Speed irrumpe con “Peace” y anuncia EP

Regresa con fuerza y una velocidad visceral.

Speed lanzará su próximo EP, All My Angels, el 23 de octubre a través de Flatspot/Last Ride, consolidando la creciente presencia del hardcore australiano en la escena.

La banda presentó el sencillo principal, "Peace", junto con el anuncio de su nuevo material. En este tema, la agrupación intensifica una atmósfera de velocidad y brutalidad. Los riffs son potentes y aumentan con una agresividad sublime, resultando en una descarga visceral que demuestra el continuo perfeccionamiento de sus técnicas musicales. La narrativa de la canción aborda un trasfondo doloroso. A través de experiencias personales y la cercanía con la muerte de tres amigos, surge una profunda introspección y el deseo de integrar la pérdida a sus vidas, de seguir adelante a pesar de que el camino pueda parecer devastador.

Tres de nuestros amigos cercanos fallecieron en 18 meses, pero, en medio de esta devastación, me invadió una profunda sensación de claridad y paz. Porque, a pesar del abismo de preguntas sobre el porqué y el cómo, mi mayor tranquilidad residía en la certeza de que el tiempo que compartimos e invertimos el uno en el otro estaba cimentado en la honestidad pura y el amor incondicional”, explicó el vocalista Jem Siow.

El video oficial, dirigido por Thomas Elliott, exhibe una estética minimalista. La narrativa violenta y las técnicas feroces de Speed resuenan, revelando la esencia característica de la banda australiana.

All My Angels, la continuación de su último álbum de estudio, Only One Mode (2024), superará sus propios límites. Hará que el género resuene internacionalmente, reviviendo la furia detrás del hardcore, un género que aún tiene mucho que ofrecer.

Es difícil ser una banda hardcore. Hay límites muy estrictos sobre lo que se puede hacer como banda. No buscamos necesariamente desafiar los límites en absoluto, pero creo que simplemente intentamos desafiar el estilo que hemos creado", expresó el guitarrista Josh Clayton.

Dale play a "Peace":

Te compartimos la portada y el tracklist:

Acelerad todos mis ángeles

1. "AIN’T MY GAME"
2. "PEACE"
3. "ALL MY ANGELS"

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Hinds versiona “Girl, So Confusing” de Charli XCX

Un himno introspectivo en búsqueda de la reivindicación, la aceptación, la autoestima y el autocuidado.

“Girl, So Confusing” es el nuevo sencillo de Hinds. El tema de la girlband española rinde homenaje a Charli XCX con un toque onírico. Esta propuesta celebra el primer aniversario del álbum Viva Hinds con un mensaje de conexión femenina y una crítica a la sociedad que busca enfrentar a las mujeres.

En un despliegue de indie pop cálido y relajado, Carlotta Cosials y Ana Perrote, nos presentan un tema explora narrativas complejas dentro del feminismo moderno, exponiendo la realidad de una sociedad que persiste en emitir juicios directos hacia la mujer, ya sea por su forma de hablar, su cuerpo o su existencia misma. La canción se erige como un himno introspectivo en búsqueda de la reivindicación, la aceptación, la autoestima y el autocuidado.

La banda ha lanzado un video con estética lo-fi que se siente íntimo y auténtico. Este material es una recopilación de grabaciones realizadas en Madrid durante el verano, exhibiendo su creatividad artística y la esencia de vivir en una era musical reveladora.

Hinds continúa consolidándose en la escena alternativa internacional. Su arte, que irrumpe con fuerza en las causas sociales y se complementa con un ambiente sonoro etéreo, crea una unión evidente en cada tema, explorando terrenos que la industria musical a menudo silencia. Su personalidad auténtica y llena de resistencia es un sello distintivo de su trabajo.

Disfruta de "Girl, So Confusing":

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Entrevista con Lewis Capaldi

Entre la vulnerabilidad y la fuerza de "Survive".

Después de un par de años de silencio, Lewis Capaldi regresa con "Survive", un tema que expone sin filtros la vulnerabilidad de un momento difícil, pero también la fuerza de levantarse y seguir adelante. En esta conversación con Indie Rocks! el cantautor escocés habla sobre la honestidad detrás de sus letras, el reto de tomarse pausas en una industria que exige inmediatez, y la energía incomparable que encuentra en el escenario. Entre humor, sinceridad y resiliencia, Capaldi nos recuerda que la música no solo se trata de sonar bien, sino de contar lo que realmente importa.

Indie Rocks!: ¿De dónde viene la inspiración? ¿La vida misma o tomas un tema específico y comienzas a trabajar desde ahí?

Lewis Capaldi: Para mí, siempre se trata de lo que está pasando en mi vida. De otra forma no se siente real ni honesto. También me inspiro en las experiencias de mis amigos o familia, y trato de canalizar todo eso en las canciones. En cuanto encuentro una conexión personal, entonces todo empieza a tener sentido.

Indie Rocks!: Una vez que tienes la idea de la letra, ¿cómo se transforma en expresión instrumental? ¿Sientes que va más hacia una balada, o a veces se acerca más a una power ballad?

Lewis Capaldi: Depende de cómo comience la canción, si con la letra o con la música. Pero la mayoría de las veces, es el contenido lírico el que guía el aspecto musical. Si escribo sobre desamor, dolor o algún tipo de caos, la canción naturalmente se va hacia la balada. Si es sobre alegría o estar en un buen momento, toma un tono más ligero.

Indie Rocks!: En tu nuevo sencillo "Survive" no escondes la desesperanza. ¿Cómo decidiste poner esos sentimientos en una canción y compartirlos con el mundo?

Lewis Capaldi: Esa canción nació en una etapa en la que necesitaba tomarme un tiempo porque no estaba bien, ni mental ni físicamente. Quería escribir sobre atravesar todo eso y salir al otro lado. "Survive" habla de resiliencia, de seguir adelante cuando la vida pesa demasiado, de poner un pie delante del otro y encontrar fuerza en ese proceso.

Indie Rocks!: Tomarte un tiempo, transformar esos sentimientos en música y evitar caer en la monotonía… ¿cuál es el secreto?

Lewis Capaldi: La verdad, todavía me cuesta. A principios de este año no había escrito una canción desde febrero, y sentía que estaba atrapado en un ciclo donde todo sonaba igual. Tomar un descanso fue lo mejor que pude hacer. Alejarme me ayuda a resetear y a evitar el “más de lo mismo”. Es clave parar cuando se necesita, para mantener las cosas frescas.

Indie Rocks!: Las redes sociales presionan para producir constantemente: rápido, efímero, a veces agotador. ¿Cómo equilibras eso con tomarte tu tiempo en una industria que casi nunca lo permite?

Lewis Capaldi: Es difícil, porque la presión siempre es “más, más rápido, lo siguiente”. Pero creo que es importante resistirse a eso. Hace poco vi una entrevista con Charli XCX donde decía que aún no tiene listo un álbum y que podría tardar cinco años en lanzar otro. Y la verdad, respeté mucho esa postura. La música debe salir cuando realmente se siente lista, no solo por cumplir con el ciclo.

Indie Rocks!: ¿Cuál es la diferencia entre Lewis en el estudio y Lewis en el escenario?

Lewis Capaldi: Prefiero mil veces estar en el escenario. Grabar me parece aburridísimo, no me llena creativamente como lo hace componer. Tocar en vivo es la razón por la que hago esto: sentir la energía de la gente, conectar con quienes me han puesto en esta posición tan increíble. Esa conexión lo es todo. Los shows en vivo son mi verdadera arena.

Indie Rocks!: "Survive" suena como un himno. ¿Cómo eliges qué sencillos lanzar y cómo construyes la narrativa hacia un álbum?

Lewis Capaldi: Este año solo tenemos unas cuantas canciones listas, y el próximo me enfocaré en hacer un álbum. "Survive" no es necesariamente mi favorita, pero el mensaje era justo lo que quería compartir después de dos años fuera. Sentí que era la canción perfecta para regresar. La siguiente será "Song from the Heavens", que creo es la más fuerte de este nuevo material.

Indie Rocks!: ¿Fue difícil compartir tus ideas con productores o tu equipo en esta nueva etapa?

Lewis Capaldi: Al principio sí. En mi segundo disco, muchas veces trabajaba con gente que apenas conocía ese mismo día, escribíamos una canción y tal vez no los volvía a ver. Ahora me tomo el tiempo de construir relaciones reales con productores y compositores, y eso hace que las canciones sean más profundas y significativas, en lugar de quedarse en un pop superficial.

Indie Rocks!: Para quienes aún no conocen tu música, ¿cuál sería la mejor canción para empezar?

Lewis Capaldi: "Before You Go". Es probablemente mi favorita hasta ahora y la que usaría para presentarle mi música a alguien.

Indie Rocks!: Descríbete en tres palabras.

Lewis Capaldi: Tonto, tonto y un chico pop. Ese soy yo.

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Lambrini Girls comparte “Cuntology 101 (Peaches Remix)”

Una propuesta atrevida.

“Cuntology101”, el intenso y atrevido remix del álbum debut de Lambrini Girls, Who let The Dogs Out, ya está disponible a través de CitySlang. La banda se une a Peaches para este lanzamiento.

Con un video dirigido por Prehuman, el grupo de punk rock irrumpe con carisma y provocación. La banda explora la sexualidad femenina y retoma narrativas complejas que denigran a la mujer, para así tomar el control de los comentarios y aceptar la vida sin prejuicios.

¡La canción es una pasada! ¡Fue una decisión obvia! ¡Punk AF!", compartió Peaches.

Peaches, cantautora canadiense de electroclash, aporta una esencia musical única. Su estilo se distingue por narrativas con letras explícitas y de connotación sexual, mediante las cuales libera sentimientos que podrían ser juzgados en una sociedad conservadora.

Lambrini Girls es una colaboración alternativa que rompe la normativa, fluyendo con una personalidad auténtica. A través de su arte, exponen la cohesión artística con temas sociales.

Dale play a "Cuntology101":

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Of Monsters and Men comparte sencillo doble

La dualidad que existe entre el recuerdo y la nostalgia.

Of Monsters and Men lanzará su próximo álbum de estudio, All is Love and Pain in the Mouse Parade, el 17 de octubre vía Virgin Music Group. Como adelanto, la banda ha compartido un sencillo doble que incluye las canciones "Dream Team" y "The Towering Skyscraper at the End of the Road".

El sencillo principal, "Dream Team", evoca una sensación de nostalgia y vulnerabilidad, creando una atmósfera melancólica que nos transporta a recuerdos preciados con nuestros seres queridos. Escrita por Arnar Rósenkranz Hilmarsson, Nanna Bryndís Hilmarsdóttir y Ragnar Þórhallsson, la letra de la canción captura la belleza del pasado, demostrando que, a pesar del paso del tiempo, la vida puede seguir siendo tan especial como en épocas pasadas. Además, "Dream Team" será parte de la banda sonora oficial de la película A Big Bold Beautiful Journey, del cineasta Kogonada, protagonizada por Margot Robbie y Colin Farrell.

Por otro lado, "The Towering Skyscraper at the End of the Road" captura una esencia más serena y acogedora, a través de una narrativa introspectiva. Aborda el dolor y la resistencia mental frente a la ilusión de una vida pretérita, así como el paso incesante del tiempo que, al avanzar, deja una profunda sensación de vacío. La obra explora temas como la alegría, el desamor y los recuerdos más vívidos.

El cuarto álbum de la banda islandesa, All is Love and Pain in the Mouse Parade, explora un viaje a través de las emociones y experiencias humanas, abarcando tanto la belleza como los tormentos del crecimiento y la vida.

Gran parte de este álbum son historias de dualidad y de cómo el amor y el dolor, aunque parezcan opuestos, a menudo se entrelazan. Queríamos destacar eso al traerles estas dos canciones hoy, pero también nos sentimos como niños impacientes y queríamos compartir más del álbum con ustedes”, comentó la banda en un comunicado de prensa.

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Tortoise estrena “Layered Presence” y detalla su nuevo disco

Una larga espera ha terminado.

Después de nueve años, Tortoise anuncia su regreso desde Chicago con su nuevo álbum de estudio, Touch. El lanzamiento digital será el 24 de octubre a través de International Anthem y Nonesuch, y el 11 de noviembre estará disponible en plataformas de streaming.

Además del single "Layered Presence", la banda de post rock ha compartido el segundo adelanto de su nueva etapa musical. Este tema instrumental, de ambiente sonoro hipnotizante, te envuelve con su encantadora composición desde el primer momento.

Dirigido por Mikel Patrick Avery, el video que acompaña al track ofrece una experiencia visual en blanco y negro, minimalista y enigmática. Ambientado en una carretera desolada, un ser danza al ritmo de la música, que transita de la tranquilidad a la intensidad. El metraje invita al espectador a sumergirse en el arte del instante, sin necesidad de buscar interpretaciones más allá de lo evidente.

Touch es el octavo álbum de Tortoise, marcando su regreso casi una década después de su último disco, The Catastrophist (2016). Este nuevo trabajo presenta una fórmula distinta y más alternativa, con 10 temas originales, y contó con la colaboración de John McEntire en la grabación y mezcla.

Dale play a "Layered Presence":

Te compartimos la portada y el tracklist:

Tortoise touch

01 "Vexations"
02 "Layered Presence"
03 "Works and Days"
04 "Elka"
05 "Promenade à deux"
06 "Axial Seamount"
07 "A Title Comes"
08 "Rated OG"
09 "Oganesson"
10 "Night Gang"

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Entrevista con Kamasi Washington

Sonidos sin miedo, caminos infinitos.

Pocos músicos contemporáneos encarnan el espíritu de la exploración como Kamasi Washington. Antes de su esperado regreso a la Ciudad de México, el saxofonista y compositor conversó con nosotros sobre Fearless Movement, la paternidad, la colaboración, la improvisación y el papel sagrado que la música juega en nuestras vidas colectivas. Con honestidad y visión, Washington reflexiona sobre su evolución y la energía inagotable que sigue dando forma a su arte.

IR!: Primero, vuelves a la Ciudad de México después de una larga espera desde la última vez que te vimos. En general, e incluso en lo que respecta a la inspiración, ¿qué significa para ti la Ciudad de México y cómo preparas este concierto? ¿La ciudad funciona como inspiración de alguna manera?

KW: Sí, amo la Ciudad de México. Es una de mis ciudades favoritas en el mundo. Al ser de Los Ángeles, crecí rodeado de mucha gente mexicana y se siente como casa, pero como una versión distinta de casa. Es una ciudad hermosa, con una combinación increíble de historia, arte, música y su gente. Las pirámides no están tan lejos, la arquitectura es impresionante. Cada ciudad tiene una energía, y los músicos nos conectamos con esa energía cuando vamos.

IR!: Has descrito tu último álbum, Fearless Movement, como un disco de baile, pero no en el sentido literal. ¿Qué quieres que sienta la gente cuando lo escuche?

KW: Este álbum nació de un gran cambio en mi vida: me convertí en padre. Fearless Movement es un juego de palabras: bailar es movimiento, pero la vida también lo es. Para vivir así, necesitas valentía. No hay un estado más libre de miedo que cuando la música se apodera de ti por completo, cuando solo bailas, disfrutas y tus miedos desaparecen. Esa fue la inspiración. Espero que la gente conecte con esa sensación, ese momento en el que un concierto es tan hermoso que hace que todo lo demás se desvanezca.

IR!: Pasaron muchos años entre Heaven and Earth y Fearless Movement. ¿Qué cambió en ese tiempo?

KW: Son muy diferentes. The Epic fue música que llevábamos mucho tiempo tocando antes de grabarla, y hasta tardó dos años en salir. Durante ese tiempo escribí gran parte de Heaven and Earth, así que ya estábamos tocando ese material. Con Fearless Movement fue distinto: era música completamente nueva que ninguno de nosotros había tocado antes, ni siquiera yo. Eso le dio una energía distinta, la de explorar lo desconocido, en lugar de pulir canciones que ya conocíamos.

IR!: Este disco también incluye colaboraciones con Thundercat, George Clinton, André 3000. ¿Fue difícil sumar tantas voces distintas al álbum?

KW: Para nada. La música era nueva, mi vida estaba cambiando y yo quería que tomara otros caminos. Muchas de esas colaboraciones se dieron de forma natural. El tema con George Clinton, por ejemplo: Ronald Brunner lo escribió, pero no sabíamos qué hacer con él. Luego lo conocí en una exposición de arte y me dijo: “Deberíamos hacer música juntos”. En ese momento supe que él sabría cómo resolverlo. Con André 3000 fue distinto: él me llamó para grabar. Yo no sabía en qué andaba, solo era un gran fan suyo. Cuando nos reunimos descubrí que estaba metido en cosas muy experimentales. Esa sesión, junto a Carlos Niño, nos llevó a un lugar inesperado. Cuando quieres que la música cambie, a veces tienes que soltar un poco el control y dejar que otros tomen el timón.

IR!: Hablando de nuevos caminos, también trabajaste en la banda sonora del anime Lazarus. ¿Cómo fue esa experiencia comparada con hacer un álbum?

KW: Soy un gran fan de Shin'ichirō Watanabe y del anime en general. Crecí viendo sus series en VHS allá en los noventa. Así que cuando me llamaron, me sorprendí muchísimo. Él me dio escenarios de la serie y me pidió que compusiera como si hiciera un disco inspirado en esos momentos. Esa libertad fue increíble y me llevó en una nueva dirección. De hecho, parte de mi música favorita de los últimos años salió de ese proyecto.

IR!: Tu discografía mezcla jazz, soul, punk, hip hop, incluso tintes progresivos. ¿Esas decisiones son conscientes o simplemente fluyes en el estudio? Y en ese sentido, ¿cuál es la diferencia entre Kamasi en el estudio y Kamasi en vivo?

KW: En el estudio suelo llegar con una visión: una canción escrita, una meta. Pero si surge algo mejor, me dejo llevar. En vivo es distinto: dejo todo abierto. Cada noche puede haber un descubrimiento brillante en una canción, así que no quiero encasillarme en un solo arreglo. Cambiamos tempos, tonalidades, acordes… la música es infinita. Y en el escenario exploramos esas infinitas posibilidades.

IR!: La improvisación es central en tus shows. ¿Cómo logras equilibrarla con mantener la esencia de las canciones?

KW: Ese es el reto: no perder el espíritu de la canción. Para mí, la canción es sagrada. La improvisación abre puertas infinitas, pero si me mantengo fiel a lo que escucho, la canción permanece. La música fluye a través de mí, del universo, de todos. Mi labor es canalizarla más que fabricarla. Si intento forzarla demasiado, corro el riesgo de perderla. Pero si escucho, la canción sigue ahí, en el centro. Para mí es un ritual, una celebración. La música es de las cosas más sagradas que existen en la vida.

IR!: Para quienes aún no conocen tu obra, ¿cuál sería la mejor canción para empezar?

KW: Es difícil. Mi música es muy variada, y ninguna canción lo abarca todo. Pero si tuviera que elegir una que dé una buena idea de lo que hago, probablemente sería "Fists of Fury".

IR!: Describe a Kamasi Washington en tres palabras.

KW: Ahora mismo, probablemente diría —y es más una descripción de lo que estoy haciendo— pero supongo que sería: buscando la verdad.

Kamasi Pepsi Center

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'Mitski: The Land' llegará a cines de todo el mundo

Un show etéreo y minimalista que te cautivará.

Mitski ha anunciado el lanzamiento de su nuevo largometraje, Mitski: The Land, que se estrenará en cines el 22 de octubre. Esta propuesta cinematográfica promete llevar al público a un viaje íntimo a través de las profundas emociones de la cantautora, quien ha dejado una marca significativa en la escena alternativa.

La película del concierto, Mitski: The Land, ofrecerá una visión única del brillante y magnético espectáculo en vivo. Filmada durante tres noches en el Fox Theatre de Atlanta, la película permitirá apreciar en su máximo esplendor la narrativa performática de la virtuosa voz del indie alternativo.

Mitski the land

Trafalgar Releasing será la encargada de la producción y distribución del proyecto, que se emitirá en 630 cines a lo largo de 30 países. La reconocida productora, con experiencia en conciertos de primer nivel, colabora en esta ocasión con la inconfundible y magnífica voz de Mitski, quien ha forjado un imperio a través de su sensibilidad y sus introspectivas y crudas narrativas sobre las emociones humanas.

Bajo la dirección de Grant James y la mezcla de Patrick Hyland, Mitski: The Land promete una experiencia teatral y mágica. Los shows de la compositora japonesa-estadounidense se caracterizan por un aura de esoterismo y magnetismo puro. Este metraje es una propuesta arriesgada que logrará capturar la esencia auténtica de unos eventos que, con una estética minimalista y una vibra etérea, revelan la personalidad diversa y única de Mitski.

Mira el tráiler a continuación:

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Entrevista con Biznaga

Entre cómplices y colegas, el punk se disfruta más.

No hace falta describirlo demasiado, Biznaga es un grupo consagrado en el punk con más de 10 años de trayectoria discográfica. Su música, como buena banda punk, viene desde el DIY. En entrevista, platicamos con sus integrantes, Álvaro, Jorge y Milky, sobre su próxima visita a México, los cambios en la forma de consumir música y la fusión entre el arte y el activismo. 

Decidir formar una banda puede ser el sueño más simple y posible de cualquier persona joven, e incluso lo más natural y esperable. Sin embargo, lograr que esa banda perdure con la esencia con la que fue fundada es complejo. "Para mí, una banda, como cualquier célula o entidad creativa, responde únicamente a la necesidad de comunicar una serie de ideas y emociones, y ya está. Es un vehículo para expresarse, un vehículo expresivo y creativo, y creo que esa es la motivación que al final arrastra a la gente a montar un grupo", nos comparte Jorge como reflexión sobre la creación de Biznaga.

Mientras, en palabras de Álvaro. "Básicamente, Jorge y yo estábamos fastidiados con nuestras vidas y no se nos ocurrió una mejor manera de intentar sobrellevarla que formar una banda. Trabajos de mierda, vida de mierda, sobreviviendo en Madrid, y a través de la banda canalizamos esa energía".

A la banda, tiempo después de su creación, se sumó Milky. "Yo creo que en nuestra personalidad está el hecho de hacer siempre las cosas con amigos y colegas. Desde pequeños nos gustaban las bandas y esas formaciones de siempre, como batería, guitarras, bajo... Y yo también me di cuenta de que una de las cosas más increíbles que tenía la semana era quedar con los colegas, fuesen los Biznaga hace 12 años o con otros proyectos que he tenido, y estar ahí ensayando cuatro o cinco personas, lo cual es algo fabuloso. Siempre he pensado que compartirlo y ser cuatro es mucho más enriquecedor, y a lo largo de estos años creo que hemos aprendido muchísimo los unos de los otros, no solo en cuanto a referencias musicales, sino también literarias, de cine y, qué sé yo, de cervezas artesanales".

Y es que a estas alturas y con todo el tiempo transcurrido, Biznaga, más que una banda, es un grupo de colegas, amigos y cómplices. "Supongo que cada uno tiene su personalidad y se inclina más hacia un lado, pero en realidad a todos nos gusta mucha música diferente. Sí que hay gente con gustos más marcados que a lo mejor tienden más a un estilo que otros, eso es normal. Milky, por ejemplo, es un loco de la música jamaicana", comparte Jorge.

La diversidad musical es lo que nutre a Biznaga y, ahora, Madrid se encuentra lleno de proyectos nuevos que rodean y suman a la banda. "Yo creo que estamos en un muy buen momento, pero hace unos años también lo pensaba, lo que pasa es que no había tanta música de guitarras, se había perdido un poco eso, el sonido fresco no era el de las guitarras, ¿sabes? Y ahora creo que eso sí ha vuelto y a nosotros, que llevamos toda la vida tocando con bajos y guitarras, nos hace ilusión que ese sonido vuelva a estar presente", comparte Milky.

Para referirse a estos nuevos proyectos, Álvaro comparte. "Yo sí que veo gente joven, gente joven que sí está cogiendo las guitarras, algo que hace tiempo no pasaba, ¿no? Veo que hay una escena de gente joven haciendo música de guitarras que durante un tiempo no existió, y eso se agradece. De hecho, a nuestros conciertos como que le faltaba esa gente joven que ahora está empezando a venir; cuando te digo joven, te digo gente de 19, 20 años".

Sin embargo, es común encontrar contrastes en el público en los conciertos en España de talentos más cercanos al mainstream y el punk de Biznaga. "Por ejemplo, lo que hace Rosalía o ese tipo de movidas, que es incluso playback muchas veces, ahí sí que veo mucho móvil. Con nosotros, la gente hace slam. Incluso muchas veces, cuando hemos terminado un concierto y estamos mirando las stories donde nos han etiquetado, decimos: 'Coño, qué pocas hay'. Hay muy pocas, y eso es buena señal, porque la gente estaba pendiente. Yo creo que la gente está metida de lleno en nuestro concierto", comparte Álvaro.

Definitivamente, ya no estamos en 2012, los tiempos cambiaron y la música ya no se consume de la misma forma que entonces. Sin embargo, a Biznaga poco le importa responder a las fórmulas de consumo inmediato. En palabras de Álvaro. "En general, somos un grupo que lo único que le interesa es hacer canciones con las que nosotros mismos estemos contentos y satisfechos. Canciones que a nosotros nos gustaría escuchar. Entonces, si eso cumple las expectativas de Spotify, porque hasta los 15 segundos no monetizas, bien. Si no, pues también bien. Nosotros vamos a buscar la mejor canción posible. A veces son más inmediatas, a veces no lo son tanto. Entonces, sí, estamos en el mundo, sabemos cuál es la realidad que nos rodea y no somos impermeables a ella, pero creo que en general no somos un grupo al que le afecten mucho estos nuevos modos de consumo marcados por los canales y las plataformas".

Y es que su música siempre ha avanzado con las protestas sociales, ya que, como comparte Jorge. "Como artistas, o bueno, llámalo como quieras: creadores de canciones, artesanos de canciones, hacedores de canciones... a la hora de ponerle palabras a esa música, nos fijamos en nuestro alrededor, en la realidad. Ya sea para describirla o para sublimarla, partimos de la realidad. Entonces, en la realidad hay cosas bellas, cosas hermosas y cosas que son una mierda".

A lo que el músico añade. "Es una buena oportunidad, ¿no?, el canal de la música para poner en circulación determinados mensajes y realidades que pueden adquirir mayor potencia que si simplemente las ves en una noticia". Así que, "la política está en Biznaga porque somos seres políticos al fin y al cabo. Entonces, eso está ahí. No es la única faceta que define al grupo, evidentemente. La definición te quedaría bastante pobre si fuera solo como grupo político, pero sin duda la política es importante en este grupo".

Para despedir la entrevista, Milky comparte un mensaje para quienes asistan a su concierto en México. “Moshpit de fresas no. Moshpit que enseña, que sepa lo que es el punk. Pero con respeto”.

¡No te pierdas a Biznaga en la Sala (B) del Foro Indie Rocks! el 28 de noviembre!

Biznaga foro ir

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Guided By Voices anuncia álbum y estrena “(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda”

Un nuevo capitulo de horror y perversión.

Guided By Voices ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Thick, Rich And Delicious, que saldrá a la venta el 31 de octubre de 2025. Este material, editado por GBV, Inc., incluye el primer sencillo, "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda".

En un intrigante giro musical, la banda de indie rock Guided By Voices, liderada por el aclamado Robert Pollard, se prepara para desvelar su 42º álbum, Thick, Rich And Delicious, justo a tiempo para Halloween. Este proyecto se sumerge en una narrativa misteriosa y escalofriante, reflejando la trayectoria extensa y prolífica de una banda que siempre se ha caracterizado por su enfoque radical y su absoluta libertad creativa.

El nuevo sencillo, "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda", presenta una composición minimalista. Es una dosis diluida de guitarras y sintetizadores magnéticos que envuelven al oyente con su ritmo pegadizo y sencillez. La hipnotizante voz de Pollard nos guía a través de una aventura de provocación y diversión.

La banda de Oxford, Ohio, rinde homenaje a la vida cotidiana, que a su vez esconde una locura universitaria digna de ser destacada, con descaro e inmoralidad moderada.

Dale play a "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda":

Mira la portada a continuación:

Guided by voices thick rich and delicious 1757004494

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