Jehnny Beth se une a Mike Patton en “Look At Me”

El lado oscuro de la humanidad a través de la mirada de estos artistas.

La artista francesa Jehnny Beth estrenó su potente sencillo "Look At Me", una inesperada colaboración con Mike Patton (Faith No More). La influencia del cantante y compositor estadounidense, específicamente su técnica vocal de canto agudo y susurro, inspiró el paisaje sonoro de Beth durante la grabación de su último álbum. 

Líricamente, la canción es una crítica incisiva a los "vendedores de verdades modernos" y a los impostores que difunden dogmas de optimismo forzado y superación personal en plataformas digitales, buscando pura atención. El tema cuestiona la autenticidad y el poder de influencia de estos "gurús" sobre personas susceptibles.

El videoclip, dirigido por Beth y Johnny Hostile, se inspira en Taxi Driver de Martin Scorsese, usando la iconografía del aislamiento. Jehnny Beth representa al marginado solitario, mientras que Mike Patton encarna al predicador. El clímax visual muestra a ambos personajes fusionándose, simbolizando la dualidad o la asimilación del dogma. La estética mezcla el hiperrealismo fotográfico de Martin Parr con la sensibilidad de Gregg Araki, confrontando la falsedad y la obsesión por la imagen en la cultura contemporánea.

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Entrevista con Daniela Andrade

Reconciliar a través de la música.

Daniela Andrade, música y compositora hondureña-canadiense, anunció el lanzamiento de su álbum debut, Oda. Ella ha estado en el ojo público desde que se volvió viral en YouTube al subir covers de algunas de sus canciones favoritas. Sin embargo, aunque logró consolidar una audiencia sólida, siempre mantuvo la inquietud de lanzar su propia música. Ahora, en 2026, ese sueño se convierte en realidad con su primer larga duración, dedicado a su madre. A propósito del lanzamiento, platicamos con la artista sobre su vínculo materno, la estética del álbum y la importancia de concebir su composición en dos idiomas.

Indie Rocks! Magazine: Conocemos tu pasado en YouTube pero, en realidad, ¿De dónde nace la inquietud de empezar a hacer un proyecto musical?

Daniela Andrade: La música para mí siempre tuvo un significado muy especial; ha sido como una medicina, un lugar donde puedo unir diferentes sentimientos. Esa inquietud la he tenido desde niña. Empecé a escribir mis propias canciones a los 12 años. La música siempre ha estado ahí, nunca se fue. YouTube me dio una audiencia, pero la vida me dio este camino en la música.

Indie Rocks! Magazine: ¿La voz siempre fue tu instrumento principal?

Daniela Andrade: Sí, exactamente. Comencé a cantar a los seis años. En mi familia siempre han cantado; mi papi fue director de un coro y nos enseñó a mis hermanos y a mí cómo armonizar. De ahí nació la idea de que mi cuerpo, mi voz, era mi primer instrumento. Pero cuando descubrí la guitarra fue algo muy emocionante. Me tomó mucha práctica poder cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo.

Indie Rocks! Magazine: Vienes de sencillos que a veces fueron agrupados en EPs. ¿Cómo fue pasar de eso a tu primer larga duración?

Daniela Andrade: Con mis últimos dos EPs estaba tratando de encontrar dentro de mí qué era lo que quería decir. Eso me dio un deseo muy fuerte de seguir escribiendo en español e inglés. Siempre he llevado en mi música ese legado de mi familia. Oda representa para mí el próximo capítulo. Tiene que ver con el vínculo entre mi madre y yo, con crecer, hacerme mujer, con mi experiencia como mujer.

Indie Rocks! Magazine: Oda es un material que nos emociona porque tiene toda una historia detrás. Este disco toma el vínculo con tu mamá como eje principal, ¿qué nos puedes contar sobre esto?

Daniela Andrade: Cuando estaba explorando qué quería decir en este álbum —que nunca es claro desde el comienzo, porque el proyecto mismo te va enseñando lo que quiere salir—, me di cuenta de que eran mucho las emociones. Como cuando te guardas una emoción: suprimir, contener… muchas emociones contenidas.

