Damaged Bug comparte “Over-Exposed”

El nuevo sencillo formará parte de ZUZAX, disco que llegará este mes.

Damaged Bug es el proyecto solista de John Dwyer y acaba de lanzar "OVER-EXPOSED", canción que formará parte de su próximo disco, ZUZAX. Este material estará disponible a partir del 20 de marzo, y profundiza en esa faceta sintética y experimental que el músico ha desarrollado de forma paralela a su trabajo con Osees

A diferencia de la melodía rítmica presente en "END OF THE WAR", su primer adelanto, este nuevo sencillo se presenta como una balada envolvente, donde los sintetizadores avanzan de forma lenta. De acuerdo con Dwyer, la canción explora la resiliencia y el hecho de mantener la frente en alto en momentos complicados y funciona como una invitación a encontrar pequeños espacios de alivio cuando todo parece desbordarse.

"OVER-EXPOSED" une ese tono reflexivo con la estética psicodélica y electrónica que ha distinguido a Damaged Bug desde sus inicios. Estos dos cortes son el fruto de un proceso creativo que tomó siete años, de 2018 a 2025 y que da como resultado final 11 tracks, los cuales prometen ser una montaña rusa de sonidos poco convencionales que reafirman la visión del artista.

ZUZAX se perfila como otro paso fundamental en la trayectoria de Dwyer, quien ha explorado un terreno donde las texturas digitales toman el protagonismo. En esta ocasión, rescató cerca de 40 temas que habían quedado inconclusos, logrando así un álbum abstracto con sutiles destellos pop.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Joyce Manor

Pop punk sin nostalgia falsa.

Antes de su presentación en el regreso del Vans Warped Tour en México, Joyce Manor habla sobre su proceso creativo, su relación con la nostalgia y la energía cruda que todavía define a la banda casi dos décadas después de haber comenzado.

Desde sus inicios en la escena punk de California, Joyce Manor ha construido una discografía breve pero intensa, marcada por canciones rápidas, emocionales y profundamente honestas. Con casi 20 años de trayectoria, la banda sigue encontrando nuevas formas de canalizar la energía del pop punk sin perder la crudeza que los caracteriza. En conversación con Indie Rocks!, el grupo habla sobre los recuerdos de sus primeros días, la forma en que escriben canciones, su relación con el pasado y lo que significa tocar en festivales tan distintos como Coachella y el Vans Warped Tour México.

Indie Rocks!: Algo que siempre me ha gustado mucho de su música es cómo logra capturar el drama de una vida muy cotidiana. La nostalgia y mirar hacia atrás parecen ser temas recurrentes en su trabajo. Así que me gustaría hacer justamente eso por un momento. Ustedes han contado que Joyce Manor comenzó después de un viaje bastante caótico a Disneyland con Four Loko. Si pudieran hablar con ustedes mismos en ese momento, ¿qué creen que sería lo que más les sorprendería del lugar al que llegó la banda?

Joyce Manor: Muchísimas cosas. Lo de Mark Hoppus, por ejemplo. Eso nos habría volado la cabeza. El día que fuimos a Disneyland hablamos todo el tiempo de Enema of the State. Estábamos nerdando sobre Beach Boys y Blink-182. Si alguien nos hubiera dicho: “van a escribir una canción llamada ‘Heart Tattoo’, a Mark Hoppus le va a gustar y después la van a tocar con él en vivo en el Hollywood Palladium”, habría sido completamente surreal.

También nos sorprendería que seguimos haciendo esta banda, una banda que ni siquiera había empezado en ese momento. Si alguien nos hubiera dicho que casi 20 años después todavía estaríamos pasando tiempo juntos haciendo música… habría sido increíble. Honestamente, todo lo relacionado con esta banda habría sido imposible de imaginar en ese momento.

IR!: Después de tantos años, la banda ha pasado por distintas etapas. ¿Qué es lo que más ha cambiado en su proceso creativo?

JM: Realmente nada. Para nosotros siempre ha sido importante mantener la misma ambición: escribir las mejores canciones que podamos, pero según nuestros propios estándares. Lo único que importa es hacer algo que nos emocione y que sintamos que vale la pena agregar a nuestro catálogo.

