Expo Mitzu: tecnología, música y comunidad en un solo espacio

Un evento que celebra la innovación acústica, los clientes y la escena independiente mexicana.

El evento organizado por Mitzu junto a Kaiser, reunió en un solo lugar la pasión por el sonido, la innovación en equipo de audio y el impulso a los nuevos talentos de la música independiente. Durante la jornada se exhibieron soluciones que van desde bocinas para fiesta hasta monitores de estudio, interfaces, teclados y guitarras, reafirmando que “el futuro del sonido ya está aquí”.

Entre los invitados y protagonistas del evento se encontró la banda veracruzana Carolina Club, que gracias al apoyo del Estudio Kaiser —espacio dedicado a asesoría, ensayos gratuitos y grabación con responsabilidad hacia los nuevos proyectos— presentó su propuesta energética ante el público. “Cuando nos dieron la noticia nos quedamos en shock… estamos muy agradecidos de estar aquí”, declararon los integrantes tras la invitación de Arturo Carreño Massó, Director general de Mitzu y fundador de Kaiser México.

El evento pasó de la exhibición de productos a la celebración musical: desde el trío Spoys, Emilio Osorio, hasta La Sonora Dinamita, la jornada mostró diversidad de géneros, demostrando que Mitzu y Kaiser son líderes del mercado y orgullo mexicano. Más que una feria, la Expo Mitzu se presentó como un espacio de diálogo entre marcas, artistas emergentes y comunidad, fortaleciendo lazos, mostrando innovación y agradeciendo la confianza de quienes buscan el mejor sonido.

Nos vemos en la próxima. Vive el sonido a tu manera en Mitzu: no importa cuál sea tu ritmo, tu mood o tu estilo, aquí encuentras la opción de audio perfecta para ti.

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Florence + The Machine libera “Sympathy Magic”

El tema llega acompañado de un video dirigido por Autumn De Wilde, con la intensidad emocional que distingue a Florence Welch.

Florence + The Machine comparte “Sympathy Magic”, el último adelanto de su próximo álbum Everybody Scream, disponible este 31 de octubre. Escrita y producida junto a Danny L. Harle y Aaron Dessner, la canción captura el equilibrio entre vulnerabilidad y euforia que ha definido la carrera de Florence Welch.

Inspirada en una cirugía que la cantante enfrentó durante la gira de Dance Fever en 2023, “Sympathy Magic” transforma la fragilidad física en una declaración de renacimiento. Entre versos que evocan la pérdida de memoria y la reconciliación con el propio cuerpo, Welch canta:

The scar fades but pulls inside / Tugging at me all the time.”

El video, dirigido por su colaboradora habitual Autumn De Wilde, refuerza el tono liberador de la canción: Welch y un grupo de mujeres aparecen en los paisajes ventosos de las Highlands, encarnando la fuerza que surge tras el dolor.

Con “Sympathy Magic”, Florence + The Machine cierra la antesala de un disco que promete ser uno de los más personales de su trayectoria: un grito luminoso ante la transformación y la supervivencia.

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Entrevista con Grave / Mal

El dúo mexicano redefine el ruido como ritual: texturas densas, cuerpos en movimiento y una comunidad que no se resigna.

El tran(s)ce-punk nace de un proceso de autoconocimiento que ha estado gestándose durante años. Es el cúmulo de averiguaciones que condensa lo que más nos atrae al tocar: repetición, ruido rítmico, texturas densas y atmósferas oscuras… que puedes bailar (si quieres). Es el trance de sentirnos en sintonía y no soltar esa insistencia hasta sus últimas consecuencias. Música trans-fronteriza. En el cuerpo y en el sonido.

Indie Rocks!: Hace siete meses lanzaron su álbum Todo Acaba. ¿Cómo fue para ustedes trabajar ese material y llegar al resultado que ya podemos escuchar?

Grave / Mal: ¡Siete meses! Wow, el tiempo vuela cuando te diviertes. Este material tomó mucho tiempo en gestarse debido a diversos procesos personales que atravesamos. Llegar al resultado final se sintió como una odisea… en cualquier momento parecía que podría valer verga. Pero no lo hizo.

