Buenas Nuevas del 27 de febrero al 12 de marzo

Singles y adelantos que ya deberían estar en tu radar.

Como cada quince días, reunimos una selección de lanzamientos recientes que vale la pena escuchar con atención. En esta edición de Buenas Nuevas encontrarás psicodelia latinoamericana, cumbia de barrio, shoegaze mexicano, hip-hop con identidad y propuestas alternativas que anticipan discos muy esperados. Desde proyectos emergentes hasta nombres consolidados, estas canciones son una invitación a actualizar tu playlist y descubrir qué está sonando ahora mismo en distintas escenas del mundo.

BALTHVS

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Lugar de origen: Colombia
Géneros afines: psicodelia

La banda colombiana BALTHVS continúa expandiendo su universo sonoro con “Shakedown Street”, una muestra de cómo sus canciones evolucionan con el paso del tiempo, especialmente a partir de su experiencia en vivo. Para el grupo, el escenario se ha convertido en un laboratorio donde la energía del público transforma las composiciones originales.

Durante años, la banda imaginó sus discos como piezas para escucharse en casa, con un enfoque introspectivo que respondía al clima incierto de los primeros años de la década. Sin embargo, conforme regresaron a los escenarios, las canciones comenzaron a adquirir una intensidad distinta. La interacción con el público, el crecimiento de los escenarios y la energía acumulada de cada concierto terminaron por transformar por completo la forma en que estos temas respiran y se expanden.

“Shakedown Street” captura justamente ese punto de encuentro entre el estudio y el directo: una psicodelia en movimiento que deja ver cómo la música se transforma cuando pasa por el filtro de la experiencia en vivo.

Dale play a “Shakedown Street” aquí:

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Ceguera 

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Lugar de origen: Colombia
Géneros afines: hardcore, metal

Desde Bogotá, Ceguera se presenta como una banda de blackened metallic hardcore que canaliza la intensidad del metal y la crudeza del hardcore en un sonido directo y abrasivo. “La Escalera de Jacob” es una descarga de energía que refleja la potencia de la escena pesada latinoamericana.

El tema avanza entre riffs agresivos y una atmósfera oscura que subraya el carácter visceral del proyecto. Con una estética sonora marcada por la distorsión y la velocidad, Ceguera construye una propuesta que apunta directo al caos emocional y al espíritu combativo del género.

Dale play a “La Escalera de Jacob” aquí:

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Cypress Hill

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Lugar de origen: Estados Unidos / México
Géneros afines: hip hop

La legendaria agrupación de hip hop Cypress Hill regresa con “Wacha Trucha”, un sencillo que cuenta con la participación del rapero mexicano Alemán. El tema funciona como un puente cultural entre las raíces chicanas del grupo y la nueva generación del rap latino.

El sencillo honra la identidad latina de la agrupación y se presenta como un himno de resistencia y unidad en tiempos complejos. Producido por DJ Flict, el track mezcla la esencia clásica del West Coast hip hop con el sonido contemporáneo que domina el rap mexicano actual, una escena que el propio Alemán ha ayudado a impulsar.

La canción también llega acompañada de un videoclip dirigido por Sergio de Ávila, donde B-Real, Sen Dog, Eric Bobo y Alemán aparecen juntos reforzando un mensaje de comunidad y solidaridad dentro de la cultura latina.

Dale play a “Wacha Trucha (feat. Alemán)” aquí:

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Margaritas Podridas

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Lugar de origen: México
Géneros afines: noise rock, shoegaze

“Quema los Recuerdos” se presenta como el focus track de Metales Pesados, el tercer álbum de Margaritas Podridas, un material que explora emociones intensas como la traición, la rabia y el proceso de sanación. Las guitarras distorsionadas y afiladas marcan el pulso de un disco que busca depurar la oscuridad emocional a través del ruido y la catarsis sonora.