El proceso sigue siendo básicamente el mismo. Escribo canciones, las reescribo, las cambio, las tiro a la basura y vuelvo a empezar. A veces de una sola idea salen tres canciones distintas: una parte de una, otra parte de otra. Hacía eso incluso antes de que alguien escuchara nuestra música. Nadie oía esas canciones, pero igual quería hacerlas lo mejor posible.

En vivo es algo similar: simplemente queremos dar un gran show y estar completamente presentes con el público.

IR!: Entonces, al final del día, parece que siempre han hecho música para ustedes mismos y no para cumplir con las expectativas de alguien más.

JM: Totalmente. Siempre ha sido así. A veces pasa que algunas bandas tienen gente alrededor diciéndoles qué deberían hacer para ser más exitosas. Eso puede corromper la idea original. Es algo que pasa mucho en el cine también: productores o gente del estudio que quieren cambiar tu visión.

Hemos visto que eso le pasa a otras bandas. De pronto alguien les dice: “deberían sonar más como tal banda que está teniendo éxito”. Pero con nosotros nunca ha pasado. Siempre hemos estado felices haciendo lo nuestro.

Además, nuestro sello siempre ha sido muy respetuoso. Nos han apoyado para hacer los discos que queremos hacer, pero sin intentar cambiarnos.

IR!: Hablando de nostalgia, su música parece tener una relación muy fuerte con el pasado. Pero mirar hacia atrás también puede ser peligroso. ¿Cómo manejan esa tensión?

JM: Es algo de lo que somos bastante conscientes. No queríamos hacer un disco que simplemente romantizara el pasado. Mirar demasiado hacia atrás puede ser un lugar poco creativo.

Lo que intentamos fue reflexionar sobre nuestra juventud sin esas “gafas de nostalgia”. Recordar que, en realidad, no todo era tan increíble como a veces lo recordamos. Queríamos evitar esa idea de “los viejos tiempos eran los mejores”. Eso habría sido un disco muy poco interesante.

IR!: Una de mis canciones favoritas del disco es “Whatever It Was”. Alguna vez dijeron que esa canción funcionaría perfecto en una película de Shrek. ¿Tenían alguna escena específica en mente?

JM: La verdad es que nunca he visto Shrek en mi vida. Intenté verlo hace poco y duré como ocho segundos antes de apagarlo. Pero conocemos el tipo de música que aparece en esas películas, como “All Star” de Smash Mouth. Ese tipo de pop rock de finales de los 90 o principios de los 2000.

Mientras grabábamos la canción en el estudio, el nombre provisional era “Shrek 5”. Y justo en ese momento anunciaron que realmente estaban haciendo Shrek 5. Así que todavía tenemos esperanza de que la canción termine en esa película. Quizá tengamos que iniciar una petición en Change.org.

IR!: Si Joyce Manor tuviera que escribir una canción específicamente para una película, ¿qué tipo de película sería?

JM: Creo que tenemos varias canciones que podrían funcionar en películas. "Falling in Love Again” podría quedar muy bien en una película estilo John Hughes. Durante años nos comparaban con bandas que aparecen en comedias adolescentes o películas sobre fiestas de adolescentes.

También hay canciones como “Gotta Let It Go” que podrían funcionar en una película de acción, como en una escena donde explota un coche en el tráiler.

IR!: Para alguien que nunca ha escuchado a Joyce Manor, ¿qué canción recomendarían como puerta de entrada a su música?

JM: “Constant Headache”.

IR!: ¿Por qué esa?

JM: Creo que encapsula todo lo que es nuestra banda. La grabamos cuando éramos jóvenes y no sabíamos muy bien cómo hacer discos. Suena completamente caótica, pero tiene muchísima energía. La letra es muy buena y la fuerza de la canción atraviesa incluso la grabación tan desordenada. Resume muy bien lo que éramos en esa etapa.

Es cruda, emocional, muy visceral. Tiene esa sensación de estar compartiendo demasiado, pero al mismo tiempo es muy himno.

IR!: Este año tocarán tanto en Coachella como en el regreso del Warped Tour. ¿Cómo se preparan para festivales tan distintos?

JM: Honestamente, los tratamos como cualquier otro show. Pero sí nos parece curioso poder tocar en ambos. Creo que hay pocas bandas que encajen en Coachella y también en Warped Tour.

Nos gusta pensar que hacemos pop punk aprobado por críticos musicales. Nos enorgullece un poco esa idea.