Materializarlo implicó paciencia, ternura, fortaleza, adaptación y mucho enfoque. Nada de eso hubiera sido posible sin tener clara nuestra intención de seguir conociéndonos a través de la música y lo que representamos. Somos dos personas que se aman y hacen lo que pueden.

IR!: ¿Cómo decidieron que su música estuviera disponible en plataformas como Bandcamp y YouTube?

G / M: En su momento no lo pensamos demasiado. Nuestro enfoque nunca estuvo realmente en las plataformas que usaríamos para presentarnos. Nos concentramos en tocar en vivo y distribuir cintas en los shows. Fuera de eso, Bandcamp y YouTube siempre fueron herramientas que nosotras mismas usábamos para descubrir música, por lo que resultó natural pensarlas para nuestro propio trabajo.

Más tarde subimos nuestra música a otras plataformas como Spotify —hasta que entendimos que, además de ser una plataforma de mierda para lxs músicxs en general—, también subvenciona el genocidio militar.

IR!: ¿Cómo surgió su acercamiento al festival Hipnosis y qué podemos esperar de su presentación en esta octava edición del festival?

G / M: Nuestro acercamiento fue algo bastante inesperado. Recibimos la invitación y decidimos aventarnos a esta experiencia, algo muy nuevo para nosotras. Eso mismo nos emociona. ¿Qué se puede esperar? Difícil pregunta. Haremos lo que podamos —y no olvidaremos pasarla bien—.

IR!: ¿Qué planes tienen para Grave / Mal en 2026?

G / M: La verdad es que no somos mucho de planear (jaja), pero pronto lanzaremos nuestro primer vinilo con un compañero que tiene un sello llamado Pinches Discos. Será el álbum Todo Acaba más un malicioso sencillo que acabamos de sacar, titulado “Transitar la Dicha de un Mal Camino”. También queremos girar por otros países y seguir conociendo por ahí. Vamos a ver qué pasa.

IR!: ¿Y a corto plazo, qué les gustaría hacer con el proyecto?

G / M: Reiterando: no somos mucho de planear. Pero en lo que respecta al futuro cercano, cerraremos el año con algunas tocadas en CDMX, Cuernavaca y aquí en Guanatos. Por ahora eso nos motiva mucho, y es suficiente. Queremos seguir tocando y explorando este nuevo modus operandi.

IR!: Para alguien que aún no los conoce, ¿por dónde empezar?

G / M: Perfecto momento para decirlo: no somos muy fans de recomendar sólo un track, pero si tuviera que hacerlo, diría que busquen el álbum Todo Acaba. Esas canciones tienen la condensación de todo lo que somos y buscamos.

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Entrevista con Pavement

Slanted, Enchanted… y de regreso en México.

Bob Nastanovich habla sobre el documental, el paso del tiempo y la emoción de tocar por primera vez en el país.

Pavement es una de esas bandas que nunca se propuso definir a una generación, pero lo hizo de todos modos. Desde sus comienzos en Stockton, California, su sonido lo-fi, su humor absurdo y su honestidad los convirtieron en un referente absoluto del indie rock noventero. Ahora, más de tres décadas después de su formación, el grupo liderado por Stephen Malkmus se prepara para presentarse por primera vez en México dentro del festival Hipnosis 2025, y lo hace en un momento donde su legado vuelve a ser revisitado gracias a un nuevo documental y una inesperada conexión con las generaciones más jóvenes.

En charla con Indie Rocks!, Bob Nastanovich, percusionista y uno de los miembros más carismáticos de la banda, reflexiona sobre esta nueva etapa, los años compartidos con Malkmus y compañía, y la emoción de tocar frente al público mexicano por primera vez.

Indie Rocks!: Pavement ha marcado el camino del indie rock por más de 30 años. ¿Cómo se siente mirar atrás y aún vivir “primeras veces”, como su visita a México?

Bob Nastanovich: Es increíble. Siempre quisimos tocar en México, especialmente en Ciudad de México. En los noventa no había tanto interés por el rock alternativo o el indie, pero eso cambió mucho. Las nuevas generaciones mexicanas están muy metidas en la música subterránea y experimental, y sentimos que ahora sí hay un público que conecta con lo que hacemos. Tardamos en llegar, pero hay muchas bandas aquí que crecieron escuchando a Pavement. Así que para nosotros también es un día muy especial.

IR!: Con el nuevo documental sobre Pavement, el público ha redescubierto su historia. ¿Les hizo replantearse quiénes son como banda?

Bob: Sí, de cierta forma. Es una película divertida, un poco excéntrica, y no sé si refleja exactamente cómo somos, pero me gusta que presente una versión distinta de la banda. Escuchar nuestras canciones convertidas en un musical fue raro, pero también bonito. Es extraño ver cómo un grupo de gente puede reinterpretar algo que hicimos hace décadas y hacerlo con tanto cariño. Supongo que eso te obliga a aceptar que la música, cuando conecta, sigue viajando por generaciones.

IR!: Después de tantos años compartiendo giras y escenarios, ¿cómo ha cambiado tu relación con Stephen Malkmus y el resto del grupo?

Bob: Creo que todos estamos más tranquilos. En los 90 había mucha presión: giras interminables, prensa, expectativas, sellos discográficos… Ahora no hay nada de eso. Nos reunimos porque nos gusta tocar juntos y porque todavía nos llevamos bien. En esta versión de Pavement hay más libertad. Rebecca Cole, nuestra nueva integrante, ha aportado mucho. Es una gran música y nos ayuda a sonar más completos.

IR!: Su canción “Harness Your Hopes” se volvió viral y acercó a una nueva generación a la banda. ¿Cómo viven ese resurgimiento inesperado?

Bob: Es algo que no esperábamos. Mientras el documental se hacía, “Harness Your Hopes” explotó en internet y de repente había adolescentes escuchando Pavement por primera vez. Fue raro, pero al mismo tiempo nos hizo sentir agradecidos. Si alguien descubre nuestra música por una canción perdida, está bien. Lo importante es que el interés sea genuino.

IR!: ¿Cómo eligen qué canciones tocarán en el festival Hipnosis? ¿Se vuelve más difícil con tantos discos y épocas distintas?

Bob: ¡Sí! Es difícil porque hay mucha música y cada quien tiene sus favoritas. Generalmente yo armo el setlist, pero Stephen lo revisa y a veces cambia cosas dependiendo de lo que puede cantar o del ánimo del momento. Intentamos que haya un balance entre lo que la gente quiere escuchar y lo que nosotros disfrutamos tocar. Lo importante es que se sienta bien, que fluya. No se trata de hacer una lista perfecta, sino de mantener la energía.

IR!: ¿Cuál dirías que es el secreto para seguir haciendo música sin caer en la monotonía?

Bob: No sé si hay un secreto. Creo que lo importante es divertirte. En mi caso, nunca fui músico profesional; empecé a tocar una semana antes de nuestro primer show. Siempre fui más bien un tipo que estaba ahí para animar y mantener el ritmo. Si me lo sigo tomando así, todo sigue siendo divertido. La monotonía aparece cuando empiezas a tomarte demasiado en serio.

IR!: ¿Y cómo describirías a Pavement en tres palabras?

Bob: Torcidos. Hechizados. Eternos.

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Kadavar enciende un nuevo ciclo con “Explosions in the Sky”

El trío berlinés anticipa su próximo álbum con un tema suspendido entre la catarsis y el vértigo existencial.

Kadavar regresa con “Explosions in the Sky”, primer adelanto de su nuevo álbum Kids Abandoning Destiny Among Vanity and Ruin, disponible el 7 de noviembre a través de Clouds Hill. La canción condensa el espíritu de una banda que, más de una década después de su debut, sigue transformando su propio caos en energía pura.

Es una mirada histérica a los momentos en los que me enfrenté a mi propia mortalidad,” confiesa Lupus Lindemann, vocalista y guitarrista del grupo. “Simon y yo casi caemos por un acantilado en Cerdeña. Se trata de darte cuenta de que la seguridad es solo una idea, y que basta muy poco para perderla.”

Inspirada por la intensidad psicodélica de The Flaming Lips, la pieza fue escrita tras uno de sus conciertos, impregnada por la euforia luminosa del día siguiente. El resultado: una descarga analógica que oscila entre el control y la entrega total.

Actualmente, Kadavar se encuentra en plena gira europea, con presentaciones en Barcelona, París y Berlín, donde el nuevo tema ya ha sido recibido como una declaración de poder. VISIONS describe su sonido como “un relámpago de luz: fuerte, peligroso, hermoso”.

Con “Explosions in the Sky”, Kadavar inicia una nueva etapa marcada por la introspección, la crudeza y la búsqueda de sentido dentro del ruido.

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Rosalía estrena “Berghain” feat. Björk & Yves Tumor

Un audaz paso adelante que demuestra cómo Rosalía continúa desafiando los límites.

A pocos días del anuncio de su esperado nuevo álbum, Lux, que estará disponible el 7 de noviembre vía Columbia Records, la aclamada cantautora y actriz española Rosalía ha vuelto a sorprender a sus seguidores y a la crítica musical con el estreno de "Berghain".

El track, en colaboración con Yves Tumor y Björk, dos de las figuras más influyentes de la música contemporánea, es una pieza trilingüe que fusiona el flamenco de Rosalía, la electrónica experimental de Yves Tumor y la profundidad vocal de Björk. Las intensas y emotivas letras se desarrollan en español, inglés y alemán, creando una narrativa global que trasciende las barreras del idioma.

El videoclip, grabado en Varsovia (Polonia) bajo la dirección de Nicolás Méndez, narra el viaje emocional de una mujer. Tras experimentar una profunda pérdida, la protagonista emprende la búsqueda de la sanación de su corazón roto. La narrativa visual concluye con ella hallando consuelo y recuperación a través de su espiritualidad, manteniendo en todo momento un tono cargado de significado.

Dale play a continuación:

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“karma”, lo nuevo de BRATTY

Este es el segundo sencillo de su nuevo disco.

La artista sinaloense, BRATTY, está en una nueva etapa de su carrera, ¡y se nota! Se muestra más frontal y honesta que nunca. Su nuevo sencillo es la prueba, confrontando a quienes nos tratan mal. “karma” es una carta abierta, sin rodeos ni indirectas, invitándonos a ser valientes y directos con quienes buscan dañarnos.

Esta va para los que no aprenden de sus patrones”, expresó la cantante en redes sociales.

Este lanzamiento musical es una fusión innovadora de arreglos electrónicos, ritmos urbanos y melodías de dream pop, creando una atmósfera sonora vibrante y distintiva. La originalidad y frescura de esta propuesta se consolidan gracias a la participación de Natt Calma, una de las artistas más destacadas y prometedoras dentro del panorama independiente actual. Su colaboración aporta una dimensión única, explorando nuevos sonidos y estéticas musicales.

Juntas, arman un dueto donde la experimentación vocal subraya el mensaje principal: quienes nos traten mal, tarde o temprano, verán el peso del "karma".

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Poppy estrena “Unravel"

Experimentación de alto voltaje.

Poppy, la aclamada subversiva cantante, compositora y artista de performance, está lista para sorprender una vez más a sus seguidores y al mundo de la música con el lanzamiento de "Unravel", su esperado primer sencillo en solitario de 2025. Este nuevo tema, que llega bajo el prestigioso sello de Sumerian Records, revela una faceta inédita y profundamente personal de la artista.

En "Unravel", Poppy se despoja de sus habituales capas de misterio y experimentación para mostrar su lado más vulnerable. La canción se distingue por una voz cautivadora que transporta al oyente a un espacio de intimidad y reflexión. Las letras, cargadas de honestidad y emoción, exploran las complejidades del ser interior de Poppy, tejiendo una narrativa lírica que culmina en un estribillo apasionado y de gran intensidad. Este clímax musical no solo eleva la melodía, sino que también subraya la profunda conexión emocional que la estadounidense busca establecer con su audiencia.

Este lanzamiento refleja a una artista capaz de explorar la profundidad de las emociones humanas con una autenticidad conmovedora. Te dejamos con el video dirigido por Sam Cannon:

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Entrevista con Dinosaur Jr

El ruido como lenguaje eterno.

Han pasado 10 años desde la última vez que Dinosaur Jr. tocó en México. La legendaria banda de Amherst, Massachusetts, vuelve al país para presentarse en el festival Hipnosis, acompañada de nombres como Pavement, Spiritualized y Japanese Breakfast. En medio de una charla llena de pausas, risas nerviosas y silencios característicos, J Mascis habló sobre los años que han pasado, su forma de armar los setlists, sus rituales antes de tocar y su aversión a los museos.

Indie Rocks!: Jay, gracias por tomarte el tiempo para hablar con nosotros. Estamos muy emocionados de que por fin regresen a México. ¿Qué tan emocionado estás tú por volver después de tanto tiempo?

Dinosaur Jr.: Sí, estoy muy emocionado, me encanta. Han pasado bastantes años, creo que las dos veces que tocamos allá fueron buenas. No recuerdo cuál fue primero, pero sí, fue hace mucho. Me gustaría tocar allá más seguido, solo es cosa de que llegue la oferta correcta.

IR!: Y ahora vienen al festival Hipnosis, un evento muy especial con bandas como Pavement, Spiritualized y Japanese Breakfast. ¿Esa era la oferta correcta que esperabas?

DJ.: Espero que sí. Se ve genial, vi el cartel y recuerdo a Pavement, eso fue lo primero que me llamó la atención. Hace unos meses toqué solo y el mismo promotor me habló del festival, así que dijimos “sí, estamos listos para volver”.

IR!: Desde tu última visita han lanzado discos como Give a Glimpse of What You’re Not y Sweep It Into Space. ¿Qué planean tocar en este show?

DJ.: No hay un plan todavía. Vamos viendo cómo se siente. Normalmente tocamos las canciones que hemos estado tocando en ese momento. A veces alguien pide algo y la aprendemos. Hemos tocado álbumes completos, así que tenemos muchas canciones para elegir. Es difícil decidir.

IR!: Justo Farm cumplió aniversario hace poco, y también lanzaron la canción “Whenever You’re Ready” en 2024. Con tanto material, ¿cómo deciden qué entra en el setlist?

DJ.: Pienso en muchas cosas: hay gente que quiere escuchar las mismas canciones siempre, y otras veces queremos variar. Trato de equilibrar eso.

IR!: Han estado activos desde los ochenta, algo que pocas bandas pueden decir. ¿Cuál crees que es el secreto para seguir juntos después de tanto tiempo?

DJ.: Creo que tenemos una energía especial cuando tocamos juntos. Hemos tocado con otras personas y nos damos cuenta de que hay algo único en nuestro sonido. Solo tratamos de mantenerlo vivo.

IR!: Mucha gente los considera una de las bandas más importantes de la historia. ¿Tú te sientes parte de esa categoría?

DJ.: No. (Ríe) Algunas personas nos quieren, otras no. Eso es todo lo que sé.

IR!: ¿Te importa si a la gente le gusta o no lo que haces?

DJ.: No mucho. Si a mí me gusta, espero que a otros también. Pero tengo que complacerme a mí primero.

IR!: ¿Las canciones que más te gustan suelen coincidir con las favoritas del público?

DJ.: A veces sí, a veces no. Todo puede pasar.

IR!: ¿Cuál dirías que es la mejor canción de Dinosaur Jr.?

DJ.: Tal vez “Raisins”. Creo que es nuestra mejor canción.

IR!: En tu último show en México tocaron un cover de The Cure. ¿Habrá alguno esta vez?

DJ.: Puede ser. Todo es posible. A veces acepto peticiones en el momento.

IR!: ¿Cómo lo haces? ¿Gritos o letreros?

DJ.: Los letreros funcionan mejor. Cuando todos gritan al mismo tiempo no se entiende nada, pero si alguien sostiene un cartel con el nombre de una canción por mucho rato, lo recuerdo.

IR!: Hablando de favoritos, mencionaste alguna vez a Black Sabbath como una gran influencia.

DJ.: Sí, he estado pensando mucho en ellos desde que murió Ozzy. Fue una gran influencia. Una vez llegué a entrevistarlos por teléfono, fue emocionante. Le pregunté a Ozzy quién escribía las letras y me dijo que casi siempre Geezer, aunque algunas eran suyas. También hablamos de Sabotage, que es mi disco favorito, aunque él lo odia porque le recuerda a una época llena de abogados en el estudio. Puedo entenderlo; también hay discos míos que me recuerdan malos momentos.

IR!: ¿Eso hace que no toques ciertas canciones en vivo?

DJ.: A veces sí. Pero “Freak Scene” la tocamos siempre. Esa no puede faltar.

IR!: ¿Cómo te sientes antes de tocar en vivo? ¿Sigues poniéndote nervioso?

DJ.:Sí, mucho. Me da miedo ver al público. Me pongo nervioso y nunca sé qué decir entre canciones, así que prefiero solo tocar.

IR!: ¿No hay nada que te ayude con eso? ¿Algún ritual antes del show?

DJ.: Hago ejercicios vocales, eso me preocupa más que la guitarra. A veces la voz simplemente no sale, y es estresante.

IR!: ¿Qué vibra sientes respecto al show en México después de tantos años?

DJ.: Estoy emocionado. Los fans en México son geniales, así que creo que será bueno.

IR!: Eres una persona tranquila, pero tus canciones son muy intensas. ¿Sientes que hay un alter ego en el escenario?

DJ.: No. La gente dice que soy callado, pero yo no me percibo así. Hablo bastante, solo que tal vez no en los momentos que esperan.

IR!: Ojalá que esta vez no pasen otros diez años para verte de nuevo.

DJ.: (Ríe) Me encantaría volver más seguido. Solo necesitamos la oferta.

IR!: ¿Y vas a quedarte a ver a Pavement o a Spiritualized en el festival?

DJ.: No lo sé todavía. Me gusta Spiritualized, pero es raro ver a una banda desde el costado del escenario porque con los in-ears ya no se escucha nada. Bell & Sebastian me prestaron unos para escucharlos una vez, y fue genial. Ojalá todos hicieran eso.

IR!: ¿Usas in-ears tú también?

DJ.: No, no los necesito. Tengo mis amplis, eso es suficiente.

IR!: ¿Cómo es un soundcheck de Dinosaur Jr.?

DJ.: A mí me gusta hacerlo. Toco con un tipo de Pavement y él nunca quiere hacer soundcheck, yo soy lo contrario. Me gusta escuchar cómo suena todo, ver si el equipo funciona. Tengo el mismo ingeniero desde hace más de veinte años, así que ya sabe todo.

IR!: Por último, ¿algo que quieras decirle al público mexicano antes de verte en Hipnosis?

DJ.: Solo que estoy feliz de ir. Espero que la pasen bien. Y que no esperen verme en ningún museo, porque odio los museos.

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Machine Girl desata su caos final con “Dread Architect”

El trío de Nueva York lanza su álbum doble PsychoWarrior: MG Ultra X, una descarga brutal de distorsión, crítica y catarsis.

Machine Girl, el proyecto liderado por Matt Stephenson, irrumpe de nuevo con una última detonación: “Dread Architect”, tema que cierra el arco narrativo de PsychoWarrior: MG Ultra X, disponible desde hoy a través de Future Classic. En colaboración con Drumcorps, el nuevo sencillo es una colisión de drum-n-bass y gritos demenciales, sostenida por guitarras metálicas y sintetizadores precisos como bisturís.

Stephenson describe la canción como el antagonista del álbum doble: “Representa lo peor de nuestra clase dirigente, los multimillonarios hambrientos de guerra que están destruyendo el planeta mientras planean escapar a Marte. Es sombrío y jodido.”

El disco —que sigue la estela de MG Ultra (2024)— expande su universo conceptual hacia el terreno del inconsciente colectivo, inspirado por Jung y Joseph Campbell. “Vivimos en una cultura psicológicamente dañada. La resistencia comienza en la mente,” comenta Stephenson.

Tras su exitoso regreso con temas como “Rabbit Season” y “Come On Baby, Scrape My Data”, el grupo presentará su nuevo material en su evento anual de Halloween el 30 de octubre en el Knockdown Center de Brooklyn.

Con más de una década empujando los límites entre el ruido, la electrónica y el hardcore, Machine Girl reafirma su posición como una de las fuerzas más provocadoras y visionarias del caos digital contemporáneo.

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