El color rojo fue un norte para mí, porque siento muchas cosas cuando lo veo: pasión, rabia, vulnerabilidad.

Eso me llevó a explorar diferentes tópicos. Seguía escuchando en mi mente historias que estaban conectadas con mi madre: cosas que ella me había dicho, cosas que yo había observado. Quería revisitar nuestra relación, pero viéndola no solo como mi madre, sino como una mujer que también fue hija, niña, que creció en Honduras, en un pueblo, y preguntarme cómo llegó a ser mi madre.

Comencé a hacer muchas preguntas y a tener conversaciones para conocerla otra vez. En ese proceso conocí partes de mí misma. Hay una nota de voz donde ella explica cómo siente el enojo, y me di cuenta de que lo sentimos de la misma forma: como emociones acumuladas, con un deseo de salir y expresarse. Me impresionó mucho cómo la vida corre en paralelo. Aunque somos de lugares distintos —ella nació en Honduras y yo en Canadá—, me ha enseñado tanto. Hay un legado muy fuerte en mí gracias a ella.

Este álbum me ha enseñado mucho. Es un proceso que continúa, pero me ha transformado profundamente.

Indie Rocks! Magazine: Mientras escuchaba tu disco pensaba en la película Lady Bird. Hay un momento en la vida en el que podemos ver a nuestra mamá como una mujer independiente, con su propio contexto, que hace lo que puede con las herramientas que tiene para ejercer su maternidad.

Daniela Andrade: Me encanta ese ejemplo de Lady Bird. Cuando vi esa película también lloré mucho, especialmente en la llamada del final. Dice tanto… Sí, me encanta esa referencia.

Indie Rocks! Magazine: ¿Es también un proceso de reconciliación? ¿El disco va por ese lado?

Daniela Andrade: Claro que sí, es reconciliación al cien por ciento. Reconciliar partes de mí, pero también una relación tan importante. Amo mucho a mi madre y hemos tenido etapas distintas en nuestra relación. Al final, elegir el amor, la paciencia y el entendimiento entre nosotras me ha dado mucha paz, de verdad.

Indie Rocks! Magazine: Sobre el proceso de Oda, ¿qué tanto te involucraste en las decisiones artísticas?

Daniela Andrade: Muchísimo. Estoy muy involucrada en todas las decisiones porque soy una artista independiente y trabajo bajo mi propio sello, junto con mi manager, Jeff. El tracklist es muy intencional, de principio a fin. Quería abrir con la voz de mi madre. También incluí detalles como pasos y puertas, porque quería integrar esta idea de que las conversaciones son portales: abrir una puerta y cerrar otra. Nunca entramos a un cuarto de la misma forma en que salimos.

Produje gran parte del álbum y fui productora ejecutiva. Trabajé con colaboradores muy generosos y talentosos en Toronto y Montreal, pero llevé muchas ideas hasta el final. Incluso estuve involucrada en la dirección creativa de la portada. Con este disco, por ser tan personal, sentí que tenía que tomar yo todas las decisiones.

Indie Rocks! Magazine: Regresando al color rojo en la portada, es un color que puede representar sangre, dolor y también amor. ¿Existe esa dualidad en el disco?

Daniela Andrade: Sí, está incluso en las letras. En la segunda canción digo: “Ahora crecida, ahora el amor, con tinta de rojo resalta, corre en mis labios, risa y dolor, flor en primavera que canta”.

El rojo lleva esa dualidad: pasión y dolor. Conecto mucho con eso y quería plasmarlo en el álbum.

Indie Rocks! Magazine: Las letras en español tienen un peso importante. ¿Hay algo político detrás de esa decisión?

Daniela Andrade: Todo está teñido de algo político, incluso el idioma. Mis padres me enseñaron el español con mucha intención. Tengo un acento que no sé bien cómo describir, porque me enseñaron un español neutral. Cuando voy a Honduras, mis primos hablan distinto; en Canadá, mis amigos salvadoreños, colombianos o argentinos también. Siempre me preguntaban de dónde era.

Mi papi se integró más al inglés porque buscaba trabajo y quería sonar profesional en llamadas; es emprendedor y tiene su negocio. Mi mami se mantuvo más dentro de la comunidad latina y siempre me habló en español. Así nació esa dualidad en mí: en casa era español, en la escuela era inglés.

Me tomó años entender cuán importante era el español para mí, porque intentaba asimilarme más en Canadá. Cuando escribí mi primera canción en español, salió muy rápido y se sintió natural. Ahí entendí que tenía muchas emociones que necesitaban ese idioma. Ahora acepto completamente que soy bilingüe. A veces la primera palabra que surge es en inglés, a veces en español. Y está bien.

Indie Rocks! Magazine: El álbum saldrá el 6 de marzo. ¿Hay alguna canción que te emocione más?

Daniela Andrade: Me emociona muchísimo que la gente escuche “Oda”. Cuando la escucho siento muchas cosas. Cuando la escuché con mi madre, también se emocionó, y me sorprendió que a las dos nos gustara tanto la misma canción.

Y si puedo elegir otra, sería À volonté”, la última. La escribí sintiendo mucho amor, y eso se transmite.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo reaccionó tu mamá cuando le mostraste el disco?

Daniela Andrade: Fue muy especial. Durante años hubo cierta distancia porque yo escribía más en inglés y ella no lo entiende del todo. Cuando escuchamos el álbum juntas, comenzando con su voz y luego la canción “Madre”, sentimos muchísimas emociones. Si algo no entendía, paraba la canción y me preguntaba. Lloramos, nos abrazamos. Fue el único listening party que necesitaba. Después de eso, todo es un plus.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo presentarás este disco en vivo?

Daniela Andrade: Ya se anunciaron las primeras fechas de la gira. El show será muy especial porque la banda está formada por amigos y colaboradores muy cercanos. Estoy trabajando mucho en los detalles del escenario para integrar elementos simbólicos de Oda. No quiero adelantar mucho, pero estoy muy emocionada.

Indie Rocks! Magazine: ¿Con qué mensaje invitas a escuchar el álbum?

Daniela Andrade: Creo que las conversaciones son fundamentales. Son una oportunidad para entendernos con paciencia y amor. Esa es la intención de este proyecto.

Y si pudiera pedir algo, sería que lo escuchen de principio a fin. Lo diseñé así, con mucho amor. Estoy muy agradecida de que lo escuchen.Dale play a “steer” parte del álbum debut Oda de Daniela Andrade aquí.

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Basement anuncia disco y estrena dos tracks

La banda británica regresa con su primer álbum en ocho años.

Basement regresa tras ocho años del lanzamiento de Beside Myself (2018), su último material discográfico, presentando dos canciones inéditas que funcionan como el primer vistazo a su próximo material. Este 2026 marca el retorno oficial de la agrupación británica con Wired, producción que verá la luz el próximo 8 de mayo y que estará integrada por 12 canciones.

La banda liderada por Andrew Fisher compartió un estreno doble con el tema homónimo, "Wired", el cual destaca por su energía gracias al uso de guitarras y una ejecución vocal melódica. En esta pista, se retrata la determinación y ansiedad de encontrarse al límite, pero manteniendo las ganas de seguir vivo. Como segundo adelanto aparece "Broken By Design", una entrega que explora una faceta más dinámica cuyo tema invita a aceptar la fragilidad humana.

Ambos singles muestran contrastes interesantes entre sí. Mientras el primero destaca por su potencia, el segundo apuesta por una atmósfera más oscura y rítmica. Estos sencillos forman parte del quinto álbum del grupo, el cual además promete proyectar una faceta mucho más madura y completa del quinteto.

Con dichos lanzamientos, Basement abre oficialmente un nuevo capítulo en su historia. Ahora, con esta entrega, los músicos parecen listos para reafirmar su lugar dentro del rock alternativo actual, trayendo de vuelta esa mezcla de intensidad emocional junto a sonoridades capaces de conectar con las nuevas generaciones.

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Basement wired

01. "Time Waster"
02. "WIRED"
03. "Deadweight"
04. "Broken By Design"
05. "Pick Up The Pieces"
06. "Embrace"
07. "Sever"
08. "The Way I Feel"
09. "Satisfy"
10. "Head Alight"
11. "Longshot"
12. "Summer’s End"

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La exposición de Ozzy Osbourne dará un tour internacional

Un viaje auténtico por la psique de este ícono.

Ozzy Osbourne forjó un legado musical que lo posiciona como una de las figuras primordiales dentro del heavy metal. Junto a Black Sabbath, su influencia permanece intacta a pesar de su fallecimiento; prueba de ello es la exposición Ozzy Osbourne: Working Class Hero, una muestra que reúne algunos de los objetos personales más significativos del artista y que actualmente se alista para una gira internacional.

Esta exhibición del “Príncipe de las Tinieblas” debutó en el Birmingham Museum & Art Gallery durante junio de 2025 en Birmingham, Reino Unido. La elección de la sede no fue casualidad, pues buscaba honrar el lugar de nacimiento de Ozzy y coincidir con el concierto de despedida Back to the Beginning. Cabe destacar que la curaduría se realizó en colaboración con Sharon Osbourne, garantizando que el recorrido sea un viaje auténtico por la psique de este ícono.

Entre las piezas que integran la colección, destacan sus premios Grammy, sus ingresos al Rock and Roll Hall of Fame y la placa de la Birmingham Walk of Stars. Asimismo, se exhiben diversos discos de oro y platino que dan fe de sus millones de ventas a nivel global, además de material audiovisual y fotografías que documentan una evolución artística capaz de redefinir el sonido de toda una generación.

Debido a la demanda masiva, la estancia en Birmingham se extendió hasta septiembre de 2026; sin embargo, Sharon ya confirmó que el plan principal es llevar este santuario del metal a diferentes países. Aunque todavía no existen fechas confirmadas para Latinoamérica o la CDMX, queda la esperanza de que el legado de Osbourne aterrice pronto en nuestro país.

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Interpol revela planes para 2026

La banda trabaja en música nueva y confirma cambios en su alineación.

Interpol ya se encuentra trabajando en nueva música; sin embargo, esta noticia llega acompañada de ajustes en su alineación para los próximos conciertos. El conjunto formado por Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino adelantó que pronto lanzarán material inédito, lo cual marca el inicio de una nueva fase tras varios años de actividad centrada, principalmente, en giras y celebraciones de aniversario de su discografía.

Aunque todavía no se han revelado mayores detalles sobre un álbum o algún sencillo individual, el retorno de la agrupación es inminente. Tras el lanzamiento de The Other Side of Make-Believe (2022), material en donde la banda mostró un lado más introspectivo y melódico, el trío no había presentado composiciones recientes, dedicándose a recorrer distintos países para festejar su trayectoria.

A través de sus redes sociales, los neoyorquinos revelaron que Fogarino, quien participó activamente en la creación y grabación de las nuevas canciones, no podrá acompañarlos, al menos en las fechas iniciales de su tour. Esta gira, que arranca el próximo 7 de marzo en Miami, contará con la presencia de Urian Hackney quien es conocido por su trabajo en proyectos como The Armed y Rough Francis, se encargará de cumplir con los compromisos programados.

Esta no es la primera vez que Sam se ausenta de una presentación por motivos personales. En 2023, el músico fue sometido a una cirugía de columna y actualmente continúa en proceso de recuperación. Por ahora, su prioridad es enfocarse en su salud para poder regresar a la banda en el futuro y continuar expandiendo el legado de Interpol.

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Entrevista con Tunacola

El juego y la música juntos.

Tunacola es el proyecto del compositor chileno Ricardo Luna. Desde hace más de una década este es un referente dentro de la escena chilena. No es para menos, Ricardo Luna se ha encargado de mover sonidos aquí y allá, de cuestionar las fórmulas clásicas y de arriesgarse creativamente. En entrevista, descubrimos más sobre la persona detrás de Tunacola, aprovechando su paso por México y en medio de una gira promocional donde un juego de mesa incita a crear música desde cero.

Indie Rocks! Magazine: Vamos a empezar de un debut hace mucho tiempo atrás en el 2011, sin embargo, no queremos hablar de los orígenes que ya conocemos, más bien del presente… ¿En dónde se encuentra Tunacola actualmente?

T: El proyecto se encuentra en un quinto álbum, en un quinto proceso creativo. Y cada uno de esos procesos ha sido súper distinto del otro, tanto en ambiciones como en falta de ambiciones y en formato.

El primer disco era completamente desinteresado, sin ninguna pretensión. Hecho electrónicamente en un computador y defendido en vivo por un trío, básicamente por mi vergüenza de cantar y de recibir todas las miradas al subirme solo al escenario. Ese disco fue un trío por cobardía… y funcionó de esa forma.

Tres años después llegó el segundo. Ya era una banda, y eso es lo que se dio a conocer aquí en México como Tunacola: la banda de ese segundo álbum. Luego esa banda cambia; se mantienen algunos integrantes, pero hay un giro radical hacia un tercer disco más rockero y más cercano al indie.

El cuarto disco nos agarra en pandemia. Vuelvo al estudio, vuelvo a hacerlo todo súper electrónico y solo. Dejamos de tocar en vivo, así que el regreso a los escenarios fue con un formato nuevo: Matías Tigre en guitarra, que además me ayuda a las composiciones.

Y el quinto álbum también es un proceso distinto. Me di cuenta de que tenía que reenamorarme de la forma de hacer música, porque todo se estaba volviendo un poco formulaico. Me iba solo a las ideas que sabía que funcionaban. Se sentía como trabajo… y yo no quiero trabajar.

Entonces me pregunté: ¿qué pasa si hago un sistema de tarjetas? Anotar todas las cosas que tengo en el estudio y que sé hacer, y que una tarjeta me vaya sugiriendo paso a paso lo que tengo que hacer. Pensé en las Oblique Strategies de Brian Eno y en otros sistemas similares, pero quise llevarlo más allá.

Un día llegué a casa, tiré arroz sobre un bloc —porque había visto que al tirar arroz se forman islas— y dibujé la silueta que salió. Le hice casilleros y dije: ya, vamos a hacerlo con cartas y con un tablero.

Los casilleros serían cuatro: Agregar cosas, inventar cosas sin restricciones, borrar, usar efectos.

Empecé a jugar y rápidamente empezó a salir material muy bacán. De ahí nacieron las primeras rolas de esta camada. Ya hay seis publicadas y se pueden identificar porque cada una tiene un día asociado: “Día 64”, por ejemplo. El día cero fue cuando empecé a jugar. Funciona como una bitácora.

Luego pensé: esto no puede quedarse solo como proceso interno. Hagámoslo un viaje de cinco años. Serán 1,800 días. Llevo unos 500, más o menos un año y medio. Ahora va a salir el primer LP, pero en realidad no es el álbum completo. El álbum será el corpus total cuando se cierren los 1,800 días.

Y entonces se me ocurrió que el álbum como objeto sea el juego mismo: una caja con el tablero, las cartas y la música dentro.

Hablé con Edu Leblanc, diseñador e ilustrador, y le dije: “Mira este mamarracho y ayúdame a convertirlo en algo jugable”. Creamos cinco islas, cada una con personalidad distinta. Se juega con un dado: según el número que salga, es el mundo en el que trabajas.

Por ejemplo, si sale el dos, te vas al “cielo”. El cielo no tiene ritmo, es más ambiente. Si te toca la ciudad, es más pulsos, más arpegiadores, BPM más rápido. Sacas una tarjeta y la resuelves según el mundo en el que estés.

Una tarjeta puede decir: “Samplea un instrumento acústico”. ¿Qué tienes? Una guitarra, cualquier cosa no electrónica. La gracia no está en el problema, sino en cómo lo resuelves.

También hay tarjetas de inicio: “Haz todo con un solo instrumento”, “Hazlo en 15 minutos”, “Hazlo con un solo acorde”. Es una colección ordenada de restricciones que, más que dificultarte la vida, te ayudan a terminar música más rápido y a ponerte en aprietos creativos.

Y lo más curioso es que, aunque podría parecer experimental, suena mucho a Tunacola. Pero me devolvió el amor por hacer música.

IR!: Es increíble. Esto no es solo colección o merch; literalmente invita a crear.

T: Exacto. Te saca de la zona de confort y se abre a otros. Ya no es Tunacola, es tu proyecto.

También redefine las colaboraciones. Yo llego con el juego a tu casa, tiro el dado, hago un fragmento según la restricción. Luego tiras tú y lo resuelves a tu manera. Así vamos construyendo juntos.

IR!: Esta idea increíble solo puede venir de una mente ludópata, ¿cuáles juegos de mesa son tus favoritos?

T: Soy muy fan de Catán —sí o sí—, del que en Chile se llama La Gran Capital, algo así como Monopoly. También me gustan mucho los juegos de rol japoneses, los juegos de las primeras consolas. No tienen relación directa, pero sí te restringen decisiones y expanden el imaginario. Son juegos abiertamente nerd y vienen de ahí.

IR!: Además, Tunacola siempre ha avanzado junto a los videojuegos. Haz musicalizado incluso algunos.

Tunacola: Totalmente. Los videojuegos fueron el germen sonoro del proyecto. Al principio sonábamos como banda de 8 bits. Ahora tomé el motor del juego y lo llevé a otro plano creativo.

IR!: Y ahora, para el proyecto en vivo, ¿cómo decides quién entra, quién no y quién te acompaña en gira?

T: Lo primero es lo musical. Este es un proyecto de estudio, no de jam tradicional. Pero cuando la música empezó a moverse hacia lo indie o funk, necesité banda.

Busco afinidad humana primero. Gente con la que haría un asado. Luego vienen las consideraciones prácticas: giras, logística. Aprendí a la mala que siete músicos con bronces es una pesadilla financiera.

Hoy el proyecto se sostiene con cuatro buenos músicos que no solo reproduzcan los discos, sino que los desarmen en vivo. Prefiero compositores antes que ejecutantes perfectos. Si no, mejor tiro secuencias y luces.

El riesgo en vivo es entretenido. La música cambia concierto a concierto.

IR!: Tú vienes de escuela, estudiaste para ser músico ¿Qué encontraste en la academia?

T: Entré para entender la música. Pero estudiar composición es una deformación más que una formación. Uno entra libre y sale normado.

He tenido que hacer esfuerzos reales para desarmar esos cinco años de reglas armónicas. La música de escuela no es excitante; los artistas que más admiro vienen de otras ramas.

Ser músico no es lo mismo que ser artista. En la escuela te forman músico, no artista. Y ser artista implica dimensión visual, relato, identidad. Eso no te lo enseñan.

IR!: Para cerrar, con tantos años de trayectoria musical, ¿cuál dirías que es tu mayor logro?

T: Yo creo que lo que más me ha hecho sentir orgulloso ha sido poder limpiarme de las drogas y del alcohol hace 6 años. Ahí recién empezó un proceso real y transparente con la música. Se disiparon ambiciones falsas: fama, cifras, “romperla”. Cuando eso se va, te conectas con algo más sustancial.

Ahora me voy a Toluca en una van con fans mexicanos de toda la vida. Esa sustancia es mucho más rica.

Ese es mi gran triunfo. Este quinto trabajo es retomar el camino, volver a la esencia del primer disco: sin ambiciones, solo fascinado por lo que estaba produciendo.

Esa energía pura, solo amor por hacerlo, es lo que necesitaba recuperar.

Ese es el gran logro.

Tunacola presentará su juego de mesa próximamente ya que al momento de esta nota aún se encuentra en pruebas. Síguelo en Instagram para estar al pendiente de este lanzamiento y la nueva música que completará el quinto material de estudio.

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The Scythe llega con “Mutt That Bih”

El último adelanto de Strictly 4 The Scythe junto a 1900Rugrat y Key Nyata.

A pocas horas del lanzamiento de Strictly 4 The Scythe, material que verá la luz este 6 de marzo, el rapero de Florida, Denzel Curry, ofrece un último adelanto con el estreno de Mutt That Bih. Este nuevo sencillo, en colaboración junto a 1900Rugrat y Key Nyata, ya se encuentra disponible en plataformas digitales y llega acompañado de un video que refuerza la energía de su etapa actual.

“Mutt That Bih” mantiene el ritmo explosivo que Curry ha pulido en canciones previas como “The Scythe” y “Lit Effect”, piezas que también forman parte de su siguiente producción. En este sencillo, la química entre el trío de raperos se percibe natural, logrando una mezcla perfecta con una base rítmica que apuesta por atmósferas directas, en donde la letra aborda la superación de la escasez y el alcance del éxito financiero.

Con este material, el músico retoma sonidos clásicos del hip hop de regiones como Memphis, Houston y Miami. Para ello, presenta formalmente a The Scythe, un colectivo integrado por el propio Denzel, Bktherula, TiaCorine, Ferg y Key Nyata. Dicha unión nace como una extensión del espíritu colaborativo que marcó los inicios del artista en el sur de Estados Unidos; el intérprete explicó que, aunque cada miembro mantiene su trayectoria en solitario, al reunirse funcionan bajo una identidad grupal única.

El álbum promete ser un recorrido por la esencia del género sureño, mezclando el rap más tradicional con sonidos actuales. Entre las colaboraciones destacan nombres como Juicy J, Smino, Rich the Kid y Luh Tyler, asegurando que este nuevo álbum sea una de las propuestas más diversas del año dentro del género.

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Touché Amoré revive 'Stage Four'

A 10 años de su lanzamiento, la banda presenta una reedición especial del álbum.

La agrupación californiana Touché Amoré, referente indiscutible del post-hardcore estadounidense, se prepara para conmemorar una década del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: Stage Four. Esta celebración vendrá acompañada de una edición deluxe que saldrá el 10 de abril de 2026. 

En septiembre de 2016, el quinteto liderado por Jeremy Bolm presentó este material discográfico, el cual profundiza en su duelo tras el fallecimiento de su madre a causa del cáncer. A 10 años de aquel suceso, la banda expande este universo sonoro con 11 temas adicionales que incluyen demos inéditos, grabaciones en vivo y remezclas de los temas originales, creadas por figuras como Kerry McCoy de Deafheaven, Cody Votolato de The Blood Brothers y el proyecto Youth Code.

Una de las joyas del material, que ya se encuentra disponible en plataformas, es la reinterpretación de "Rapture" bajo el título "Gloom Version". Se trata de una colaboración junto a Wisp, la nueva sensación del nu-gaze, que se desprende de la furia ruidosa del material original para transformarse en una balada acústica. En ella, la voz de Natalie (Wisp) se entrelaza con la de Bolm en una atmósfera de guitarras melancólicas.

La celebración alrededor de Stage Four no se limita al estudio; la banda confirmó una gira de aniversario donde interpretarán el álbum en su totalidad por diversos puntos de Estados Unidos y Europa, contando además con invitados especiales. Esta reedición surge como la oportunidad perfecta para reencontrarse con uno de los trabajos más profundos de Touché Amoré que guarda un mensaje poderoso detrás de cada nota. 

Mira la portada y el tracklist:

Touche amore stage four 2026

  1. "Flowers and You"
    2. "New Halloween"
    3. "Rapture"
    4. "Displacement"
    5. "Benediction"
    6. "Eight Seconds"
    7. "Palm Dreams"
    8. "Softer Spoken"
    9. "Posing Holy"
    10. "Water Damage"
    11. "Skyscraper"
    12. "Flowers and You (Demo)"
    13. "New Halloween (Demo)"
    14. "Rapture (Gloom Version) feat Wisp"
    15. "Displacement (Alternate Demo)"
    16. "Benediction (Remix) Cody Votolato"
    17. "Eight Seconds (Live From the Venue Formerly Known As Eight Seconds At The Fest 2024)"
    18. "Palm Dreams (Remix) Youth Code"
    19. "Softer Spoken (Demo)"
    20. "Posing Holy (Demo)"
    21. "Water Damage (Demo)"
    22. "Skyscraper (Remix) Kerry McCoy"

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“Trickle Down”, lo nuevo de SPRINTS

Un sencillo político que retrata la frustración generacional.

SPRINTS está de regreso con “Trickle Down”, un sencillo que aborda temas políticos de forma abierta. El grupo irlandés de garage punk lanzó esta canción en la cual retrata la frustración de una juventud que sobrevive en medio de la crisis social y económica que atraviesa el mundo; en donde pese a los intentos por mejorar el entorno, el panorama se percibe incierto y solo queda observar cómo todo empeora.

“Trickle Down” funciona como una crítica hacia los gobiernos y las economías que solo perpetúan la desigualdad. Entre estas problemáticas destaca la precariedad laboral que provoca una inestabilidad brutal debido a la inflación, así como la crisis de vivienda, el colapso ambiental y, sobre todo, el racismo disfrazado de nacionalismo; temas que hoy son más relevantes y comunes de lo que deberían.

Con esta entrega, la agrupación deja clara su visión ideológica. A través de esa energía cruda que tanto los distingue, crearon una pieza que refleja su oposición a la inequidad y expone la falsa promesa de que el sistema financiero actual beneficia a todos. Bajo la voz de Karla Chubb, el track busca canalizar la rabia colectiva en una composición que pone sobre la mesa el hartazgo social.

Este lanzamiento llega tras el éxito de All That Is Over, su segundo material discográfico en el que mostraron con mayor claridad esa dualidad que los define: un sonido rudo con tintes de post punk y garage.  Con “Trickle Down”, la banda no solo reafirma su posición frente al contexto contemporáneo, sino que también demuestra la evolución de su estilo sin perder ese toque que los caracteriza.

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TOMORA estrena “SOMEWHERE ELSE”

El dúo de AURORA y Tom Rowlands presenta un nuevo adelanto de su álbum debut.

Una de las colaboraciones más emocionantes del 2026 está a punto de ver la luz de la mano de TOMORA, dúo conformado por la cantante noruega AURORA y el productor británico Tom Rowlands, quien forma parte de The Chemical Brothers. El dueto acaba de lanzar "SOMEWHERE ELSE", tercer sencillo que adelanta la atmósfera de su álbum debut, COME CLOSER.

TOMORA representa una fusión creativa construida gracias a la química que ambos artistas han perfeccionado con el paso del tiempo. La dupla se conoció cuando ella participó en el álbum No Geography (2019) de The Chemical Brothers, mientras que él devolvió el gesto colaborando en la producción de la intérprete durante 2024. Esa relación cimentó la confianza necesaria para embarcarse en un proyecto conjunto que se siente orgánico y genuino.

"SOMEWHERE ELSE" se suma a los temas previamente lanzados, "RING THE ALARM" y "COME CLOSER". Esta entrega posee una dimensión más emocional y cálida, donde la voz de la noruega aporta un matiz celestial, mientras que los toques electrónicos de Rowlands le dan un carácter distintivo a la composición. Además, el track llega acompañado de un videoclip dirigido por Adam Smith, colaborador recurrente de The Chemical Brothers, quien logra capturar la esencia de la melodía bajo una estética auténtica.

COME CLOSER contará con 12 canciones producidas en su totalidad por AURORA y Tom, las cuales transitan por paisajes sonoros expansivos. Asimismo, el conjunto ya cuenta con presentaciones confirmadas en Estados Unidos y Europa para promocionar este primer material discográfico, cuyo estreno oficial está programado para el próximo 17 de abril de 2026.

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