IR!: En “Whatever It Was” hay una línea que parece hacer referencia a Sísifo empujando la roca montaña arriba. ¿Fue intencional?

JM: Sí, aunque mi proceso de escritura es bastante caótico. Muchas veces simplemente hago asociaciones de palabras, buscando rimas. Voy improvisando ideas y luego elimino lo que no funciona.

A veces siento que estoy sacando cosas de mi subconsciente. En esa canción hay muchas imágenes de la vida cotidiana: trabajar en Little Caesars, beber para olvidar un dolor de muelas porque no puedes pagar al dentista… Ese tipo de cosas.

Después reviso todo y voy armando algo parecido a un poema con imanes de refrigerador hasta que algo tiene sentido.

IR!: ¿Prefieren el estudio o el escenario?

JM: Probablemente el estudio. Terminar un disco y escuchar el resultado final es increíblemente satisfactorio.

Pero tocar en vivo también es increíble. Hay una frase del guitarrista de The Damned que dice: “Los conciertos los tocaría gratis; lo que tienen que pagarme es todo el viaje”. El momento en el escenario es increíble, pero el resto del día de gira puede ser mucho tiempo de espera.

Ambas cosas son muy gratificantes, pero también es bueno que tengan un final. No puedes quedarte para siempre en el estudio y tampoco puedes tocar para siempre.

IR!: Última pregunta: cuando escriben una canción, ¿a veces piensan en cómo funcionará en vivo?

JM: Sí. Con “The Possum”, por ejemplo. Mientras la grabábamos, pensaba: “ojalá esto provoque un enorme circle pit”. Me imaginaba a la gente haciendo un mosh gigante.

Si eso llega a pasar algún día, lo voy a disfrutar muchísimo. Desde que la estábamos grabando pensé: esta canción va a encender el pit.

Joyce Manor será parte del Vans Warped Tour México que se celebrará los días 12 y 13 de septiembre.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

“Time Is A Bomb”, lo nuevo de Metric

Una poderosa oda a aprovechar el momento con un peligroso espíritu adicto a la adrenalina.

Metric acaba de lanzar "Time Is A Bomb", su segundo sencillo, que sirve como un potente adelanto de su muy esperado álbum, Romanticize The Dive. Este nuevo trabajo discográfico está programado para salir a la luz el 24 de abril bajo el prestigioso sello Thirty Tigers.

"Time Is A Bomb" es una explosiva y enérgica celebración de la urgencia de vivir el presente, abrazando cada momento con una emoción que es tan peligrosa como adictiva. Líricamente, la canción encapsula este espíritu audaz, como lo demuestra la línea central que resonará con los fans del sonido característico de Metric: "Time is a bomb that's ticking faster / I love to flirt with disaster." Esta frase no solo da nombre al sencillo, sino que también establece el tono para lo que promete ser un álbum lleno de introspección y adrenalina.

Digan lo que quieran sobre el auge del bienestar; creo que es una respuesta natural a la conciencia implacable que tenemos de nuestra propia mortalidad,” dice Emily Haines en un comunicado de prensa.

Dale play aquí:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Aldous Harding anuncia ‘Train On The Island’, su nuevo disco

El lanzamiento del sencillo se ha complementado con un cautivador videoclip que ha sido dirigido por Michelle Henning.

La cantautora neozelandesa Aldous Harding ha anunciado los detalles de su esperado nuevo álbum, Train On The Island. Este trabajo discográfico, que marca su primer material de estudio desde el aclamado Warm Chrisde 2022, se lanzará el próximo 8 de mayo a través del sello 4AD.

Harding, conocida por su estilo inconfundiblemente enigmático y su habilidad para crear atmósferas musicales cautivadoras, grabó este conjunto de 10 nuevas canciones en los históricos estudios Rockfield, ubicados en Monmouth, Gales. Para este proyecto, la artista volvió a colaborar con su socio creativo de larga data, John Parish.

Como primer adelanto, Aldous Harding ha compartido el fascinante sencillo "One Stop". Esta pista se destaca por mantener el característico minimalismo juguetón que define gran parte de su obra, pero sorprendiendo con una inmediatez y una estructura que la acercan (casi) al terreno del "pop", aunque siempre filtrado por su lente altamente personal y vanguardista. La canción brilla por su maravillosa y singular lírica, elementos que culminan con una fuerza inesperada.