El álbum fue grabado en el estudio Onda Sonora de Hermosillo junto al productor Felipe García, luego de que la banda contemplara originalmente trabajar con el legendario Steve Albini, quien falleció poco antes de las sesiones planeadas. Ante esta circunstancia, el grupo decidió regresar a casa y completar el disco en su ciudad, apostando por una producción cercana a su escena local.

El resultado es un material que la banda describe como una descarga de adrenalina frente a la desesperanza cotidiana, un viaje emocional que oscila entre la furia y la liberación.

Dale play a “Quema los Recuerdos” aquí:

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No Somos Marineros

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Lugar de origen: México
Géneros afines: math rock, shoegaze

Con “Zooburbia”, No Somos Marineros presenta el tercer sencillo de su próximo álbum Devoción. La banda continúa explorando un sonido que combina estructuras complejas con atmósferas densas y emotivas.

El tema mezcla pasajes melódicos con guitarras envolventes que construyen un paisaje sonoro introspectivo, reforzando el sello característico del grupo dentro de la escena alternativa mexicana. Este nuevo adelanto deja ver un proyecto en constante evolución que mantiene intacta su sensibilidad emocional.

Dale play a “Zooburbia” aquí:

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Shandri

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Lugar de origen: México
Géneros afines: psicodelia, world music

Desde el Valle de México hasta Baja California Sur y San Francisco, Shandri emerge como un proyecto de psicodelia contemporánea que dialoga con las raíces del psych-rock mientras explora territorios de la neo psicodelia.

Ahora presenta “Emancipate”, segundo adelanto de su LP debut Overflow, programado para estrenarse en mayo. Con guitarras nebulosas y grooves hipnóticos, la canción aborda ese momento de claridad en el que decides priorizar tu propia verdad y soltar una relación que ya no te representa.

El sencillo fue producido por Ian Pascal y grabado entre el Hotel El Ganzo y estudios en la Ciudad de México, consolidando un sonido orgánico y expansivo que marca el inicio del camino hacia su primer álbum.

Dale play a “Emancipate” aquí:

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Sonido Gallo Negro

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Lugar de origen: México
Géneros afines: cumbia, psicodelia

Después de años cruzando caminos en escenarios y pistas de baile, Sonido Gallo Negro une fuerzas con Sonido La Changa para presentar “La Cumbia del Gallo Negro”.

El tema reúne dos instituciones de la cumbia chilanga: por un lado, la arquitectura sonora hipnótica y minimalista de Sonido Gallo Negro; por otro, el estilo inconfundible y la historia viva del sonidero representada por Ramón Rojo Villa. Más que una colaboración, la canción funciona como un puente entre generaciones, barrios y sistemas de sonido.

El resultado es una pieza que celebra la cumbia como ritual urbano: calle, baile y resistencia tropical.

Dale play a “La Cumbia del Gallo Negro (feat. Sonido La Changa)” aquí:

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Triángulo de Amor Bizarro

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Lugar de origen: España
Géneros afines: alternativo, post-punk

La banda gallega Triángulo de Amor Bizarro marca el inicio de una nueva etapa con “Sacrificio”, el primer adelanto de su próximo álbum Mi Catedral. El sencillo mantiene la esencia del grupo: distorsión, intensidad emocional y destellos pop que han definido su trayectoria dentro del indie rock.

Para la banda, esta canción representa una búsqueda sonora que llevaban años intentando capturar. El resultado es una pieza luminosa que convive con su estética habitual, acercándose a un pop oscuro con ecos de los años ochenta.

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Neelam Khan Vela, cuya narrativa se conecta con la tradición mística de Galicia y el imaginario de las meigas, figuras asociadas a rituales y saberes populares.

Dale play a “Sacrificio” aquí:

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Valsian

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Lugar de origen: México
Géneros afines: dream pop, indie pop

El dúo mexicano Valsian, integrado por Eunice Guerrero y Óscar Domínguez, inicia una nueva etapa con “Todo Se Repite”, el primer adelanto de su próximo álbum El Brillo Que Queda.

Tras el lanzamiento de su debut Amante del Show, el proyecto consolidó su lugar dentro de la escena alternativa mexicana y recorrió distintas ciudades del país durante 2025. Con este nuevo sencillo, la banda no busca repetir fórmulas, sino reinterpretar su identidad sonora.

La canción avanza como un relato introspectivo donde la voz de Eunice navega entre la melancolía y una sensibilidad más urbana, mientras las atmósferas creadas por Óscar construyen un paisaje emocional que gira en torno a la nostalgia, la repetición de los ciclos y el vértigo de la vida contemporánea.

Dale play a “Todo Se Repite” aquí:

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'Discovery' de Daft Punk cumple 25 años: el disco que redefinió la electrónica moderna

El segundo álbum de estudio de Daft Punk marcó un antes y un después en la música electrónica al fusionar house, disco, pop y ciencia ficción visual en una obra que sigue influyendo a generaciones de artistas.

En 2001, cuando la escena electrónica global aún orbitaba alrededor del techno y el house más ortodoxos, Daft Punk decidió tomar un camino inesperado. Tras el impacto de Homework (1997), el dúo francés formado por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo presentó Discovery, un disco que apostaba por melodías brillantes, vocoders luminosos y un espíritu profundamente pop.

El resultado fue un álbum que rompía con la crudeza del dancefloor noventero para abrazar una estética mucho más emocional y nostálgica. Discovery combinaba samples de funk, disco y rock de los años 70 y 80 con una sensibilidad futurista que terminaría definiendo el sonido del electro-pop de las décadas siguientes.

Desde sus primeros segundos, el disco dejó claro que algo distinto estaba ocurriendo. “One More Time”, el sencillo que abre el álbum, se convirtió rápidamente en un himno global de la música electrónica. Su energía optimista, su icónico vocoder y su estructura explosiva marcaron el tono de un proyecto que parecía diseñado tanto para la pista de baile como para la imaginación.

Otro de los momentos más emblemáticos del álbum llegó con “Harder, Better, Faster, Stronger”, una pieza construida a partir de un sample del músico estadounidense Edwin Birdsong y su canción “Cola Bottle Baby”. El track se convirtió en uno de los mayores referentes del catálogo del dúo, además de influir directamente en el hip hop contemporáneo tras ser reinterpretado por Kanye West en su sencillo “Stronger”.

Pero Discovery no fue solo un experimento musical. También fue un proyecto visual ambicioso. Cada una de sus canciones forma parte de Interstella 5555, una película animada creada en colaboración con el legendario mangaka Leiji Matsumoto. El largometraje narra la historia de una banda extraterrestre secuestrada por un productor musical en la Tierra, y utiliza el álbum completo como banda sonora.

Esta fusión entre música electrónica y narrativa animada convirtió a Discovery en una obra conceptual que trascendía el formato tradicional del disco. Más que una colección de canciones, el proyecto funcionaba como un universo audiovisual completo donde el sonido, la estética retrofuturista y la narrativa convivían en un mismo espacio creativo.

Con el paso de los años, la influencia del álbum se volvió cada vez más evidente. Artistas y productores de distintas generaciones han señalado a Discovery como una referencia fundamental en su manera de entender la música electrónica. Proyectos como Justice, Madeon o Porter Robinson han retomado su combinación de melodía, emoción y producción electrónica expansiva.

A 25 años de su lanzamiento, Discovery sigue siendo un punto de inflexión dentro de la historia de la música contemporánea. Un disco que transformó la nostalgia en futuro y que demostró que la electrónica podía ser tan emotiva, cinematográfica y universal como cualquier otro género.

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Entrevista con Love of Lesbian

Celebrar antes del silencio.

Antes de tomar un descanso de los escenarios, Love of Lesbian vuelve a México para una gira especial que incluye festivales como Pa’l Norte, además de varias fechas en el país. La banda celebra su historia, revisita su discografía y prepara un paréntesis necesario tras casi tres décadas de actividad ininterrumpida.

Con casi 30 años de trayectoria, Love of Lesbian se ha convertido en una de las bandas más queridas del indie en español. En medio de una nueva visita a México —que incluirá presentaciones en festivales como Tecate Pa’l Norte, además de varios shows en el país—, el grupo también anuncia un retiro temporal de los escenarios para tomarse un respiro tras años de giras constantes. En conversación, la banda habla sobre su proceso creativo, la evolución de sus giras, la relación especial que han construido con el público mexicano y este momento de pausa que, más que una despedida, es una celebración de su historia.

Indie Rocks!: Ustedes tienen ahora una gira por México con varias fechas, incluyendo festivales como Pa’l Norte y Vive Latino. Además, el año pasado lanzaron el sencillo “La de tu nombre” en colaboración con Eliela. ¿Cómo fue el proceso detrás de esa canción?

Love of Lesbian: Me tienes que disculpar, porque muchas de esas colaboraciones las gestiona más Santi. En ese sentido yo estoy un poco fuera de ese proceso. Pero lo que sí puedo contarte es cómo trabajamos normalmente como banda. Nuestro proceso ha ido evolucionando mucho con los años. Al principio funcionábamos como cualquier grupo: encerrados en un local de ensayo donde todos volcábamos nuestras ideas y de ahí construíamos las canciones. Con el tiempo eso cambió bastante.

Hoy en día ni siquiera tenemos un local de ensayo. Cuando llega el momento de empezar un disco o preparar una gira, nos encerramos en un estudio o en una masía durante varias semanas y trabajamos ahí intensamente. La parte creativa suele empezar con Santi, que compone muchas ideas desde casa gracias a la tecnología. Después las comparte con nosotros y entra Julián, el guitarrista, que le ayuda mucho a desarrollar esas ideas. Luego nos sumamos el resto de la banda, cada uno aportando lo que cree que puede enriquecer la canción. Finalmente, en la grabación entran también los productores con los que trabajamos habitualmente —Ricky Falkner, Santos & Fluren— que terminan de perfilar el sonido. Es un proceso bastante individualizado, pero funciona muy bien para nosotros.

IR!: Ahora que mencionas la gira, están por pasar varias semanas fuera de casa. Más allá de lo musical, ¿cómo se preparan mentalmente para salir tanto tiempo de gira?

LOL: Todo ha sido un proceso muy natural. Cada uno lo vive de forma distinta, pero al final es algo que simplemente sucede: si tienes que irte tres semanas a México, pues te vas. Siempre cuesta irse de casa y también cuesta volver. Cuando estás fuera extrañas tu hogar y cuando estás en casa extrañas salir de gira. Es una especie de contradicción constante.

A veces el desgaste mental puede ser incluso más fuerte que el físico. Por ejemplo, para nosotros dos semanas de gira suelen ser el límite ideal. Esta vez estaremos tres semanas fuera, lo cual es un poco más de lo habitual. Pero cada uno busca sus propios momentos de tranquilidad: ir al gimnasio, quedarse un rato solo en la habitación o salir a comer a algún restaurante. Son pequeñas herramientas para hacer más llevadero el viaje. De todas formas, venir a México siempre es algo bonito; nos encanta estar aquí.

IR!: En todos estos años girando por el mundo, ¿qué ha cambiado entre las primeras veces que salían de tour y lo que viven ahora?

LOL: Hemos aprendido a llevarlo mejor. Cuando empezamos a venir a México era como soltar a un perro que ha estado atado durante un mes. Todo era emoción, queríamos hacerlo todo, verlo todo, salir a todas partes. Era algo muy visceral.

Hoy en día es diferente. México se ha convertido casi en una segunda casa para nosotros. Repetimos hoteles, conocemos los restaurantes a los que queremos ir, incluso tenemos nuestros lugares favoritos para sentarnos un rato y estar tranquilos. Antes todo era novedad; ahora sigue siendo emocionante, pero de una manera mucho más natural.

A veces decimos que México es como subir el contraste de color a un televisor: todo se vuelve más intenso, más vivo. Eso ya no nos sorprende como al principio, pero sigue fascinándonos cada vez que llegamos a Ciudad de México. Es una ciudad que te atrapa.

IR!: El próximo año la banda cumplirá 30 años. ¿Están preparando algo especial para celebrarlo?

LOL: Sí: descansar. Después de casi tres décadas hemos tenido pausas muy pequeñas, pero siempre eran pausas para grabar un disco o preparar una gira. Esta vez queremos parar de verdad y dedicar tiempo a otras inquietudes personales.

La dinámica de esta banda es como un tren en movimiento: cuesta mucho detenerlo. Si lo quieres parar, tienes que hacerlo durante un tiempo real. Por eso hemos decidido hacer un paréntesis. Y un paréntesis significa justamente eso: que se abre y que se cierra.

La banda no se separa en absoluto. Es demasiado tarde para dejarlo, además somos demasiado felices sobre el escenario. Pero cada uno quiere explorar proyectos personales: algunos harán discos en solitario, otros se dedicarán a otras pasiones. En mi caso, por ejemplo, me interesa mucho la gastronomía.

IR!: Entonces esta gira por México se vuelve todavía más especial para el público.

LOL: Sí, completamente. Es un momento muy bonito para celebrar todo lo que hemos vivido. Vamos a tocar canciones de nuestro último disco, Ejército Salvación, pero también muchas canciones de discos anteriores que hace tiempo no tocábamos en México.

No me gusta llamarlo despedida, porque no lo es. Pero sí sabemos que estaremos un tiempo sin venir, así que queremos ofrecer un espectáculo que sea una celebración: abrazarnos con el público y decir “hasta pronto”.

IR!: Para cerrar la entrevista: si tuvieras que describir a Love of Lesbian en tres palabras —sin decir Love of Lesbian—, ¿cuáles serían?

LOL: Honestidad, familia y amistad.

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Violet Grohl presenta “595” y anuncia 'Be Sweet to Me'

La cantante presenta un adelanto del material que marcará su debut musical.

Violet Grohl está a punto de hacer su debut como solista con Be Sweet To Me, su primer material discográfico que llegará el próximo 29 de mayo. Como un pequeño adelanto de lo que nos espera, la compositora de 19 años presentó "595", tercer sencillo que promociona este material y ofrece un vistazo de la atmósfera que trae consigo su propuesta. 

"595" es una canción que captura a la perfección la dualidad de su proyecto; aquí, su voz fluye de forma melódica y potente, chocando con riffs de guitarra que le inyectan una estética cruda y vintage. Además, el estreno llega acompañado por un videoclip dirigido por Nikki Milan Houston, el cual, al igual que la canción apuesta por mantener una narrativa retro que sigue a Violet en un viaje a bordo de un taxi.

Para la creación de Be Sweet to Me, la artista trabajó junto al productor Justin Raisen en su estudio casero de Los Ángeles. El proceso de grabación se llevó a cabo entre finales de 2024 y principios de 2025, reuniendo a un grupo de músicos que colaboraron en el proyecto con la intención de capturar la esencia de las sesiones de grabación de los años sesenta y setenta.

El álbum incluirá un total de 11 canciones, entre los que ya conocemos "THUM" y "Applefish", además de la emotiva “What’s Heaven Without You”. Con estos primeros adelantos, Violet Grohl deja ver que tiene la madurez necesaria para liderar su propio proyecto sin imitar el estilo de su padre, Dave Grohl, líder de Foo Fighters.

Esta es la portada y el tracklist:

Vilet grohl be sweet to me

 

1. "THUM"
2. "595"
3. "Bug In The Cake"
4. "Last Day I Loved You"
5. "Big Memory"
6. "Mobile Stars"
7. "Often Others"
8. "Applefish"
9. "Cool Buzz"
10. "Pool Of My Dream"
11. "Plastic Couch"

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Earl Sweatshirt y MIKE anuncian 'POMPEII // UTILITY'

El álbum doble producido por SURF GANG llegará en abril.

Los raperos Earl Sweatshirt y MIKE, de la mano del colectivo de productores SURF GANG, anunciaron un proyecto colaborativo que verá la luz muy pronto. Se trata de POMPEII // UTILITY, un LP doble programado para estrenarse este 3 de abril de 2026 bajo los sellos 10k, Tan Cressida Records y SURF GANG Records.

Como primer adelanto de esta entrega, se liberó el videoclip del sencillo doble “Minty // Earth”. Bajo la dirección de Ian Lopez y Richard Phillip Smith, el video se divide en dos fragmentos: el primero, protagonizado por MIKE, quien toma las riendas con “Minty”, para después cederle su lugar a Earl en “Earth”; una estructura que plasma a la perfección el concepto dual de la producción discográfica.

POMPEII // UTILITY es el fruto de más de una década de hermandad, la cual se remonta a 2016, cuando Earl Sweatshirt apoyó a MIKE y su colectivo [sLUms]. Desde aquel entonces, la dupla ha trabajado en temas como “allstar”, del álbum Weight of the World (2020), o “Sentry”, perteneciente a VOIR DIRE (2023), proyecto que Earl lanzó junto al The Alchemist.

La producción de los 33 temas que integran este material fue diseñada por SURF GANG, mientras que la identidad visual fue obra del escultor Sharif Farrag, amigo cercano de Earl. Este disco promete distanciarse de la melancolía introspectiva que marcó sus inicios para explorar un sonido mucho más relajado y comunitario.

Aunado al estreno, los artistas anunciaron el Home on the Range Tour, gira que visitará diversas ciudades de Estados Unidos y Europa a partir de junio. No obstante antes de arrancar formalmente dicha travesía, el proyecto hará una escala en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México el próximo 24 de abril en el Foro Indie Rocks!.

Mira la portada del disco y el tracklist:

Earl sweatshirt, mike disco

POMPEII

1. "The Fall"

2. "MY WORST (rebuke)"

3. "Da Bid (feat. Jadasea)"

4. "NOT 4TW (feat. Anysia Kym)"

5. "THE POPE"

6. "AFRO"

7. "Minty"

8. "F.E.A.R. (feat. Niontay)"

9. "Tampering"

10. "Shutter Island"

11. "Back LA (feat. Na-Kel Smith)"

12. "Back Home"

13. "Kirkland (feat. Earl Sweatshirt)"

14. "#FREE #MIKE"

15. "Man of the Month"

UTILITY

1. "this2shallpass" 

2. ":( again :)" 

3. "Home on the Range" 

4, "React" 

5. "Hot Water (Cahuilla)" 

6. "rectangle lens" 

7. "Leadbelly (feat. MIKE)" 

8. "quikk" 

9. "Ew!" 

10. "Earth" 

11. "Chali 2na" 

12. "Sisyphus" 

13. "Locusts (feat. Lerado Khalil)"

14. "Tour de France" 

15. "Chicago"

16. "Book of Eli"

17. "AOK"

18. "Don't Worry!"

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“I Can Feel Your Love”, lo nuevo de Alexis Taylor

El tema forma parte de Paris In The Spring, su séptimo álbum como solista.

A tan solo unas horas de que el nuevo material discográfico de Alexis Taylor sea lanzado, el vocalista y cofundador de Hot Chip estrenó “I Can Feel Your Love”, sencillo que cuenta con la participación del dúo australiano The Avalanches y que además forma parte de Paris In The Spring, su próximo álbum como solista que llega este 13 de marzo.

El tema llega como uno de los últimos adelantos del disco y muestra una faceta más luminosa dentro del sonido característico del músico británico. Dicha evolución fue posible gracias a la producción de los australianos, quienes, a través de la construcción de samples con influencia de gospel, crearon la base del tema y generaron una atmósfera espiritual que contrasta con un ritmo cercano al disco pop.

“I Can Feel Your Love” explora una conexión emocional que trasciende las palabras, haciendo referencia a la sensación de percibir el afecto de alguien incluso cuando no se expresa de forma directa. El track también cuenta con la colaboración del productor francés Étienne de Crécy, con quien Taylor trabajó en París para grabar el coro, aportando ese toque francés que terminó influyendo en gran parte del espíritu del álbum.

El lanzamiento llega acompañado de un video musical dirigido por Tom Furse (ex integrante de The Horrors). A través de su narrativa, conocemos la historia de Taylor encontrándose con un tigre de Tasmania, especie ya extinta, con quien emprende una aventura que funciona como metáfora de un vínculo que va más allá del lenguaje, reforzando el mensaje central de la canción.

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The Lemon Twigs regresa con 'Look For Your Mind!'

El dúo presenta “I Just Can’t Get Over Losing You”, primer adelanto del álbum.

The Lemon Twigs está de regreso con nueva música y un sonido que rinde homenaje a la era dorada del power pop. Brian y Michael D’Addario anunciaron el lanzamiento de Look For Your Mind!, su próximo material de estudio que llegará el 8 de mayo de 2026 vía Captured Tracks. Como primer adelanto, el dúo presentó “I Just Can’t Get Over Losing You”, sencillo que inaugura esta etapa.

Con este material, los hermanos D’Addario continúan una etapa creativa que comenzó con Everything Harmony (2023) y A Dream Is All We Know (2024), trabajos que consolidaron su estilo inspirado en la estética de los 60 y 70. En Look For Your Mind! vuelven a explorar las guitarras brillantes y armonías vocales, aunque ahora también dejan ver un trasfondo mucho más reflexivo en sus letras.

“I Just Can’t Get Over Losing You” mezcla guitarras y armonías que remiten al pop clásico, además de destacar por su sonido luminoso; sin embargo, al igual que las otras 13 piezas que integran el material, el álbum aborda temas relacionados con la confusión y la incertidumbre del presente. Este matiz le otorga un aire conceptual al proyecto, logrando un equilibrio fresco y fiel a la identidad que la dupla ha desarrollado a lo largo de su trayectoria.

Otra de las novedades del proyecto es la participación de algunos músicos que forman parte de la alineación en vivo del grupo. Entre ellos destacan Reza Matin en la batería, Danny Ayala en el bajo y Eva Chambers, quien también aporta voces y algunos instrumentos. Su colaboración ayudó a capturar una energía más cercana a la que la banda suele mostrar sobre el escenario.

Mira la portada y el tracklist:

The lemon twigs look for your mind!

1. "Look For Your Mind!"

2. "2 or 3"

3. "Nothin’ But You"

4. "Gather Round"

5. "I Just Can’t Get Over Losing You"

6. "Fire and Gold"

7. "Mean to Me"

8. "Bring You Down"

9. "Yeah I Do"

10. "I Hurt You"

11. "You’re Still My Girl"

12. "Joy"

13. "My Heart Is In Your Hands Tonight"

14. "Your True Enemy"

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Jorge Drexler adelanta “¿Qué será que es?”, parte de 'Taracá'

El músico uruguayo presenta una reinterpretación en español del clásico brasileño de Gonzaguinha, acompañado por la Rueda de Candombe.

A pocas horas del lanzamiento de su nuevo álbum de estudio Taracá, el cantautor Jorge Drexler comparte un nuevo adelanto titulado “¿Qué será que es?”, una adaptación al castellano del emblemático tema “O Que É, O Que É?”, compuesto por el músico brasileño Gonzaguinha.

La canción llega como una reinterpretación vívida y contemporánea que mantiene la esencia del clásico original mientras lo acerca al público hispanohablante. En esta nueva versión, Drexler colabora con la Rueda de Candombe, un colectivo nacido en 2024 en Montevideo que se inspira en las tradicionales rodas de samba brasileñas, donde esta canción suele formar parte del repertorio.

El resultado es una lectura renovada en clave de candombe que celebra la alegría de vivir y la capacidad de mirar el mundo con la curiosidad de un niño, como si la vida fuese un aprendizaje constante. Ese espíritu queda condensado en uno de los versos más recordados del tema: “Vivir y no tener vergüenza de ser feliz / cantar y cantar y cantar la belleza de ser un eterno aprendiz”, convertido aquí en el corazón emocional de esta interpretación.

La producción combina la sensibilidad característica de Drexler con la energía rítmica de los tambores del candombe, generando un puente sonoro entre Uruguay y Brasil. De ese cruce surge una versión que dialoga con ambas tradiciones musicales y reafirma el interés del artista por explorar los vínculos culturales dentro del ámbito iberoamericano.

El lanzamiento llega acompañado de un emotivo videoclip dirigido por Joana Colomar y Rodrigo Méndez, con montaje de Maia De Zan Hatch. El video entrelaza imágenes actuales con material de archivo familiar en formato Super-8 filmado por Gunther Drexler en el Uruguay de los años 70, generando una pieza cargada de memoria y emoción.

Con este adelanto, Drexler vuelve a tender puentes entre las músicas que lo han formado y el presente, proyectando su legado hacia nuevas generaciones a partir de una pregunta universal que atraviesa la canción: ¿qué es la vida?.

“¿Qué será que es?” ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y funciona como antesala del lanzamiento completo de Taracá.

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“Star”, lo nuevo de Iceage

Cinco años de silencio discográfico han llegado a su fin.

La aclamada banda danesa Iceage ha marcado su potente regreso a la escena musical con el lanzamiento de un nuevo sencillo, "Star", su primera muestra de material inédito desde la publicación de su aclamado álbum de 2021, Seek Shelter. Este lanzamiento llega tras un periodo de actividad notablemente independiente de su carismático líder, Elias Rønnenfelt, quien se mantuvo ocupado con proyectos en solitario como Heavy Glory (2024) y Speak Daggers (2025), explorando facetas creativas que, sin duda, han enriquecido la perspectiva de la banda. Además, en 2022, Iceage compartió Shake the Feeling, un álbum que recopilaba rarezas y material de archivo.

Fieles a la filosofía de Iceage de concebir cada nuevo disco como una "evolución y una nueva forma de tocar" —según declaraciones oficiales—, "Star" introduce un elemento sonoro novedoso dentro de su ya diversa discografía de cinco álbumes de estudio.

El sencillo irradia una energía vibrante, marcada por la inclusión notoria de una cadencia rítmica contagiosa que sugiere una paleta emocional más brillante. La propia canción, en su construcción y atmósfera, "brilla" como un indicio poderoso de lo que depara la próxima era del grupo, sugiriendo un giro hacia lo afirmativo sin perder la intensidad que los caracteriza.

Dale play aquí:

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Modest Mouse regresa con “Look How Far…”

Un esperado regreso.

Modest Mouse ha puesto fin a un silencio discográfico con el lanzamiento de su nueva canción, titulada "Look How Far...". Este sencillo marca su primera contribución musical desde el lanzamiento de su último álbum de estudio en 2021.

La nueva pista destaca no solo por ser un regreso, sino por la notable colaboración que presenta. Para la sección de percusión, Modest Mouse reclutó a la aclamada Janet Weiss, una figura seminal en la escena del rock independiente, reconocida por su trabajo como ex integrante de la icónica banda de riot grrrl Sleater-Kinney y su papel actual como miembro del dúo de rock indie Quasi. La participación de Weiss en la batería añade una capa de complejidad rítmica y potencia al sonido característico de Modest Mouse.

Dale play aquí:

A pesar de que han transcurrido cinco años desde el lanzamiento de su álbum más reciente, The Golden Casket, la banda liderada por Isaac Brock ha mantenido un perfil activo y dinámico dentro de la industria musical.

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