 en ventas de Billboard y el número uno en la lista oficial de country en el Reino Unido. Este nuevo material se conforma por 10 piezas; entre ellas destaca el cover de "I Don't See Me In Your Eyes Anymore", composición original de su ídolo, Carl Perkins.

El álbum también cuenta con la participación de Billy Strings, Sheryl Crow y St. Vincent. No queda más que esperar por este próximo lanzamiento, en donde el músico de 85 años demuestra estar listo para seguir explorando diversos matices en cada producción, consolidando ahora el country como uno de sus géneros favoritos.

Mira la portada y el tracklist:

Ringo starr new album artwork long long road

01. "Returning Without Tears"
02. "Baby Don’t Go"
03. "I Don’t See Me in Your Eyes Anymore"
04. "It’s Been Too Long"
05. "Why"
06. "You and I (Wave of Love)"
07. "My Baby Don’t Want Nothing"
08. "Choose Love"
09. "She’s Gone"
10. "Long Long Road"

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RAYE presenta “Nightingale Lane.”

Una balada emotiva que anticipa su nuevo álbum THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.

Tras el fenómeno mundial de “WHERE IS MY HUSBAND!", RAYE está de vuelta con "Nightingale Lane.". Este nuevo sencillo es un adelanto de su próximo disco, THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE., el cual verá la luz el próximo 27 de marzo y que ya puedes pre-guardar en tu plataforma de audio favorita.

"Nightingale Lane." es una balada que apuesta por una instrumentación refinada y una interpretación vocal de impacto. La letra entrelaza vivencias personales donde el amor, el desengaño y la batalla interna cobran vida; es un sencillo que proyecta tanto dolor como determinación mediante metáforas que aluden directamente a la libertad y la esperanza.

Tanto este estreno como el álbum completo llegan en un momento importante para la artista, quien recientemente se presentó en los BRIT Awards 2026. En dicha ceremonia, estuvo nominada en las categorías de Canción del Año y Mejor Artista Pop, sumando un logro más a su trayectoria tras haber hecho historia en 2024 al llevarse seis estatuillas, hazaña que consolidó su estatus dentro de la industria musical británica.

Desde su debut en 2014, la cantautora ha logrado posicionar 20 temas en el Top 40 del Reino Unido y ya supera los 10 mil millones de reproducciones acumuladas. Con THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE., la londinense inaugura una nueva etapa sonora y reafirma una visión artística que actualmente presenta en vivo con su gira This Tour May Contain New Music por Europa; espectáculo que llegará a Norteamérica a finales de marzo.

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Vilevo estrena 'Sonidos del Espacio'

Un espacio intermedio entre la reflexión personal y la fuerza que caracteriza al post punk contemporáneo.

El dúo mexicano Vilevo está de regreso y lo hace con la presentación de Sonidos del Espacio en vivo, un material cuya esencia sonora se expande al presentar matices electrónicos, atmosféricos y futuristas. Este estreno marca un hito en su trayectoria, redefiniendo su perfil artístico para incursionar en una propuesta más envolvente.

A través de guitarras expansivas y sintetizadores, el disco construye una narrativa que fusiona la energía bailable con una melancolía introspectiva. En esta etapa, el proyecto apuesta por el anonimato, donde sus integrantes se muestran como personas que parecen provenir de otra dimensión. Dicha elección permite que la obra sea el único canal de transmisión, reforzando la idea de un espacio intermedio entre la reflexión personal y la fuerza que caracteriza al post punk contemporáneo.

Con esta nueva entrega, la electrónica adquiere un rol protagónico, permitiendo que las estructuras sean directas y con un diseño sonoro pensado, específicamente, para ser presentado en vivo. Temas como “Eres Diferente” destacan como momentos clave del material, integrando melodía y potencia en una pieza que sintetiza la mística de esta era.

Para promocionar el lanzamiento, Vilevo ha anunciado el Space Wave Tour 2026, una gira que contempla más de 29 ciudades en el país, incluyendo Guadalajara, Oaxaca, Tlaxcala, Monterrey, Tijuana y Toluca, entre otras. El próximo 11 de abril, el dúo se presentará en el Foro Sangriento de la Ciudad de México, con un show que busca trasladar su universo conceptual al escenario.

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Entrevista con DVTR

Caos, risas y velocidad sin filtro.

Directamente desde Canadá y recién llegados a la Ciudad de México, DVTR trajeron su energía desbordada y su sentido del humor absurdo a los escenarios capitalinos. Antes (y un poco durante) el caos, nos sentamos a jugar una ronda de preguntas rápidas con la banda. Entre confesiones, perros, ropa interior y ajedrez, esto fue lo que nos respondieron.

Indie Rocks!: Mi colaboración soñada sería con…

DVTR: ¡Turnstile!
(Pensé que ibas a decir Michael Jackson… ¡No!)
Sí, Turnstile. Abracadabra.

IR!: Si tuvieran que elegir entre vinilos, cassettes o CDs, irían con…

DVTR: ¡Vinyl!
Sí, vinilos. Es lindo tener objetos grandes…
Y buenas canciones en vinilo.
Sí, ponerle visuales a esa mierda.
Fácil. Demasiado fácil.

IR!: Mi familia dice que mi música es…

DVTR: Extraña.
Muy extraña.
Sí… bastante extraña.

IR!: La canción que más disfruto tocar en vivo es…

DVTR: “Vasectomía para todos”.
Sí, yo también.
Es tan fácil… y el mensaje es claro.

IR!: Un recuerdo feliz y uno triste…

DVTR: Feliz… no tengo.
¿Solo tristes?
Sí.
Cuando mi perro murió.
Sí… cuando mi perro murió.
Oh, mierda.

IR!: El regalo más raro que un fan les ha dado es…

DVTR: Tocamos en Japón y alguien nos dio 100 dólares a cada uno.
Así, sin preguntas.
¡Boom! ¡Boom!
Todo el mundo debería hacer eso en cada show.
¡Denme 100 dólares!

IR!: Mi lugar favorito en Canadá es…

DVTR: ¡Montreal!
Fácil.

IR!: Cuando estoy en el escenario pienso en…

DVTR: Mascotas.

IR!: Antes de dormir normalmente…

DVTR: ¡Secreto!
¡Es secreto!
Sí, secreto también.

IR!: Esenciales de gira…

DVTR: ¡Ropa interior!
¡Muy importante!
No son esenciales de gira, son esenciales de la vida.
No, espera… yo diría un tablero de ajedrez, porque jugamos ajedrez.
Pero… prefiero mi ropa interior.

IR!: La canción que recomiendan para descubrir su música es…

DVTR: “DVTR”.
Sí, es como una canción de equipo.
Tiene el mismo nombre que nosotros.

IR!: Un día perfecto sería…

DVTR: Viajar por la Ciudad de México.
Hacer entrevistas contigo.
Promover nuestro show.
¡Ese es un día perfecto!

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40 años del 'Master of Puppets' de Metallica

El disco que llevó el thrash metal a otro nivel.

Eran mediados de 1985, Metallica disfrutaba de un muy buen momento en su carrera con apenas dos discos lanzados, y en donde el thrash metal estaba encontrando un punto de inflexión considerable para la música pesada de aquella época junto a bandas Megadeth, Slayer, Anthrax y hasta Exodus como Overkill.

Tras terminar la gira de promoción del Ride The Lightning, la banda californiana empezaría a componer las canciones que sucederían su electrizante disco azúl lanzado en 1984, y no fue hasta septiembre del año siguiente cuando la banda se movió a los Sweet Silence Studios de Copenhague para grabar junto al productor y dueño del lugar, Flemming Rasmussen, su tercer álbum de larga duración, cuya composición estuvo a cargo principalmente de James Hetfield y Lars Ulrich.

En comparación con Kill ’Em All y Ride the Lightning, Master Of Puppets mostró un salto evidente en complejidad, estructura y ambición. Los riffs se volvieron más elaborados, las canciones más extensas y las dinámicas internas del grupo alcanzaron un nivel de precisión pocas veces visto en el género hasta ese momento. No era solo velocidad o agresión: era control, narrativa y una identidad que los definiría para siempre.

Metallica 1986

Desde el arranque lleno de furia de “Battery”, pasando por la legendaria rola homónima que a la fecha sigue siendo celebrada con ese inolvidable puente melódico, hasta canciones icónicas con temáticas bélicas (“Disposable Heroes”), críticas hacia falsos predicadores y líderes (“Leper Messiah”), o hasta el grandioso pasaje instrumental de “Orion”, en donde el virtuosismo de Cliff Burton saldría nuevamente a relucir previo a su terrible pérdida en septiembre de 1986.

Lanzado oficialmente el 3 de marzo de 1986, Master Of Puppets se mantuvo durante 72 semanas en la lista Billboard 200, un logro inusual para un disco de thrash metal en aquella época. Su recepción crítica como comercial fue tan positiva que llevó a la banda a salir de gira junto a Ozzy Osbourne durante el tour Ultimate Sin, consolidando su presencia en escenarios mucho más grandes.

A cuatro décadas de su lanzamiento, Master of Puppets es considerado una de las piezas esenciales del thrash metal, junto a Rust in Peace de Megadeth y Reign in Blood de Slayer, formando parte del legado compartido del llamado Big 4. Su impacto cultural también trascendió en género, volviéndose influencias de bandas como Machine Head, Trivium, Bullet For My Valentine, Mastodon, Tankard y Chimaira, quienes posteriormente reversionaron varios temas del icónico tercer álbum de los californianos.

Hasta la fecha, el track homónimo ha sido interpretado más de 1,700 veces en vivo, convirtiéndose en la canción más tocada en los sets de Metallica. Su legado no se limita exclusivamente en lo musical, sino también en lo audiovisual y la misma cultura pop, en donde “Master Of Puppets” ha sido utilizada en películas como Old School (2003) y Zombieland: Double Tap (2019), aunque su utilización más recordada de los últimos años ocurrió en la cuarta temporada de la icónica serie Stranger Things en 2022, causando que las nuevas generaciones se adentraran en el mítico disco.

Ocho canciones, 55 minutos de duración, y Master of Puppets sigue sonando tan contundente y desafiante como en 1986. Un disco que no solo consolidó a Metallica como referente absoluto del género, sino que redefinió los límites del metal en aquella década. Un disco esencial, feroz, vigente y eterno.

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Entrevista con Hesse Kassel

El spoken, la persistencia y los amigos.

Chile es un país que en los últimos años ha llamado la atención de México por la originalidad de su escena musical. Esta nueva ola de bandas post-pandemia tiene una fuerza innegable. Prueba de ello, es Hesse Kassel, un grupo de amigos que sorprendió con su debut el año pasado. El álbum La Brea fue uno de los discos más destacados de Iberoamérica en Indie Rocks! Magazine. Ahora, Hesse Kassel viajará a México para debutar en el Foro Indie Rocks! solo unos días después de presentarse por primera vez en el festival Lollapalooza Chile. A propósito de su visita, platicamos sobre su origen, sus momentos íntimos de ensayo en casa de Renatto y el salto a los grandes escenarios. 

Indie Rocks! Magazine: Comencemos esta charla hablando un poco de su historia, ¿Qué motivó este proyecto musical?

Hesse Kassel: Nosotros empezamos a tocar en vivo el año 2023, pero nos formamos en noviembre del 2022. Y bueno, surgió porque yo estaba haciendo música solo en mi casa, en mi pieza, con un micrófono ahí muy amateur. Y uno de los chicos, de los cabros de la banda, que es el Luca, propuso la idea de presentar estas canciones en vivo. Al final empezamos a reclutar gente. Bueno, con Joaquín nos conocemos de la universidad, que estamos estudiando la misma carrera, con Luca y Mauro también. Y bueno, el resto de la banda son amigos que teníamos del colegio o algo así, cuando éramos más jóvenes. Y bueno, esas canciones que hacía yo, al final nunca las retomamos, nunca las tocamos en vivo, pero sí sirvieron como la premisa para formar la banda y empezar a tocar y conversar y discutir lo que queríamos hacer y ya, derechamente, empezar a componer nuestras propias canciones. Y eso, tuvimos nuestra primera tocata, nuestra primera fecha en vivo, el 19 de enero del 2023. 

IR!: Haciendo una especie de radiografía de la banda y para saber cómo se relacionan entre ustedes con la música, ¿cómo dirían que se vive un ensayo? 

HK: Yo creo que va por etapas, por intensidades. Primero está el tema de llegar y armar el espacio, porque ensayamos en la casa de Renatto. Generalmente nos juntamos en un punto en común y uno de los miembros, que anda en auto nos lleva hasta allá.

Llegamos, ordenamos todo, calentamos un poco, jameamos para soltar los dedos y empezamos a estructurar qué vamos a hacer en el ensayo: qué temas revisar, qué conversaciones pendientes tenemos. Después llega un punto en que ya estamos más cansados —ahora estamos en verano y somos seis hombres, entonces empieza a haber olor a hombre— y decidimos salir un rato.

Nuestra actividad favorita es jugar con una pelota para que no toque el suelo, como para distender. Luego volvemos a la etapa final del ensayo, generalmente ya de noche, donde cerramos acuerdos para el próximo encuentro, ordenamos todo, jugamos un poco más y listo. A veces también comemos algo: si ensayamos temprano, desayunamos; si es tarde, cenamos o almorzamos. Los papás de Renato siempre son muy atentos con eso.

Cuando arrendamos salas de ensayo es distinto, porque ahí hay que ser más precisos con los tiempos. En esos casos solemos revisar el repertorio de La Brea y otras canciones, porque si no las tocamos por mucho tiempo, eso se nota en vivo.

En 2025, por ejemplo, la primera parte del año fue muy enfocada en componer. Casi todos los temas de nuestra próxima producción salieron en esa etapa. Después fue más ensayar para shows, porque viajamos bastante. Ahora estamos preparando los próximos ensayos para Lollapalooza: armar el show, la técnica, estar dentro de los márgenes de tiempo.

IR!: Claro, armar el setlist y todo… es buenísimo que la dinámica principal sea la música, pero que aparte tengan otras cosas que los liberen, que los saquen un poco de la música, porque también ahí está la inspiración, también ahí está la creatividad, y ustedes son amigos, entonces también hay unas relaciones que cuidar, no solo musicalmente. En estos momentos de ensayo y de creación, ¿cuándo algo pasa de ser un jam a convertirse en una canción oficial? 

HK: Bueno, según yo no jameamos tanto, no somos muy de improvisar, de repente lo hacemos como para... O sea, siento que cuando lo hacemos es para relajarnos, o claro, soltar los dedos, pero no tiene como un fin compositivo. Por eso es difícil pensarlo como cuando un jam se vuelve una canción, usualmente son cosas premeditadas. De hecho, muchas veces alguien llega con la intención de... “Mirá, es que quiero hacer un tema, quiero hacer una canción que suene de tal forma”, y ni siquiera hay una propuesta musical por detrás, pero con base a ese discurso o esa idea o ese orden de como dirección, empezamos a componer.

Igual somos un poquito más estructurados, diría yo. De repente creo que la gente tiende a asumir que somos una banda buena para improvisar, como los temas son largos. De hecho, hay gente que nos preguntó si es que estábamos improvisados para grabar el disco, pero para nada, o sea, es todo lo contrario.

Usualmente somos bien pauteados y dentro de lo que podemos con nuestro conocimiento musical, pero somos bien así como de contar vueltas o de contar compases, como que no dejamos tan libre el asunto de las canciones. Entonces por eso es más fácil saber cuando queremos cerrar un tema.

IR!: Es muy interesante que se mencione esto porque en varios medios se les refiere como una banda de improvisación. Seguramente ya han leído esas reseñas, ¿no?

HK: Sí, un poco, sí. 

IR!: Además, recientemente hay todo un dilema acerca del spoken word, o sea, de qué tanta vigencia tiene, de qué tan subversivo está siendo en estos momentos, de que existe desde hace muchos años, pero ahora parece que hay una ola de juventudes, de bandas que también vienen con la pandemia que retoman estos elementos para hacer su música. Entonces, ¿ustedes qué nos pueden decir acerca de este recurso? Incluso desde lo creativo porque también consideramos que es una herramienta que utilizan como parte de su narrativa musical. 

HK: Claro. Bueno, la palabra hablada, o el spoken word, por nuestro lado surge más como resultado de la inercia o de lo que se podía hacer con los recursos que estaban a disposición, es decir, el tema de encontrar un vocalista. Como que, claro, yo canto, yo soy vocalista de la banda, pero nunca fue la idea. De hecho, teníamos la premisa de ojalá encontrar a alguien en un principio, y nunca buscábamos o nunca llegó la persona y tampoco nadie de los chiquillos se animó a tomar las riendas de ese rol.

Y como yo igual escribía letras, muchas veces le escribía letras, por ejemplo, al Lucas, pero al final las terminaba cantando yo porque, bueno, no sé, así se dio. Pero eso no era nada, y no es nada premeditado, sino que yo siento que hay muchos artistas que llegan a ese recurso por una manera de hacer lo que pueden con los recursos vocales que tienen. Por ejemplo, David Byrne de los Talking Heads o David Bowie, no son vocalistas prístinos o no son como personas con muy buena técnica vocal, pero es gente que, claro, tiene este recurso medio de palabra hablada entre los gritos y el canto y que tiene como un caché.

Entonces siento que de ahí sale un poco la influencia de que yo también siento que no soy una persona con una voz excelente, muy afinada o buena técnica vocal, entonces es como ok, si yo quiero hacerme escuchar, quizás lo pueda hacer desde esta otra forma. Que igual también surge mucho desde el rap. El rap tampoco es un canto como tal, sino que también tiene como esta suerte de vocalización declamada o recitada.

Y por ejemplo, acá en Chile igual hay hartos proyectos y figuras artísticas que se basan un poco en ese recurso. Quizás la gente no dice, “oye, este tipo hace spoken word” como que no es un tema de conversación. 

Por ejemplo, la banda Los Tres, tienen hartas canciones donde Álvaro Henríquez usa este recurso. “La Torre de Babel”, es una canción muy hablada. El hermano de Álvaro Henríquez tiene un grupo que se llama González y los asistentes, donde ahí también el tipo solamente habla. Y Jorge González, bueno, en el disco Corazones, tiene muchas canciones así. Entonces como que está ese recurso también ha girando en torno a la cultura chilena. Por ejemplo, “We are sudamerican rockers” es un tema hablado prácticamente. El debut de Los Prisioneros, la voz de los ochenta, también tiene mucho ese fraseo rápido. 

Entonces sale desde ahí y, claro, yo siento que ahora está en boga porque están estos otros proyectos del primer mundo que los usan, como Black Midi, Black Country, New Road o Maruja. Bueno, Model/Actriz también tiene esa llegada un poco a la vocalización.

Porque igual es como que culturalmente siempre está el péndulo que va y viene. En su momento quizás fue Furor el spoken word, después no lo fue tanto y ahora volvió a hacerlo. Igual también, pienso, puede ser también como por la impronta de la música que se está haciendo.

Sí, pero eso, o sea, siempre ha estado, siempre ha sido un recurso y acá en Chile es algo que se usa no comúnmente pero está bien plasmado en la cultura musical. Hay hartos puntos donde uno se puede agarrar después de la historia. 

IR!: Es muy poderoso que estos puntos sean retomados desde la mirada latinoamericana y no solo porque, como mencionas, que en el primer mundo se le da el valor y entonces se piensa que lo demás es producto de otros países cuando también aquí ya se hace desde hace años. Aquí se toca otro punto, incluso el de la resistencia, como ya lo mencionaste, en el propio rap. Cambiando un poco de tema y algo que debemos de tocar antes de cerrar la entrevista es definitivamente la presentación en el Lollapalooza. No queremos hablar de qué expectativas tienen porque es un debut y demás, pero sí queremos retroceder un poco y saber cómo recibieron la noticia y cómo les impactó la noticia.

HK: Pues, recuerdo bien que la noticia nos llegó un día de semana en horario entre laboral y educacional. Fue como a las cuatro de la tarde, más o menos. Cuatro y media de la tarde. Entonces, claro, estábamos casi todos haciendo nuestras propias cosas. Algunos en clase, otros estábamos trabajando, otros estábamos haciendo varias cosas. 

Y nos llega un mensaje así como: “oigan chicos, llegamos, estamos en el Lola” y fue como ¡wow! En cuanto a lo emocional, yo siento que estábamos felices, orgullosos también. Pero yo igual honestamente estaba un poco sorprendido, o como anonadado, no sé si es la palabra, pero de decir como, “¿por qué nosotros?”. No porque seamos una banda o buena o mala, ni mucho más o menos, pero sí creo que es como, no sé, se me hace raro pensar que La Brea es un disco igual poco convencional en el sentido de que las canciones son largas, son irregulares, la canción que abre es un tema bien largo que tiene muchas secciones, no hay un verso o coro como tal. 

Entonces igual me daba la duda de a quién La Brea ha gustado, por qué lo habrán considerado y todo eso. Fue en agosto, ahora sí te puedo dar una fecha exacta, 7 de agosto del 2025, nosotros ni siquiera habíamos hecho el lanzamiento del disco todavía, nos habíamos tocado dos eventos más que nada. Entonces, claro, nos llega esta noticia y es como ya, ¿pero cuánto falta? Es marzo del próximo año, entonces todavía queda septiembre, octubre, noviembre, diciembre, enero, febrero… pero uno ya tiene la noticia, entonces siempre es como bien ansioso, como esperar, esperar.

Y yo creo que ahora igual es como, ahora que a menos de un mes igual es emocionante, porque ahora como que está empezando a ser en serio, como armar ese equipo y organizar estas cosas y armar fechas y ensayos, está emocionante. Ahora que estamos como en la recta final, ahora sí se ve donde, se ve qué pasa y qué no pasa.

IR!: Y es un festival que ya garantiza gente, garantiza un público, digamos que aunque estén en horario temprano, va a haber flujo de gente y de personas que seguramente se van a sumar como nuevos fans. Y también hay muchos fans ya que los siguen y que ahí van a estar presentes, entonces, va a ser una aventura interesante. Recién se lanzó el vinilo de La Brea, entonces quiero preguntarles acerca de cómo consumen ustedes la música. ¿Escuchan discos? ¿Escuchan vinilos? Bueno, sabemos que es súper más fácil escuchar en plataformas digitales, pero hablando de formatos físicos, ¿a cuál le tienen más cariño? 

HK: Yo sé que específicamente nuestro baterista, Lalo, es coleccionista, colecciona muchos discos CD.

Bueno, yo vivo con Lucas junto y él tiene también muchos vinilos, muchos CD, también como de la música que le gusta, claro. No sé si tiene tantos, pero como que Lalo tiene pocos, pero tiene joyitas. Claro, tiene como esa impronta de coleccionista. Y yo creo que nosotros somos más como de consumir música en el formato digital, porque es más cómodo, es más barato también. Yo igual creo que tiene su caché, incluso diría, práctico, como la gracia práctica de escuchar en físico, porque personalmente yo, de más chico, no acostumbraba a escuchar discos de corrido.

De hecho, el primer disco que escuché de corrido, bueno, cosas de rap, escuchaba, pero nada muy consciente del tema musical. Pero el primer disco de corrido que escuché fue el homónimo de Lucibel, el disco rojo. Y no volví a escuchar un disco entero por mucho rato, hasta que me compré el Islands de King Crimson. Y justo en mi casa encontré un personal estéreo y lo puse. Ahí lo escuché. Y lo escuché de principio a final.

Y de ahí que yo me acostumbré a escuchar discos enteros. Pero era bacán porque aparte justo me fui de vacaciones al sur y ahí no tenía internet. Entonces solamente podía escuchar ese CD. 

Este domingo 15 de marzo Hesse Kassel se presentará por primera vez en Lollapalooza Chile y llegará al Foro Indie Rocks! en CDMX el 20 de marzo. 

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Ellas Resuenan #23 - febrero de 2026

Construyendo métodos y rutas de colaboración.

La red de periodistas #EllasResuenan, reúne a diversas profesionales con amplia trayectoria en la industria musical, desde investigadoras hasta directoras de proyectos que llevan por delante el propósito de hacer un periodismo con perspectiva de género que represente, marque referentes e inspire cambios positivos en el medio.

Sus acciones tienen que ver con el registro y sondeo de eventos, estrenos y hechos relevantes relacionados con mujeres, disidencias del género en la escena; nutriendo de esta manera la historia de la música que hasta ahora estaba protagonizada por varones.

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Ellas resuenan 23

Febrero se termina y con él, llega una nueva entrega desde la lectura aguda y afectiva de nuestras colaboradoras, quienes recopilan en este número los más recientes sencillos y lanzamientos de Martha Merino, Rei Volcana, Valeria Jasso, Hela San, Leiden, Estibaliz y Sotomayor, reseñando también el concierto de Bruses en el Metropolitan y mencionando los eventos que no te puedes perder en marzo.

Rumbo al 8M recordamos que nuestra presencia y lucha se acuerpa todos los días, desde todas las trincheras diversas y descentralizadas en las que resistimos, colectivizamos, okupamos y hacemos circular nuestros saberes y afectos desde nuestra praxis, enmarcada en el periodismo musical con perspectiva de género.

Coordinación: Gabriela Maravilla

Edición: Rita Oznaya y Mar Villarroel

Diseño de imagen: Stephanie Hernández

Difusión: Karla Carmona y Adriana Hernández

Febrero en fuego

Cúrate las penas con los estrenos y lanzamientos de febrero. Música hecha por mujeres para llenar tu algoritmo de baile, fuerza y morras chingonas.

Curaduría por Nadya Pérez.

En portada: Sof Gamboa.

Escucha la playlist aquí.

LANZAMIENTOS

1. afrodita

Estibaliz te vuelve una Afrodita con su nuevo LP 

Por: Nadya Pérez / Hecho por morras  

 La cantautora mexicana Estibaliz Badiola lanzó Afrodita, un álbum de 13 canciones que exploran la hiperfeminidad desde la fuerza y vulnerabilidad, recordándonos que todo lo que necesitamos está dentro de nosotras y que un círculo de contención sano es un gran estímulo externo para estar tranqui.

Sonoramente Afrodita mueve sus caderas al ritmo de la cumbia para curar las penas bailando. Las canciones que más disfruté fueron Boomerang, Cliché y Ahora te aguantas, pero todo el disco es una gozadera, dale play y mueve tus caderas como toda una Afrodita.  

Foto: IG @estibalizoficial 

Escucha Afrodita aquí:

2. hela san

Hela San lanza live session de Cuerpo de Agua con Leiden
Por: Stephanie Hernández / Frecuencia Sorora
Fotografía: Perla Brambila

Después de varios años de espera, la cantante, pianista y compositora Hela San, compartió el primer sencillo de lo que será su tercer álbum. Cuerpo de Agua es un sencillo que realizó en colaboración con la cantante y compositora Leiden. Para Ellas Resuenan, platicó que este sencillo se creó a la distancia: «Lo platicamos por videollamada, le conté de dónde viene la idea de la canción y por qué me parecía importante cantarla con ella. Le pasé la maqueta y ella grabó desde su casa, me mandó su voz y acá mezclamos todo».

Hela San mencionó que esta composición la hizo en un momento en el que se sentía muy sola, con ganas de conectar con alguien. Fue cuando pensó en Leiden, quien le pareció un gran ejemplo de mujer moderna: «Es rebelde, dice lo que piensa y usa su imagen como un statement de su arte. Yo intento hacer lo mismo, así que me pareció lógico invitarla a ser parte de la grabación».

A poco tiempo del lanzamiento de la canción, en noviembre de 2025, ambas se reunieron en Jazzatlán para grabar este video. Por primera vez lo hicieron en vivo, escuchándose en una sesión que salió este febrero. «Buscábamos un espacio con piano, y Jazzatlán quedó perfecto. Verdaderamente pudimos conectar y platicar al respecto, fue muy sanador. Y más bonito aún fue poder compartir la canción con su público, recibimos comentarios increíbles de fans de Leiden que pudieron conectar con la canción y hacerla suya». Cuerpo de agua ya está disponible en plataformas y la live session puede observarse en el canal de YouTube de Hela San.

Escucha Cuerpo de Agua aquí:

3. sotomayor

Wabi Sabi, el retorno de Sotomayor 

Por: Nadya Pérez / Hecho por morras

Fotografía: @venuxnadya

El dúomexa conformado por Paulina Sotomayor y Raúl Sotomayor está de regreso con un nuevo álbum; Wabi Sabi es la nueva placa de Sotomayor. Con este disco celebran 10 años de existencia como dúo, el décimo aniversario de Salvaje (su primer álbum) y su regreso a los escenarios después de 6 años sin tocar juntes.

En entrevista para Bilingual Sounds, me comparten todos los detalles de este disco que fue editado en vinil y que te hará bailar hasta al amanecer. 

Escucha la entrevista aquí.

NOTICIAS

4. la directoria 2a temporadafondo

La Directoria termina su segunda temporada
Por: Stephanie Hernández / Frecuencia Sorora

Las trayectorias profesionales de ocho mujeres que enriquecen la escena musical de Colima llegaron a la segunda temporada de La Directoria, proyecto creado por Vórtice Colectiva y Altavoz Radio.

En esta nueva entrega se dio a conocer la creación del proyecto como solista de la cantante Naya Larios; el trabajo con el canto medicina de Arely Chang; los géneros que mezcla la selectress Labello de Fresa; las composiciones de la cantautora Alix Castillo; la diversidad musical en el trabajo de la selectress Nova; el desarrollo en el jazz de la cantante y pianista Claudia Moreno; el trabajo de las primeras grabaciones de la cantante y compositora Sara Espinoza, y el desenvolvimiento con el hard techno de la DJ ANGELMALVADA.

Este material puede ser consultado en la página de Altavoz Radio, al igual que la primera temporada, la cual contiene 16 historias de creadoras musicales de esta entidad.

Escucha la segunda temporada de La Directoria aquí.

SENCILLOS

5. sólotú lanzamiento

Valeria Jasso te dice Solo tú 

Por: Nadya Pérez / Hecho por morras  

Foto: Fernanda Briseño

La cantautora yucateca Valeria Jasso despidió enero con Solo tú, su primera exploración de bachata con los destellos de bolero tropical que caracteriza su música, sumergiéndote en olas del Golfo Mexicano.

 Este sencillo tiene un perfecto equilibrio entre romanticismo y rush erótico; la dulce voz de la artista te hace sentir como en un enorme jardín mientras ella te canta al oído. Solo tú es el primer adelanto de su próximo álbum, así que mantén a Valeria Jasso en tu radar para que no te pierdas sus próximos lanzamientos.  

Escucha Solo tú aquí:

6. rei volcana

Naranja y Sal de Rei Volcana en versión acústico
Por: Stephanie Hernández / Frecuencia Sorora

A inicios de febrero, Rei Volcana compartió en su canal de YouTube la versión acústica de Naranja y Sal, uno de los sencillos que comprende su álbum debut, ADIOSAMARTE. Ari Loyola, cantante y compositora de la banda, compartió que cuando realizó la letra de esta canción inició por el coro: «Estaba pensando en un lugar de Guadalajara que es muy icónico, se llama Pare de Sufrir. Habíamos tocado ahí, tiene un ambiente muy festivo, muy diverso. Cuando empecé a escribir los versos, ya iban alineados al coro, que era sobre fiesta. Pensé en una persona que, en la manera que me veía, era como un escape. Me di cuenta que la letra podía aplicar a otros aspectos, no sólo para una relación romántica sino también para otras cosas que nos ayudan a distraernos».

El trabajo de la banda muchas veces es a distancia ya que Ari Loyola y Diana Delgado  (bajo) viven en Jalisco, mientras que Christian López (guitarra) y Leopoldo Morett (percusiones) están establecidos en Colima. Para estos procesos, Ari compartió para Ellas Resuenan que la mayoría de las veces es Polo quien lanza la primera propuesta: «Así vamos haciendo cada quien lo nuestro. Hay un par de canciones que han surgido por todos en los ensayos. Empezamos a improvisar, a sacar ideas y ya van surgiendo. Esta canción, Naranja y sal, es una canción que propuso Polo, nos mandó una base, la secuencia rítmica y la armonía». Después de un concierto en Ajijic, Rei Volcana preparará las fechas de sus siguientes presentaciones para este año. 

Escucha Naranja y sal aquí:

7. martha merino

Martha Merino compartió Womb, su nuevo sencillo
Por: Stephanie Hernández / Frecuencia Sorora
Fotografía: Alaska One

La cantante y compositora Martha Merino compartió Womb, el segundo sencillo de su carrera como solista. Esta entrega tiene mucha influencia del trip-hop, la artista mencionó que, en especial, las canciones Dissolved Girl y Black Milk de Massive Attack «tienen atmósferas bastante oscuras, pero etéreas. También emplean pedales armónicos y rítmicos que son una constante, así como el uso de reverb y delay. En la canción también usé un recurso que se llama “vocoder”, que es un efecto electrónico para la voz. Esto está influenciado por la banda de rock progresivo Cynic. Grimes también es una gran influencia para este trabajo».

Otro elemento con el que juega es un poema escrito por ella. «Esta es la parte que fue más experimental. Algo que me llamó la atención tiempo después de haberla concluido, es que me di cuenta que esta parte parece un rosario, por la forma en la que se repite y, sobre todo, porque está dedicada al vientre primordial y místico, la entidad femenina de la creación que rige la vida y la muerte. Omar Rodríguez López, me inspiró mucho en la forma de escribir y en general su estilo surrealista y caótico».

Martha Merino se formó como cantante de jazz en la Escuela Superior de Música del INBAL. En su último año de la licenciatura, su maestra de canto, Ingrid Beaujean, la alentó a explorar en la composición, por medio del uso de un software de audio. Es en estos ejercicios que surgió el borrador de Abraxas, su primer sencillo. «Y así llegó al sonido electrónico, encontrándolo como herramienta para la composición. Para mí, la electrónica es un recurso con infinitas posibilidades aún por explotar. He encontrado mucha libertad creativa en lo electrónico y mucha satisfacción al ver que puedo ser autosuficiente grabando y produciendo mi propia música».

Su desarrollo profesional ha sido acompañado por diferentes proyectos, algunos de ellos han sido en ensambles vocales con Leica Mochán, lo que la fortaleció en su manera de hacer arreglos vocales: «Me encanta hacer capas de voces y crear contrapuntos, armonías y disonancias, creo que fue mi parte favorita de hacer esta canción». Los dos lanzamientos de Martha Merino están relacionados entre sí: «Ha sido todo un proceso interno que ha implicado superar dudas y miedos, sobre todo a la incertidumbre que causa emprender nuevas etapas. A veces no sabía si había tomado la decisión correcta, y en muchas ocasiones sentía que no encajaba con las personas con las que llegaba a involucrarme musicalmente. Buscaba encajar en donde fuera, sentirme parte de algo, y muchas veces me salió mal y sufrí debido a esto. Sin embargo, ahora veo que necesitaba transitar esas experiencias para darme cuenta que “no encajar” no está tan mal, y que puede ser un terreno muy fértil para crear».

Escucha Womb aquí:

RESEÑAS

8. bruses reseña adrix

Bruses en el Metropólitan

Por: Adrix Hdz / Amazonas de Hierro

En su presentación del primero de febrero, Bruses nos dio un recorrido por su trayectoria recordando sus inicios, cuando realizaba covers en youtube pero siempre escribiendo y expresando sus emociones en cada letra que iba creando. Se nota el esmero y la producción en cada track que cantó; la parte más emotiva fue cuando presentó a las Ha Ash como sus madrinas, ya que desde niñas las ha admirado.

Y es que la tijuanense tiene la sensibilidad para conectar con las juventudes, que le aplauden, cantan y quieren por ser tan sincera en hablar de cada locura, malestar y monstruosidades mentales que cualquier persona podemos sentir en distintas edades. Resultó muy emotivo ver a madres y padres de familia acompañar a sus hijes y llorar junto con elles con éxitos como Dueles Tan Bien, Te de Piña y Monstruos (está bien estar mal).

La juventud se desbordó cuando Bruses bajó del escenario y entre las butacas cantó a lado de elles Ventialgo. La puesta en escena contó con coros, DJ, banda de rock, colaboraciones y beats, estando llena de sorpresas y haciendo un cierre con exigencia de despertar en el track Asi suena mi mente. Si en la presentación de su disco Desde el coma  ya podíamos intuir su performance donde la “Querida Amalia” expresaba su locura y “Malefika” representaba un acto de reivindicación, el reloj del escenario nos mantuvo atentas a cada movimiento. Bruses es la muestra de poder llevar lejos esa creatividad en una experiencia performática y audiovisual, desde lo digital hasta el Teatro Metropólitan.

LO IMPERDIBLE DE MARZO

9. linastoner

Lina Stoner presenta su disco Perla Negra

Por: Gabriela Maravilla / Amazonas de Hierro

Lina Stoner consuma la presentación oficial del EP Perla Negra. El pasado 18 de febrero realizó un showcase en Central Bélgica, donde tuvimos la oportunidad de escucharla hablar sobre el concepto de su nuevo material y una breve presentación en vivo donde presenciamos un par de estas poderosas canciones como una pequeña probadita de lo que viene. 

El próximo jueves 5 de marzo la podrás escuchar en vivo en el Fuckoffroom. Las puertas se abren a las 20:00 h y podrás escuchar bandas talentosas abriendo el show como Me.Ri.Da, Bul y Velo. Recuerda: la preventa en $200 y día del evento en $250.

10. reactor 8m

Reactor conmemora el 8M

Por: Gabriela Maravilla / Amazonas de Hierro

Para conmemorar el 8M las conductoras de Reactor se organizaron para transmitir el 6 de marzo desde el FARO Cosmos, de 11:00 a 17:00 h. A la transmisión se le sumará un bazar de bandas, ilustradoras y propuestas que visibilicen el trabajo de las mujeres dentro de la música.

También podrás encontrar una galería con exposición de arte, venta de ilustraciones, fotos, stickers y diseños de autoras, así como un show de stand up comedy, entre otros. Si no puedes asistir presencialmente, no te pierdas la transmisión por el 105.7 FM o a través de la página de Reactor.

11. logo ellas resuenan negro y blanco

Ellas Resuenan en el Museo del Telégrafo

Por: Gabriela Maravilla / Ellas resuenan

El jueves 12 de marzo, la colectiva y red de periodistas Ellas resuenan realizará un conversatorio en el Museo del Telégrafo (ubicado en el centro de la CDMX, cerca del metro Allende) titulado “NO SOMOS GROUPIES: Periodismo musical con perspectiva de género”, en el cual hablaremos de nosotras como periodistas, lo que realizamos y los obstáculos que hemos sorteado a lo largo de nuestra carrera en torno a diversas violencias de género, específicamente hacia las mujeres. El evento tendrá lugar de 17 a 19 horas, dentro del marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer.

12. opera

Ópera para Todos en Café Shah

Por: Gabriela Maravilla / Ellas resuenan

Regresan las temporadas de ópera en Café Shah. Estos ciclos comenzaron el 30 de mayo de 2025 con la presentación de la mezzosoprano Anayanci Martinez, quien fue acompañada de increíbles músicos. Bajo el lema “La Cultura y el Arte no son del centro de la Ciudad de México hacia el Sur, también en el Norte hay Cultura y Arte”, Café Shah retoma este mes una segunda temporada con el Primer Concierto de Ópera 2026, en donde el Café de México se acompaña de la excelencia musical.

Este mes podrás escuchar a la mezzosoprano Daniela Leng y a la soprano Selene Reyes, acompañadas de Aram Ortiz en el piano. El concierto tendrá lugar el sábado 21 de marzo a las 17:00 horas en Café Shah: Managua 695, Lindavista Sur, Gustavo A. Madero, Ciudad de México, C.P. 07300 (a unos pasos del metrobus Instituto Politécnico Nacional). Recuerda reservar con tiempo, pues es cupo limitado y tiene un costo de recuperación de $120. 

Los canales para reservar son 5521217819, Instagram: @cafe.shah o Facebook: Café Shah (Café Shah no tiene sucursales y es responsable de la organización de este evento sin fines de lucro).

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Angèle estrena “What You Want” junto a Justice

Una fusión de pop y electrónica que marca una nueva etapa sonora para Angèle.

La cantante belga Angèle está de regreso con "What You Want", su reciente sencillo en colaboración con el emblemático dúo francés Justice. La pista logra unir el pop europeo con el french touch, entregando una pieza de electro-funk diseñada para bailar.

Esta producción corre a cargo de Gaspard Augé y Xavier de Rosnay, mentes maestras detrás de Justice y figuras clave en la definición del sonido electrónico de las últimas dos décadas. Esta unión se dio tras un concierto del dúo en Bruselas, tras bastidores Angèle les presentó una idea inicial y les otorgó libertad creativa absoluta. "Hagan lo que quieran", fue la declaración que dio origen a esta colaboración. 

En el plano sonoro, "What You Want" mezcla sintetizadores intensos con temas que exploran el deseo, el poder y la seducción, fluyendo con naturalidad entre el francés y el inglés. Esta dualidad de idiomas recuerda a "Fever", su éxito junto a Dua Lipa; sin embargo, en esta ocasión, la unión con los franceses otorga una energía mucho más cruda e inquietante. 

El lanzamiento se complementa con un videoclip de estética cinematográfica dirigido por el colectivo (LA)HORDE. Grabado en su totalidad con un iPhone en las calles nocturnas de Marsella, la historia sigue a la cantante mientras interpreta una coreografía que refuerza la tensión emocional de la canción. Con este estreno, Angèle demuestra que el pop contemporáneo encuentra su mejor versión cuando se atreve a mezclarse con la vanguardia de la escena europea.

Dale play:

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