Dale play:

Esta es la portada y el tracklist:

Aldous harding artwork 1024x1024

1. "I Ate The Most"
2. "One Stop"
3. "Train On The Island"
4. "Worms"
5. "Venus In The Zinnia"
6. "If Lady Does It"
7. "San Francisco"
8. "What Am I Gonna Do?"
9. "Riding That Symbol"
10. "Coats"

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Mira el tráiler del documental 'Dead City Punx'

Una voz disidente y combativa dentro de la ciudad.

El esperado documental Dead City Punx, que se adentra en la tumultuosa trayectoria de la banda homónima de Los Ángeles, ha revelado su tráiler y el anuncio de su inminente estreno mundial. La producción cinematográfica cuenta con un equipo de alto calibre: Zack de la Rocha, miembro de la icónica banda Rage Against the Machine, figura como productor ejecutivo junto a Roger Gastman y Joseph Pattisall, y recibe el respaldo de la plataforma cultural Beyond the Streets.

El debut deDead City Punx está programado para el 16 de abril en el emblemático Teatro Regent de Los Ángeles. Para celebrar la ocasión, se han anunciado dos funciones exclusivas que prometen ser un evento cultural significativo en la escena de la ciudad.

La banda, compuesta por Meka, Grumpy, Mike y Adrian, se ha forjado una reputación de culto gracias a la naturaleza visceral y anárquica de sus presentaciones. Dead City Punx se distingue por sus caóticos espectáculos ilegales al aire libre, que han redefinido el concepto de concierto punk en la era moderna.

La película promete ofrecer una inmersión profunda en este fenómeno a través de entrevistas exclusivas con los miembros de la banda y figuras cercanas al movimiento, complementadas con grabaciones crudas de conciertos capturadas por los propios fans, ofreciendo una perspectiva auténtica y sin filtros de la energía que Dead City Punx desató en las calles de Los Ángeles.

Mira el tráiler aquí:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Mon Laferte y GRTSCH presentan “STREETFIGHTER”

Alianza y reconocimiento.

Mon Laferte ha sido una guía fundamental y aliada crucial para GRTSCH desde sus inicios, reconociendo su potencial disruptivo y su visión vanguardista que entrelaza el merengue experimental, el pop alternativo y los sonidos urbanos.

La sinergia en "STREETFIGHTER" se basa en el respeto mutuo y trayectorias paralelas que priorizan la expresión libre. Ambas artistas comparten una libertad creativa indomable y han hecho de la experimentación un manifiesto, ignorando restricciones de la industria. Mon ha sido testigo del desarrollo orgánico, la estética inconfundible y el sonido híbrido de GRTSCH.

La canción se desarrolla con la elegancia urbana de GRTSCH y la presencia vocal ineludible de Mon que navega entre el erotismo, la teatralidad y el descaro. Lejos de ser un dueto armónico, es un vibrante choque de sensualidad y ritmo desbordante donde: el merengue clásico se distorsiona con electricidad experimental, el pop se expande y el entorno urbano es un campo de batalla musical.

Dale play:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Nuevos Discos del 28 de febrero al 6 de marzo

Las novedades musicales de esta semana ya están aquí. ¿Listo para seguir expandiendo tu playlist?

Artista: Andrew Nolan
Disco: Sacrifice
Label: Closed Casket Activities

Artista: Bad Gyal
Disco: Más Cara
Label: Interscope

Artista: Bitter Branches
Disco: Let's Give The Land Back To The Animals
Label: Equal Vision Records

Artista: clust.r
Disco: autumn break down
Label: dawk26

Artista: Daniela Andrade
Disco: Oda
Label: Crooked Lid Records

Artista: Denzel Curry & The Scythe
Disco: Strictly 4 The Scythe
Label: PH Recordings

Artista: ELIZA
Disco: The Darkening Green
Label: Log Off Records

Artista: Flying Lotus
Disco: BIG MAMA
Label: Brainfeeder

Artista: Gnarls Barkley
Disco: Atlanta
Label: Atlantic

Artista: GUM
Disco: Blue Gum Way
Label: p(doom) records

Artista: Harry Styles
Disco: Kiss All the Time. Disco, Occasionally.
Label: Columbia

Artista: Kim Petras
Disco: Pretour
Label: Virgin Records

Artista: Margaritas Podridas
Disco: Metales Pesados
Label: Hopeless Records

Artista: Mecánica Clásica
Disco: Una Teoría Del Ritmo
Label: Abstrakce Records

Artista: Mute Swan
Disco: Skin Slip
Label: Hit the North Records

Artista: Osees
Disco: Cara Maluco
Label: Deathgod Corp

Artista: Presser
Disco: Voluntary Grief
Label: PresserNoise

Artista: Unsafe Space Garden
Disco: O Melhor e o Pior da Música Biológica
Label: gig.ROCKS! Records

Artista: War Child Records
Disco: HELP(2)
Label: War Child

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

 

A Place To Bury Strangers comparte “Acid Rain”

El sencillo formará parte de su próximo álbum, Rare And Deadly.

La banda neoyorquina liderada por Oliver Ackermann, A Place To Bury Strangers, presenta "Acid Rain", su nuevo sencillo y segundo adelanto del álbum Rare And Deadly; material que verá la luz este próximo 3 de abril de 2026. El estreno llega acompañado de un videoclip grabado de manera improvisada en el metro de Nueva York.

Tras el impacto de "Everyone’s the Same", el conjunto de shoegaze y noise rock lanzó una pieza con una fuerte carga sociopolítica. Esta canción plasma la frustración de una comunidad agobiada; surgió durante el primer mandato de Donald Trump y se nutrió de momentos como las protestas por George Floyd en Manhattan y Brooklyn. De hecho, los cantos iniciales que se escuchan en el tema fueron grabados durante aquellas movilizaciones.

El video que acompaña al sencillo fue filmado el 16 de enero de 2026. En él, los integrantes se embarcaron en un viaje en metro a través del puente de Williamsburg hacia el Lower East Side. El resultado es un clip que refleja la estética cruda que define al grupo, capturando la sensación de ver cómo ciertos conflictos históricos continúan repitiéndose bajo distintos nombres.

"Acid Rain" forma parte de Rare And Deadly, un disco que reúne demos, lados B, experimentos y grabaciones rescatadas del archivo personal de Ackermann. El material abarca sesiones realizadas entre 2015 y 2025, exponiendo una década de conceptos que quedaron fuera de producciones anteriores. A la par del lanzamiento, A Place To Bury Strangers confirmó su gira por Europa, la cual arrancará en abril y visitará ciudades como Hamburgo, Praga, Atenas y Milán, cerrando con una serie de fechas en los Países Bajos.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Jehnny Beth se une a Mike Patton en “Look At Me”

El lado oscuro de la humanidad a través de la mirada de estos artistas.

La artista francesa Jehnny Beth estrenó su potente sencillo "Look At Me", una inesperada colaboración con Mike Patton (Faith No More). La influencia del cantante y compositor estadounidense, específicamente su técnica vocal de canto agudo y susurro, inspiró el paisaje sonoro de Beth durante la grabación de su último álbum. 

Líricamente, la canción es una crítica incisiva a los "vendedores de verdades modernos" y a los impostores que difunden dogmas de optimismo forzado y superación personal en plataformas digitales, buscando pura atención. El tema cuestiona la autenticidad y el poder de influencia de estos "gurús" sobre personas susceptibles.

El videoclip, dirigido por Beth y Johnny Hostile, se inspira en Taxi Driver de Martin Scorsese, usando la iconografía del aislamiento. Jehnny Beth representa al marginado solitario, mientras que Mike Patton encarna al predicador. El clímax visual muestra a ambos personajes fusionándose, simbolizando la dualidad o la asimilación del dogma. La estética mezcla el hiperrealismo fotográfico de Martin Parr con la sensibilidad de Gregg Araki, confrontando la falsedad y la obsesión por la imagen en la cultura contemporánea.

Dale play aquí:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Entrevista con Daniela Andrade

Reconciliar a través de la música.

Daniela Andrade, música y compositora hondureña-canadiense, anunció el lanzamiento de su álbum debut, Oda. Ella ha estado en el ojo público desde que se volvió viral en YouTube al subir covers de algunas de sus canciones favoritas. Sin embargo, aunque logró consolidar una audiencia sólida, siempre mantuvo la inquietud de lanzar su propia música. Ahora, en 2026, ese sueño se convierte en realidad con su primer larga duración, dedicado a su madre. A propósito del lanzamiento, platicamos con la artista sobre su vínculo materno, la estética del álbum y la importancia de concebir su composición en dos idiomas.

Indie Rocks! Magazine: Conocemos tu pasado en YouTube pero, en realidad, ¿De dónde nace la inquietud de empezar a hacer un proyecto musical?

Daniela Andrade: La música para mí siempre tuvo un significado muy especial; ha sido como una medicina, un lugar donde puedo unir diferentes sentimientos. Esa inquietud la he tenido desde niña. Empecé a escribir mis propias canciones a los 12 años. La música siempre ha estado ahí, nunca se fue. YouTube me dio una audiencia, pero la vida me dio este camino en la música.

Indie Rocks! Magazine: ¿La voz siempre fue tu instrumento principal?

Daniela Andrade: Sí, exactamente. Comencé a cantar a los seis años. En mi familia siempre han cantado; mi papi fue director de un coro y nos enseñó a mis hermanos y a mí cómo armonizar. De ahí nació la idea de que mi cuerpo, mi voz, era mi primer instrumento. Pero cuando descubrí la guitarra fue algo muy emocionante. Me tomó mucha práctica poder cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo.

Indie Rocks! Magazine: Vienes de sencillos que a veces fueron agrupados en EPs. ¿Cómo fue pasar de eso a tu primer larga duración?

Daniela Andrade: Con mis últimos dos EPs estaba tratando de encontrar dentro de mí qué era lo que quería decir. Eso me dio un deseo muy fuerte de seguir escribiendo en español e inglés. Siempre he llevado en mi música ese legado de mi familia. Oda representa para mí el próximo capítulo. Tiene que ver con el vínculo entre mi madre y yo, con crecer, hacerme mujer, con mi experiencia como mujer.

Indie Rocks! Magazine: Oda es un material que nos emociona porque tiene toda una historia detrás. Este disco toma el vínculo con tu mamá como eje principal, ¿qué nos puedes contar sobre esto?

Daniela Andrade: Cuando estaba explorando qué quería decir en este álbum —que nunca es claro desde el comienzo, porque el proyecto mismo te va enseñando lo que quiere salir—, me di cuenta de que eran mucho las emociones. Como cuando te guardas una emoción: suprimir, contener… muchas emociones contenidas.

El color rojo fue un norte para mí, porque siento muchas cosas cuando lo veo: pasión, rabia, vulnerabilidad.

Eso me llevó a explorar diferentes tópicos. Seguía escuchando en mi mente historias que estaban conectadas con mi madre: cosas que ella me había dicho, cosas que yo había observado. Quería revisitar nuestra relación, pero viéndola no solo como mi madre, sino como una mujer que también fue hija, niña, que creció en Honduras, en un pueblo, y preguntarme cómo llegó a ser mi madre.

Comencé a hacer muchas preguntas y a tener conversaciones para conocerla otra vez. En ese proceso conocí partes de mí misma. Hay una nota de voz donde ella explica cómo siente el enojo, y me di cuenta de que lo sentimos de la misma forma: como emociones acumuladas, con un deseo de salir y expresarse. Me impresionó mucho cómo la vida corre en paralelo. Aunque somos de lugares distintos —ella nació en Honduras y yo en Canadá—, me ha enseñado tanto. Hay un legado muy fuerte en mí gracias a ella.

Este álbum me ha enseñado mucho. Es un proceso que continúa, pero me ha transformado profundamente.

Indie Rocks! Magazine: Mientras escuchaba tu disco pensaba en la película Lady Bird. Hay un momento en la vida en el que podemos ver a nuestra mamá como una mujer independiente, con su propio contexto, que hace lo que puede con las herramientas que tiene para ejercer su maternidad.

Daniela Andrade: Me encanta ese ejemplo de Lady Bird. Cuando vi esa película también lloré mucho, especialmente en la llamada del final. Dice tanto… Sí, me encanta esa referencia.

Indie Rocks! Magazine: ¿Es también un proceso de reconciliación? ¿El disco va por ese lado?

Daniela Andrade: Claro que sí, es reconciliación al cien por ciento. Reconciliar partes de mí, pero también una relación tan importante. Amo mucho a mi madre y hemos tenido etapas distintas en nuestra relación. Al final, elegir el amor, la paciencia y el entendimiento entre nosotras me ha dado mucha paz, de verdad.

Indie Rocks! Magazine: Sobre el proceso de Oda, ¿qué tanto te involucraste en las decisiones artísticas?

Daniela Andrade: Muchísimo. Estoy muy involucrada en todas las decisiones porque soy una artista independiente y trabajo bajo mi propio sello, junto con mi manager, Jeff. El tracklist es muy intencional, de principio a fin. Quería abrir con la voz de mi madre. También incluí detalles como pasos y puertas, porque quería integrar esta idea de que las conversaciones son portales: abrir una puerta y cerrar otra. Nunca entramos a un cuarto de la misma forma en que salimos.

Produje gran parte del álbum y fui productora ejecutiva. Trabajé con colaboradores muy generosos y talentosos en Toronto y Montreal, pero llevé muchas ideas hasta el final. Incluso estuve involucrada en la dirección creativa de la portada. Con este disco, por ser tan personal, sentí que tenía que tomar yo todas las decisiones.

Indie Rocks! Magazine: Regresando al color rojo en la portada, es un color que puede representar sangre, dolor y también amor. ¿Existe esa dualidad en el disco?

Daniela Andrade: Sí, está incluso en las letras. En la segunda canción digo: “Ahora crecida, ahora el amor, con tinta de rojo resalta, corre en mis labios, risa y dolor, flor en primavera que canta”.

El rojo lleva esa dualidad: pasión y dolor. Conecto mucho con eso y quería plasmarlo en el álbum.

Indie Rocks! Magazine: Las letras en español tienen un peso importante. ¿Hay algo político detrás de esa decisión?

Daniela Andrade: Todo está teñido de algo político, incluso el idioma. Mis padres me enseñaron el español con mucha intención. Tengo un acento que no sé bien cómo describir, porque me enseñaron un español neutral. Cuando voy a Honduras, mis primos hablan distinto; en Canadá, mis amigos salvadoreños, colombianos o argentinos también. Siempre me preguntaban de dónde era.

Mi papi se integró más al inglés porque buscaba trabajo y quería sonar profesional en llamadas; es emprendedor y tiene su negocio. Mi mami se mantuvo más dentro de la comunidad latina y siempre me habló en español. Así nació esa dualidad en mí: en casa era español, en la escuela era inglés.

Me tomó años entender cuán importante era el español para mí, porque intentaba asimilarme más en Canadá. Cuando escribí mi primera canción en español, salió muy rápido y se sintió natural. Ahí entendí que tenía muchas emociones que necesitaban ese idioma. Ahora acepto completamente que soy bilingüe. A veces la primera palabra que surge es en inglés, a veces en español. Y está bien.

Indie Rocks! Magazine: El álbum saldrá el 6 de marzo. ¿Hay alguna canción que te emocione más?

Daniela Andrade: Me emociona muchísimo que la gente escuche “Oda”. Cuando la escucho siento muchas cosas. Cuando la escuché con mi madre, también se emocionó, y me sorprendió que a las dos nos gustara tanto la misma canción.

Y si puedo elegir otra, sería À volonté”, la última. La escribí sintiendo mucho amor, y eso se transmite.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo reaccionó tu mamá cuando le mostraste el disco?

Daniela Andrade: Fue muy especial. Durante años hubo cierta distancia porque yo escribía más en inglés y ella no lo entiende del todo. Cuando escuchamos el álbum juntas, comenzando con su voz y luego la canción “Madre”, sentimos muchísimas emociones. Si algo no entendía, paraba la canción y me preguntaba. Lloramos, nos abrazamos. Fue el único listening party que necesitaba. Después de eso, todo es un plus.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo presentarás este disco en vivo?

Daniela Andrade: Ya se anunciaron las primeras fechas de la gira. El show será muy especial porque la banda está formada por amigos y colaboradores muy cercanos. Estoy trabajando mucho en los detalles del escenario para integrar elementos simbólicos de Oda. No quiero adelantar mucho, pero estoy muy emocionada.

Indie Rocks! Magazine: ¿Con qué mensaje invitas a escuchar el álbum?

Daniela Andrade: Creo que las conversaciones son fundamentales. Son una oportunidad para entendernos con paciencia y amor. Esa es la intención de este proyecto.

Y si pudiera pedir algo, sería que lo escuchen de principio a fin. Lo diseñé así, con mucho amor. Estoy muy agradecida de que lo escuchen.Dale play a “steer” parte del álbum debut Oda de Daniela Andrade aquí.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook