Ratboys anuncia nuevo álbum, 'Singin’ to an Empty Chair'

El cuarteto de Chicago comparte el video de “Anywhere”, un adelanto cargado de nostalgia y renovación emocional.

La banda de indie rock Ratboys anunció su próximo álbum, Singin’ to an Empty Chair, que llegará el 6 de febrero a través de New West Records. Como primer adelanto, presentaron “Anywhere”, una pieza de pop-rock melódico acompañada por un video dirigido por Bobby Butterscotch.

Producido por Chris Walla (ex integrante de Death Cab for Cutie), el disco incluirá once temas —entre ellos el reciente “Light Night Mountains All That”— y nace de un proceso de introspección profunda. La vocalista Julia Steiner escribió gran parte de las canciones tras comenzar terapia, inspirada por la técnica de la “silla vacía”, en la que se busca cerrar ciclos o sanar vínculos mediante un diálogo imaginario con alguien ausente.

En palabras de Steiner: “El objetivo es tender la mano hacia esa persona, actualizarla sobre mi vida y tratar de superar el impasse”. Así, Singin’ to an Empty Chair se perfila como un trabajo íntimo, honesto y emocionalmente expansivo, que confirma la madurez artística de Ratboys.

Singin’ to an empty chair

"Open Up"
"Know You Then"
"Light Night Mountains All That"
"Anywhere"
"Penny in the Lake"
"Strange Love"
"The World, So Madly"
"Just Want You to Know the Truth"
"What’s Right?"
"Burn It Down"
"At Peace in the Hundred Acre Wood"

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Entrevista con Crumb

El cuarteto neoyorquino regresa a México para presentar su álbum Amama en el festival Hipnosis.

A un año de su más reciente lanzamiento, Amama, Crumb continúa explorando los límites entre el jazz, el pop psicodélico y la melancolía electrónica. En conversación con Indie Rocks!, la vocalista y guitarrista Lila Ramani reflexiona sobre la recepción del disco, el lazo cada vez más fuerte con el público mexicano, la vida en constante movimiento durante las giras y lo que depara el futuro para una de las bandas más singulares de su generación.

Indie Rocks!: Quisiera comenzar esta entrevista hablando un poco sobre su más reciente disco, lanzado en 2024. Cuando hablé con el resto de la banda fue un mes antes de su estreno, y ahora que ha pasado algo de tiempo, ¿cómo sienten la recepción que ha tenido Amama y la forma en que ha conectado con la gente?

Crumb: Ha sido un lanzamiento muy satisfactorio. Cada nuevo proyecto para nosotras es como lanzarlo todo al aire de nuevo, y eso puede dar miedo, pero también es lo más gratificante. Amama probablemente es el disco con más variaciones que hemos hecho, o al menos así nos lo parece. Es difícil saber cómo lo percibe la gente, pero al tocar en vivo y conectar con el público sentimos que realmente está resonando, y eso nos alegra mucho.

Indie Rocks!: Ya que mencionas los shows, quería hablar de eso. Tuve la oportunidad de verlas el año pasado en el Corona Capital, y ahora regresan para el festival Hipnosis. ¿Qué esperan de esta nueva presentación y del público mexicano?

Crumb: El Corona Capital fue definitivamente un punto alto, e Hipnosis siempre ha sido una experiencia hermosa. Tocar frente al público mexicano siempre es emocionante. Cada viaje nos da una mejor idea de lo especial que es tocar aquí: la gente es muy expresiva, con una energía increíble. El show del Corona fue uno de los más soleados y calurosos que he tenido, pero ese calor añadió intensidad y diversión. Estamos muy emocionadas de volver y ver qué sucede esta vez.

Indie Rocks!: Me encanta que menciones esa conexión con el público mexicano, porque muchas personas aquí escuchan su música. Crumb suena en playlists, radios y en distintos espacios.

Crumb: Es increíble escuchar eso. Siempre es un viaje ver a dónde llega la música y con quién conecta. Seguiremos donde esa energía nos lleve. Nos sentimos muy agradecidas de tener una razón para seguir regresando a México.

Indie Rocks!: Estar de gira constantemente puede ser agotador —de ciudad en ciudad, de aeropuerto en aeropuerto. ¿Cómo manejan el cansancio y se mantienen centradas?

Crumb: Es una gran pregunta. Justo hablaba de eso con mis amigos; incluso eventos personales como bodas o cumpleaños pueden sentirse abrumadores cuando estás en constante movimiento. Pero las giras, en cambio, me resultan energizantes. Me dan un sentido de propósito y calma que a veces no tengo en casa. Claro que tiene sus retos, pero aprendes mucho sobre ti misma, sobre lo que necesitas y cómo mantener el equilibrio. Nunca será perfecto, pero es un camino constante hacia la resiliencia y hacia entender qué te da vida.

Indie Rocks!: Tiene todo el sentido. Imagino que también debe ser difícil equilibrar la vida personal con un ritmo tan demandante. ¿Cómo ha reaccionado tu entorno más cercano ante esta parte de tu vida?

Crumb: Es una rutina poco convencional. Ser músico te separa de los horarios o estructuras que tiene la mayoría de la gente, pero también te permite vivir experiencias compartidas increíbles. Puedes perderte ciertos momentos importantes en casa, pero también compartir experiencias inolvidables durante los shows o los viajes. Cuando estoy en casa trato de estar realmente presente —con mi familia, mi pareja, mis sobrinos, mis amigos—. Es una práctica constante, pero tengo la suerte de contar con personas muy comprensivas a mi alrededor.

Indie Rocks!: Hablemos del futuro. Entre Ice Melt y Amama lanzaron algunos sencillos, incluido uno con Melody’s Echo Chamber. ¿Qué pueden esperar los fans de Crumb en los próximos años?

Crumb: Siempre estamos escribiendo y trabajando en algo. A veces las canciones tardan años en llegar a su forma final, pero nunca las dejamos atrás. Cada nuevo proyecto implica preguntarnos cómo lo haremos esta vez, y siempre encontramos una nueva manera. Puede parecer que seguimos un patrón de sacar discos cada cierto tiempo, pero en realidad no es intencional, simplemente ocurre. Por ejemplo, el sencillo con Melody’s Echo Chamber nació durante el aislamiento de la pandemia. Nunca sabemos exactamente qué esperar, pero estamos en ello.

Indie Rocks!: Para cerrar, si pudieras describir a Crumb en solo tres palabras, ¿cuáles serían?

Crumb: Mmm... diría “las palabras fallan”. Creo que son tres.

Indie Rocks!: Perfecto. Muchas gracias, fue un placer, y esperamos verlas en el festival Hipnosis.

Crumb: Igualmente, ¡nos morimos de ganas!

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

La sesión de Tame Impala en el Parque de Quetzalcóatl ya está disponible en YouTube

Una celebración inolvidable de música, arte y naturaleza.

Kevin Parker, la mente detrás de Tame Impala, ofreció una sesión inolvidable que sumergió a sus seguidores en las raíces australianas. La experiencia fusionó magistralmente la esencia del bush doof con la energía vibrante de la cultura rave, creando un sonido verdaderamente único.

El escenario elegido para este acontecimiento fue el Parque de Quetzalcóatl, una joya arquitectónica diseñada por Javier Senosiain. Ubicado estratégicamente en el Bosque de los Remedios de Juárez, en el Estado de México, este parque no solo ofreció un telón de fondo visualmente impresionante con su arquitectura orgánica y en sintonía con la naturaleza, sino que también realzó la atmósfera mística y envolvente del evento. La combinación de la propuesta musical de Parker y el entorno del parque generó una sinergia perfecta, transformando la noche en una celebración inolvidable de música, arte y naturaleza.

Esta experiencia, organizada por Cercle (conocido por sus inmersivas presentaciones en vivo), incluyó temas como "QUE NO SALGA LA LUNA" de Rosalía, "Ethereal Connection" y "End of Summer" de Tame Impala, "Halcyon On & On" de Orbital, "Odyssey to Anyoona" de Jam & Spoon, "Chimera" de Anunaku y más.

Dale play a continuación:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Reyna Tropical presenta “Tu Voz”

Entre ranchera y samba, la artista explora la conexión con sus raíces y la espiritualidad queer.

La artista Reyna Tropical regresa con “Tu Voz”, una pieza que une la esencia de la ranchera mexicana con los ritmos envolventes de la samba brasileña. Escrita, producida e interpretada por Fabiola Reyna, la canción nace de un momento de vulnerabilidad y reflexión sobre el amor a distancia y las herencias ancestrales.

Lo que escuchas es ese momento exacto en mi habitación teniendo una crisis existencial”, explica Reyna. “Mi cuerpo creó una canción de amor que atendía esos miedos y me llevó de vuelta a la medicina de mis ancestros.”

Acompañada por Angel Michael Lau en la percusión, “Tu Voz” es un viaje íntimo que invita a recorrer carreteras vacías al atardecer, dejando que la nostalgia y la conexión espiritual guíen el camino.

El sencillo llega tras el EP de remixes de Malegría en la Oscuridad, lanzado a inicios de año, y cierra un ciclo intenso en el que Reyna Tropical giró por varios continentes, acompañó a Leon Bridges y se presentó en festivales como Bahidorá.

Inspirada por su crianza en McAllen, Texas, Reyna describe la canción como una forma de sanar las heridas del machismo y reimaginar los símbolos culturales desde una mirada queer, lésbica y no binaria. “A través de esta canción y sus visuales quería transformar los traumas vividos y darles un nuevo significado,” señala.

“Tu Voz” es también una meditación sobre la diáspora y la sabiduría ancestral, donde el sonido se vuelve territorio. Desde su colaboración con el colectivo Herban Cura, Reyna explora la relación entre las semillas, la memoria genética y la resistencia cultural. La influencia de la samba, fruto de la diáspora africana en Brasil, refuerza este mensaje de movimiento, gozo y supervivencia.

Con este lanzamiento, Reyna Tropical cierra un capítulo y abre otros: un testimonio de amor, identidad y raíces compartidas.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

The Twilight Sad regresa con nuevo sencillo en siete años

“Waiting for the Phone Call” marca una nueva etapa para la banda escocesa y anticipa su gira europea en 2026.

Después de siete años de silencio, The Twilight Sad reaparece con “Waiting for the Phone Call”, una canción que cuenta con la participación especial de Robert Smith de The Cure en la guitarra. El tema, lanzado a través del sello Rock Action de Mogwai, reúne a los miembros principales James Graham y Andy MacFarlane, junto a los colaboradores Alex Mackay (Mogwai) y David Jeans.

En palabras de Graham, la canción aborda la pérdida, el amor y la enfermedad mental. “Perdí a la persona más importante para mí de una de las maneras más crueles”, expresó en un comunicado. “He usado la escritura como una forma de procesar mis emociones; componer con Andy durante estos años ha sido tanto un escape como una forma de entender la vida”.

El resultado es una pieza intensa y emocional, marcada por las guitarras melancólicas de Smith y la atmósfera oscura característica del grupo. Además, The Twilight Sad volverá a acompañar a The Cure en su próxima gira por Reino Unido, Irlanda y Alemania durante el verano de 2026.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Melody's Echo Chamber comparte “Eyes Closed”, su nuevo single

Celebrando el presente.

Luego del anuncio de su cuarto álbum de estudio, Unclouded, que estará disponible el 5 de diciembre a través de Domino y el estreno de "In The Stars", Melody's Echo Chamber comparte su segundo single, "Eyes Closed". 

Esta pieza musical transita entre el realismo y la fábula, explorando géneros que van desde el soul y la psicodelia hasta los confines del krautrock. Es, quizás, la composición más desenfrenada y juguetona del álbum.

Cierro los ojos no por negación, sino por devoción: a los recuerdos vívidos, a la complejidad de los sentimientos humanos, a ver más profundamente. También está impulsada por una estética resiliente que enfatiza la belleza de lo transitorio y la sensación agridulce de su impermanencia”, expresó la cantante en un comunicado de prensa.

Dale play aquí:

La talentosa artista francesa Melody Prochet promete un nuevo álbum, que se perfila como una oda al optimismo y la imaginación. Inspirada profundamente por el universo mágico y las narrativas conmovedoras del aclamado director de cine japonés Hayao Miyazaki, Prochet ha tejido una colección de canciones que capturan la esencia de la maravilla y la esperanza.

Cuanta más experiencia tengo de vida, más profundamente amo la vida y menos necesito escapar de ella. Si bien mi corazón aún pertenece a la hora azul, también siento como si hubiera reunido todos los fragmentos de mí mismo que estaban dispersos por todas partes y los hubiera pegado con oro, como en el kintsugi japonés”, concluyó la artista.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

“A Point Too Hard To Make”, lo nuevo de The Cribs

Espíritu puro y una melodía con estilo.

Lo nuevo de The Cribs es un adelanto de Selling A Vibe, su noveno disco que saldrá a la venta el 9 de enero de 2026 bajo el sello Play It Again Sam. Este material promete sorprender con un sonido fresco y distintivo, consolidando aún más a la banda de Wakefield.

El video musical "A Point Too Hard To Make", dirigido por Andy Knowles, trata sobre darse cuenta de lo importante que es una relación. Esto se ve claramente al final, con un abrazo emotivo entre los hermanos Gary y Ryan.

Años dedicados a anhelar conexión, evasión, emoción, todo ello en abundancia, durante toda una década. ¿Qué haces cuando se acaba la fiesta? ¿Dónde te deja? Te avisaremos si llegamos. Pero aún nos tenemos el uno al otro. De eso se trata esta historia, un poco de improvisación, en realidad”, explicó sobre el track, Gary Jarman.

Dale play a continuación:

Selling A Vibe promete ser un reflejo de su escepticismo sobre un mundo que le da más importancia a la cantidad que a la calidad y al estilo que a la sustancia. Esta es una iniciativa genuina que documenta la autenticidad y la honestidad, impregnada de un espíritu puro.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Entrevista con Mirror Revelations

El trío presume de mucho poder y oscuridad con Ignea y su más reciente sencillo "Liberar". Donde los sintetizadores analógicos, el bajo distorsionado y la repetición se funden en una experiencia sensorial y urgente.

Desde Toluca, Mirror Revelations ha construido un universo donde la repetición se convierte en mantra y el ruido se transforma en movimiento. Su sonido, alimentado por pulsos motorik, texturas analógicas y bajos distorsionados,  apunta tanto a la pista de baile como a la introspección. Con Ignea y "Liberar", el trío lleva esa búsqueda a un nuevo terreno: más crudo, más oscuro y profundamente emocional.

Indie Rocks!: ¿Qué ha cambiado desde esos momentos de Aura (2023) hasta el Mirror Revelations que son ahora?

Mirror Revelations: Yo creo que, pues sí, justo el conocer más gente, ver quién puede tocar con nosotros, acoplarnos más con ciertas personas. También explorando nuevos sonidos, hemos querido incorporar nuevas cosas a nuestro proyecto; siento que musicalmente también hemos evolucionado bastante. Y, claro, conectar con mucha gente de la escena alternativa, lo que llamamos la escena local.

IR!: ¿Qué onda con el sencillo “Liberar”, que lanzaron el 29 de agosto? Cuéntenos de esta canción.

MR: “Liberar” es el primer sencillo de nuestro nuevo álbum Ignea. Lo estamos trabajando desde hace tiempo y trata una temática que no se puede ignorar: lo que está pasando en Palestina e Israel. Una temática compleja, pero al componerla sentimos un clic y supimos que era una plataforma para decir algo. Pensamos que hay cosas que no se pueden evitar y que, aunque uno quiera evitarlas, la música te obliga. Si te afecta y está afectando a muchísimas personas, ¿por qué no llevarlo a la música? Es una canción con mucha fuerza, que habla de no quedarnos callados y tratar de movilizarnos.

Además, dura casi ocho minutos, y ahí vemos una resistencia al formato corto impuesto por la industria. Decidimos que durara ese tiempo, porque simplemente así lo sentíamos.

IR!: Ustedes se producen, trabajan en casa, tienen libertad creativa. ¿Han pensado en traer a un productor externo para este álbum o para el tercero?

MR: Sí, lo hemos pensado para el tercer disco, estamos sopesándolo, calibrándolo. En el segundo disco teníamos una visión muy clara de lo que éramos y no sentimos que hiciera falta, pero para el tercero no estamos cerrados. Nos gusta colaborar. Y hablando del próximo álbum: ya salió “Liberar”, quizá saquemos otro sencillo, queremos que sea sorpresa. Este disco será más oscuro, más contestatario: menos guitarra, más batería, más sintetizador procesado, más crudeza, más minimalismo, más trance. También incorporamos elementos de EBM e industrial.

IR!: En el arte visual del álbum, “Liberar” viene con una portada subversiva —cuéntenos del proceso visual.

MR: Exacto. Desde el nuevo álbum me estoy rifando todo lo artístico. El arte de “Liberal” tiene esa repetición, pero con un punto de quiebre: un triángulo rojo al centro que parece decir “algo va a estallar”. Nuestra estética de arte va más hacia la ilustración, hacia que el noise sea visible, tangible.

IR!: Hay distintos “mirror” en Mirror Revelations: el espejo del estudio, el del escenario, el de la creación íntima. ¿Con cuál se quedan?

MR: Buena pregunta. Yo me quedo con el mirror en el escenario: uno frente al público, con libertad, con expresión. Me quedaría con ese mood del escenario, porque al final es otro “yo”, es la libertad de hacer muchas cosas y conectar. Pero pensándolo bien, me quedaría con esos mirror también.

IR!: ¿Cómo es un día de concierto para ustedes? ¿Algún ritual o preparación especial para entregarse al escenario?

MR: Intentamos levantarnos temprano, salir a correr, hacer ejercicio para desestresarnos. Comer ligero para que no nos pese. En la Ciudad de México es pesado por el tráfico, tienes que salir muy temprano. Pero la idea es que sea algo que relaje, que te conecte con la gente, no algo tortuoso.

IR!: ¿Tienen pensado lanzar este álbum en formato físico, como vinilo?

MR: Somos amantes del formato físico, y definitivamente queremos lanzar en vinilo. Hay sorpresas, aunque aún no podemos adelantar mucho, lo más seguro es que sí sea en formato físico.

IR!: Para cerrar: ¿quieren dejar un mensaje para la audiencia de Hipnosis?

MR: Sí, agradecer el espacio, esperamos que puedan escuchar “Liberar”, que lleguen temprano al festival. También que aprovechen para ver propuestas mexicanas emergentes, quedarse los dos días.
(Risas) Estamos quizá grandes, los achaques piden cama, pero la música nos da energía; vamos con todo, ni sueño, ni irnos temprano.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Bala

El dúo gallego presenta Besta, un disco donde la furia y la ternura conviven en perfecta disonancia, y se prepara para su debut en México dentro del festival Hipnosis 2025.

Desde Galicia, Bala se ha consolidado como una de las propuestas más potentes y viscerales de la escena ibérica. Su mezcla de punk, grunge, stoner y metal no busca complacer, sino canalizar —con ruido y emoción— una visión del mundo atravesada por la precariedad, el feminismo y la necesidad de resistir.

Con su nuevo álbum Besta, el dúo formado por Anxela Baltar y Violeta Mosquera eleva su sonido a un nuevo nivel: un grito de rabia y esperanza en tiempos convulsos. A días de su presentación en Hipnosis 2025, conversamos con ellas sobre el proceso detrás del disco, la maternidad, las colaboraciones y lo que significa tocar por primera vez en México.

“Era inevitable que el disco fuera tan frontal”

Indie Rocks!: Besta se plantea como un disco que no solo critica lo que está mal, sino que también resalta lo que nos sostiene. ¿Cómo nació esa necesidad de hacer un álbum tan directo y cargado de mensaje?

Bala: Vivimos tiempos muy duros y muy absurdos. Besta nació de la necesidad de nombrar todo eso, pero también de celebrar lo que nos mantiene vivas: la amistad, los animales, la música, las redes que nos sostienen cuando todo se tambalea. Era inevitable que el disco fuera tan frontal.

IR!: En este material trabajaron con artistas como Ana Curra, Dani Miller, Tanxugueiras y Laurispunkis. ¿Qué aportó cada colaboración al sonido de Bala y cómo eligieron con quién compartir canciones?

Bala: Cada colaboración fue una extensión natural de lo que somos. Ana Curra aportó oscuridad y legado; Dani Miller, locura y energía desbordada; Tanxugueiras, la fuerza ancestral de la tierra; y Laurispunkis, una honestidad y energía brutal. Escogimos a quienes sentimos cerca en espíritu, no solo en sonido. Fue un honor poder contar con todas estas diosas a las que tanto admiramos.

“Escribir fue una forma de resistir”

IR!: Las letras de Besta hablan sin rodeos de precariedad, consumismo, cuidado animal, medio ambiente y redes de apoyo. ¿Cómo fue para ustedes escribir desde esa sinceridad en medio de tiempos tan complicados?

Bala: Fue necesario. Me costó abrirme tanto, porque nunca lo había hecho de una forma tan directa ni tan profunda, pero era lo que tenía que salir en aquel momento. Nos tocó hacerlo desde el caos, desde la frustración y la esperanza a la vez. Escribir fue una forma de resistir y de mantener la cabeza fuera del agua.

IR!: Sabemos que la maternidad de Anxela también influyó en el álbum. ¿Qué impacto tuvo en la manera de trabajar y en lo que querían expresar en Besta?

Bala: Cambió todo. La maternidad te hace repensarlo todo: los tiempos, las prioridades, la mirada. Hay más conciencia del mundo que dejas y del que quieres construir. Te ves de pronto como una persona distinta, y al principio perdida, desubicada. Escribía estas letras agotada, intentando conectar con el proceso vital tan potente que estaba viviendo… era inevitable que no se viese reflejado en las letras y en la forma de componer.

“Estamos seguras de que habrá una conexión intensa con el público mexicano”

IR!: Se presentarán en Hipnosis 2025. ¿Qué significa para ustedes tocar en México y qué esperan del público en este festival?

Bala: Es un sueño. Tocar en México era algo que nos habían pedido muchas veces, y la idea nos rondaba la cabeza desde hacía mucho tiempo, pero por distintas circunstancias todavía no se había dado la oportunidad. Que la primera vez vaya a ser en este increíble festival nos hace sentir muy afortunadas. Estamos seguras de que habrá una intensa conexión con el público… por nuestra parte haremos todo lo posible para que así sea.

IR!: ¿Cuáles son sus bandas imperdibles en esta edición del Hipnosis 2025?

Bala: El cartel es fantástico, queremos ver a todas las bandas. Personalmente no faltaré el día 2 a los shows de Deafheaven, Dinosaur Jr y Fin del Mundo, pero estoy deseando ver a todos y cada uno de los grupos que pasarán por el festival, porque estoy segura de que las formaciones que no conozco también me van a sorprender.

IR!: Han pasado por varios discos —Human Flesh (2015), Lume (2017), Maleza (2021) y ahora Besta—. ¿Cómo sienten que ha evolucionado Bala a lo largo de estos años?

Bala: Creo que los cambios principales están en las letras y en la forma de componer. De alguna manera hemos ido buscando nuestro camino, y quizás aún no lo hemos encontrado del todo… es un proceso que continúa cada año, con cada disco. En general nos hemos vuelto más conscientes sin perder la rabia. Antes era puro instinto; ahora hay más intención, pero la misma energía.

IR!: Después de varios proyectos y tantos shows, ¿cuál dirían que es el secreto para seguir haciendo música sin repetirse ni caer en lo mismo?

Bala: No pensar demasiado. Cada disco es una versión nueva de nosotras, con lo que estamos viviendo en esa etapa vital. Simplemente soltamos lo que tenemos dentro en cada momento, y eso siempre es distinto en función de las circunstancias personales, vitales y sociales que estemos viviendo, por lo que es muy difícil caer en lo mismo.

IR!: Para alguien que aún no conoce a Bala, ¿qué canción de Besta le recomendarían escuchar primero para adentrarse en su mundo sonoro?

Bala: Seguramente “Prisas” o “Inmutable”. Ahí está todo: la rabia, la ternura, el ruido y el corazón abierto.

IR!: Si tuvieran que describir a Bala en tres palabras, ¿cuáles serían?

Bala: Ruido, verdad, entraña.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

The Damned rinde homenaje a Brian James con un nuevo álbum de covers

Not Like Everybody Else llegará el 23 de enero con versiones de The Kinks, The Rolling Stones y más.

The Damned anunció Not Like Everybody Else, un nuevo álbum de versiones que rendirá tributo a la memoria de Brian James, guitarrista fundador de la banda y autor de muchos de sus primeros temas. James falleció a inicios de este año a los 70 años.

El primer adelanto será “There’s a Ghost in My House”, original de R. Dean Taylor, disponible este jueves. El álbum, que verá la luz el 23 de enero, incluye interpretaciones de clásicos sesenteros del garage y el rock psicodélico, con temas de The Kinks, The Rolling Stones, Pink Floyd, The Creation y The Animals, además de una versión de “Gimme Danger” de Iggy and the Stooges.

Grabado en cinco días en Revolver Studio, Los Ángeles, el disco reúne a Dave Vanian, Captain Sensible, Rat Scabies (en su primera sesión con la banda en 40 años), Paul Gray y Monty Oxymoron. La portada muestra una ilustración de un joven James, envuelta en un estilo flower-power que refleja el espíritu de las canciones reinterpretadas.

Además, The Damned participará en el compilado Killed By Deaf – A Punk Tribute to Motörhead, que saldrá el 31 de octubre e incluirá una grabación en vivo de Lemmy Kilmister junto al grupo interpretando “Neat Neat Neat”.

Thedamned nlee album cover 4000px 2

01. "There’s A Ghost In My House (R. Dean Taylor)"
02. "Summer In The City (Joe Cocker)"
03." Making Time (The Creation)"
04. "Gimme Danger (Iggy & The Stooges)"
05. "See Emily Play (Pink Floyd)"
06. "I’m Not Like Everybody Else (The Kinks)"
07. "Heart Full Of Soul (The Yardbirds)"
08. "You Must Be A Witch (The Lollipop Shoppe)"
09. "When I Was Young (The Animals)"
10. "The Last Time (The Rolling Stones)"

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook