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Entrevista con Kelsey Lu
16/Jul/2026
El dolor como pasajero.
Kelsey Lu habla de siete años de silencio discográfico, de la canción que nació después de cuatro Guinness en un pub londinense y de por qué "So Help Me God" es un ajuste de cuentas con una misma.
Siete años es mucho tiempo. Para Kelsey Lu, artista multifacética que debutó en 2019, ese período no fue silencio sino transformación: bandas sonoras para cine, colaboraciones, performances para museos y galerías de moda, y en algún punto entre todo eso, un disco que se fue construyendo a su propio ritmo. So Help Me God, disponible desde el 12 de junio vía Dirty Hit y producido junto a Jack Antonoff y Yves Rothman, llega acompañado de un cortometraje rodado en Lanzarote, shows íntimos en el Blue Note de Nueva York y Los Ángeles, y la performance PENUMBRA en el Palazzo Diedo de Venecia.
Kelsey habló sobre el proceso creativo detrás del álbum, sobre escribir canciones que se canalizan más que se componen y sobre aprender a tratar el dolor no como conductor del barco, sino como pasajero.
Indie Rocks!: Antes que nada, muchas gracias por el tiempo. Empecemos por lo más inmediato: ¿cómo te sientes al lanzar un nuevo álbum después de tanto tiempo? ¿Tienes una perspectiva diferente sobre hacer música ahora?
Kelsey Lu: Sí, se siente tan bien. Se siente tan bien volver a lanzar música.
Ha sido una transición incómoda, también. Le tomó siete años hacer este disco y durante esos siete años ella ha estado existiendo en su propio tiempo. Ha sido como una ermitaña, aislándose en muchos sentidos, aunque al mismo tiempo ha estado muy activa: haciendo bandas sonoras para cine, colaborando con artistas, haciendo presentaciones para marcas de moda, museos, galerías. Pero la transición hacia lanzar nueva música ha sido a veces incómoda porque se olvidó de cómo es. Y también ha cambiado; en los últimos siete años han llegado demandas sociales y otras cosas.
En el estudio eres tú, o estás con tus colaboradores, y simplemente haces la música y terminas. Luego hay un limbo esperando para presentarlo en vivo. Ella es intérprete, siempre ha sido intérprete, y creo que eso es lo que más le emociona: tocarlo en vivo. Pudo hacer ocho shows en el Blue Note, en Nueva York y en Los Ángeles, y fue muy especial porque interpretó el álbum completo antes de que nadie lo hubiera escuchado. En ese momento solo dos canciones habían salido: "Running to Pain" y "Portrait of a Lady on Fire". Tiene muchas ganas de tocarlo una vez que todo el mundo haya escuchado el álbum y pueda conectar y encontrar sus canciones favoritas. Está más lista de lo que ha estado nunca, creo.
IR!: ¿Cómo fue el proceso de trabajo: la elaboración de las letras, el sonido de cada canción y la producción en general?
KL: Líricamente, muchas de las canciones no fueron escritas en el sentido convencional; simplemente se interpretaron. Lo llama canalización. "American Sonnet" salió en la primera toma. "Better Than That", con Sampha, tampoco fue escrita; sucedió en la primera toma.
En ese momento vivía en Londres y compartía el estudio de Damon Albarn, el Gorilla Studio en el oeste de la ciudad. Gran parte del álbum fue escrito y producido ahí. Una noche estaba en el estudio, un poco frustrada por no poder descubrir lo que quería hacer, y salió a caminar. Entró a un pub donde había apenas unas pocas personas y nadie menor de 60 años, lleno de discos viejos y papeles polvorientos. Tomó como tres Guinness, quizá cuatro, y terminó hablando mucho rato con un señor llamado Charles sobre la vida y el amor. Luego regresó tambaleándose al estudio y "Better Than That" se derramó. Así fue como pasó.
"Reaper", la primera canción del álbum, originalmente duraba 20 minutos. No escribió nada; todo simplemente salió. Cuando estuvo averiguando cómo estructurarla, fue decidiendo qué letras tenían sentido y cómo darle forma. Para ella está contada en tres actos: el primero es una conversación entre Dios, la muerte y ella; el segundo es un espacio onírico liminal donde el subconsciente flota preguntándose si va a volver a la tierra o si va al cielo, o al infierno, ¿a dónde va?; y el tercero es encontrar la fe en la vida otra vez, lanzarse de nuevo, tener esperanza.
"Portrait of a Lady on Fire" la hizo después de ver la película, en su primera relación lésbica, sintiendo mucha lujuria y anhelo, ese tira y afloja de fantasear con una relación que quizá no funciona pero por la que aún se anhela algo que quizá no existe.
Cada canción tiene su historia. Siete años es mucho tiempo; es un viaje de muchas relaciones diferentes. Se habla mucho a sí misma, se dio cuenta. Cuando creía que hablaba de un ex, en realidad se estaba hablando a ella misma. El álbum trata sobre lidiar con la fe, una transformación profunda, un ajuste de cuentas con una misma. Entrar en la sombra, encontrar la belleza dentro de eso, la belleza en la mezcla del dolor y la alegría. Todas estas emociones, la ira, lo que corre en todos nosotros: ninguna es incorrecta. Y en lugar de dejar que el dolor conduzca el barco, convertirlo en pasajero.
IR!: En los sencillos que ya están disponibles hay un contraste interesante: sonidos folk en una, sonidos más metálicos en otra. ¿Cómo construye el sonido de cada canción? ¿Y cómo decide el orden de las pistas en el tracklist?
KL: Es narradora y toma mucha inspiración del cine. Gran parte de su producción y sus composiciones son cinematográficas. Cuando piensa en la emoción o la historia de una canción, todo ocurre en imágenes.
"Running to Pain", por ejemplo, trata sobre el empuje y el tirón de tu relación con el dolor. En vez de huir de él, correr hacia él, a través de él. Cómo una relación puede ser todo eso: al principio puede sentirse muy divertida y luego de repente puede ponerse muy aterradora y volverse tóxica. Puede ser una relación amorosa o la relación que tienes contigo misma. Dentro de la producción de esa canción, empieza con un sintetizador muy urgente, como si estuvieras corriendo hacia algo. Hay muchas voces, suena exuberante. Luego hay un momento en que todo cae, la producción se vuelve más silenciosa y te vuelves más reflexiva. Y luego vuelve con fuerza. Quería que eso fuera parte de la historia, reflejar que las emociones no son constantes; lo único constante es el cambio.
"Portrait of a Lady on Fire" la hizo durante la pandemia. Tenía su cello, que es con lo que suele empezar a escribir canciones, y fue muy instintivo hacer capas de cello y crear una paleta exuberante de cuerdas. Ese sentimiento profundo de anhelo inspirado por la película pedía solo cuerdas y bajo sin trastes, con ese vaivén entre notas, oscilando entre el anhelo de alguien y la conciencia de que quizá no está destinado a ser.
Podría seguir y seguir, pero ya se está cansando de hablar tanto.
IR!: ¿Qué tiene planeado después del lanzamiento? ¿Más presentaciones en vivo, más visuales, quizás un libro sobre este álbum?
KL: Va a salir un cortometraje con el lanzamiento del álbum, filmado en Lanzarote, donde también filmaron todos los visuales. Trabajó con Savannah Leaf, quien dirigió Earth Mama, película que ella musicalizó. El cortometraje empieza con "Running to Pain" y te lleva en un viaje por las diferentes canciones. Hay un momento en que suena una canción que no está en el álbum, algo que Kim Gordon y ella hicieron en el estudio durante el proceso; algunas de las guitarras de esa composición fueron extraídas y puestas en "Reaper", en ese acto liminal del que hablaba.
Probablemente habrá un libro también. Yuna Larashi, quien hizo el arte de la portada, documentó todo el proceso de filmación y también la performance PENUMBRA en Venecia, que fue una producción y presentación muy elaborada. A partir de esa performance se hará el libro.
Y luego habrá una gira en otoño, por supuesto. Está muy emocionada de empezar a presentarlo en vivo.
IR!: Entonces tenemos mucho por delante. Eso es todo por nuestra parte. Muchas gracias por el tiempo, por la sinceridad y por compartir todo esto. ¡Mucho éxito con el lanzamiento y con todo lo que viene!
KL: Muchas gracias. Que tengan un buen día. Igualmente, adiós.
